Kuulsusrikas XVIII sajand! Temaga ei alga Venemaa ajaloo põnevas ja dramaatilises raamatus mitte ainult uus peatükk, vaid võib-olla ka terve köide. Pigem tuleks seda köidet alustada eelmise sajandi viimastest aastakümnetest - 17. sajandist, mil meie riik valusalt ristteel kõhkledes hakkas tegema võimsat, enneolematut pööret - keskajast uusaega. Euroopaga silmitsi.
Tolleaegset Venemaad võrreldakse sageli laevaga. See laev liikus vastupandamatult edasi, ajas laiali oma uhked purjed, kartmata tormi ega peatunud hüüete peale: “Mees üle parda!”. Teda juhtis särava, kartmatu ja halastamatu kapteni – tsaar Peetruse – kindel käsi, kes tegi Venemaast impeeriumi ja tema ise – selle esimene keiser. Tema reformid olid karmid, isegi julmad. Ta surus riigile peale oma tahte, rikkudes traditsioone, kõhklemata, ohverdades riigi huvidele tuhandeid ja tuhandeid elusid.
Kas see oli vajalik? Kas oli mõni muu viis? Küsimus on väga keeruline, ajaloolased pole sellele veel vastust andnud. Meie jaoks on aga praegu oluline midagi muud. Asjaolu, et vaid mõne aastakümnega, alates Peetruse reformide algusest kuni Katariina Suure ajani, ei ole Venemaa, mis oli Lääne-Euroopa silmis võõras, ohtlik eksootiline maa, kus elavad ettearvamatud barbarid, muutunud mitte ainult eurooplaseks. võimsus. Üks esimesi Euroopa suurriike! Kiired muutused pole toimunud ainult poliitikas – need on mõjutanud inimeste elu aluseid, suhtumist maailma ja üksteisesse, elu, riideid, paljusid igapäevaseid pisiasju, millest tegelikult elu koosnebki. Ja muidugi kunst. Vene kunst on nende aastakümnete jooksul liikunud rada, mida mööda Lääne-Euroopa kunst on sajandeid voolanud.
Tundmatu kunstnik. "Patriarhi" Milaki portree - bojaar Matvei Filimonovitš Narõškin. 1690. aastad Õli lõuendil. 86,5 x 75 cm Riiklik Vene Muuseum
Peeter Suure aegset Venemaad haaranud aktiivse teadmise paatos muudab selle osaliselt seotud renessansiajastu Lääne-Euroopaga. Siis ergutas Itaalias (ja seejärel ka teistes riikides) kultuuri sekulariseerimine, praktiliste teaduste areng keskaegse spekulatiivse filosoofia asemel ja elav huvi ennast väärtustava isiksuse vastu (väljaspool korporatiivset raamistikku, mis oli taas iseloomulik keskajale). ilmaliku kunsti areng, mis tõusis enneolematutele kõrgustele.
Seda kunsti iseloomustab täpne looduse edasiandmine, mis põhineb perspektiiviseaduste ja inimese anatoomia uurimisel; ja mis kõige tähtsam, lähedane ja ükskõikne inimesesse piilumine. Renessansi meistrid näitavad meile inimest ennekõike kui imet, loomingu krooni, mida tasub imetleda. TO XVII sajand see rõõm annab teed sügavale ja kainele psühholoogilisusele, olemise ja inimloomuse enda traagiliste paradokside teadvustamisele (näiteks Velasquezi ja Rembrandti loomingus).
17. sajandi vene kunstis domineerisid endiselt traditsioon ja kaanon. Tolleaegne ilmalik maal on parsuni portreed (ladinakeelsest sõnast "persona"), mis meenutavad väga ikoonimaalitavaid nägusid. Need on lamedad, staatilised, ilma chiaroscurota, annavad ebatäpselt edasi portreteeritava välimust (autoritele reeglina kuulujuttude järgi). Kõik see pole muidugi tingitud ande puudumisest. Meie ees on erinev kunstiline süsteem, mis on loodud vaimse kunsti jaoks. Kunagi äratas see ellu Theophan Kreeklase ja Andrei Rubljovi meistriteosed. Kuid ajad on muutunud ja maalitehnikad, millel puudub ajalooline alus, on muutunud arhaismiks.
Kiired muutused ühiskonnas – ja koos sellega ka kunstis – algasid XVII sajandi üheksakümnendatel. Tüüpilise näitena võib tuua kuningliku narri Jakov Turgenevi portree, mille on maalinud tundmatu meister hiljemalt 1695. aastal. Üldiselt on see tüüpiline parsuna: külmunud pilt lennukis, kuigi valgus ja varjud on juba välja toodud. Kuid peamine on modelli välimuse individualiseerimine: näojooned, silmade väljendus; sisemaailm portrees veel ei peegeldu ja ometi on meie ees kahtlemata elav inimene.
Ivan Nikitin. Peeter I õetütre printsess Praskovja Ivanovna (?) portree 1714. a.
Lõuend, õli. 88 x 67,5 cm Riiklik Vene Muuseum
Ivan Nikitin. Parun Sergei Grigorjevitš Stroganovi portree. 1726
Lõuend, õli. 87 x 65 cm Riiklik Vene Muuseum
Ivan Nikitin. Peeter I surivoodil. 1725
Lõuend, õli. 36,6 x 54,4 cm Riiklik Vene Muuseum
See, et portreežanr hakkas väga kiiresti arenema, pole üllatav. Esiteks oli see vene maalikunstis juba olemas (erinevalt enamikust teistest žanritest, mis alles ilmusid). Peamine põhjus seisneb selles, et Peeter Suure ajastul kasvas järsult indiviidi tähtsus – aktiivne, enesejaatuse järele janunev, traditsioone ja klassibarjääre murdev. Sellised olid "Petrovi pesa tibud" - Menšikovist Abram Hannibalini - hasartmängijad ja erinevat päritolu andekad inimesed, tänu kellele suutis Vene laev ületada radikaalsete reformide tormise mere. Nende inimeste saatus kujunes sageli traagiliselt. Selline saatus ootas 18. sajandi esimest kuulsat kunstnikku, kes kerkis esile Peetri käe all, Ivan Nikitini.
Ta sündis 1680. aastate keskel ( täpne kuupäev teadmata) Moskva preestri perekonnas. Ta ilmutas varakult erakordseid võimeid: juba väga noore mehena õpetas ta Moskvas "suurtükiväekoolis" arvutamist ja joonistamist. Tõsiselt hakkas maalikunsti õppima Peeter I juhendamisel, kes sai teada tema andest.
Nikitini varased teosed (näiteks portree, mis väidetavalt kujutab Pjotri vennatütart Praskovja Joannovnat (1714)) meenutavad oma lameduse, konventsionaalsuse ja anatoomia eiramisega veel paljuski parsunasid. Kuid üha enam on neis märgata uusi jooni: tähelepanelikkus mudelile, püüded edasi anda selle iseloomu, siseelu. 1716. aastal arvati Nikitin Peetri pensionäride hulka – noored, kes saadeti riigi kulul välismaale õppima.
Ivan Nikitin. Õue-hetmani portree. 1720. aastad
Lõuend, õli. 76 x 60 cm Riiklik Vene Muuseum
Enne lahkumist kohtus tsaar isiklikult kunstnikuga ja kirjutas seejärel oma naisele (kes viibis siis Berliinis), et anda talle ülesandeks maalida mitu portreed, sealhulgas Preisi kuningat, "et nad teaksid, et meie rahva hulgas on häid meistreid. ." Ja välismaalt naastes ei jätnud Peeter Nikitini tähelepanu: ta kinkis talle Peterburi kesklinnas maja ja kutsus teda "isiklike asjade Hoffmaleriks".
Kunstnik ei tundnud mitte ainult tänulikkust keisri vastu - ta imetles seda võimsat isiksust, austas sügavalt tema riigigeeniust. See suhtumine on Nikitini kuulsas Peetri portrees väga märgatav. Portreel olev mees pole enam noor; tema silmades ja jonnakalt kokkusurutud huultel on näha kibedust. Ilmselgelt õnnestus tal näha ja hinnata suurejooneliste saavutuste teist poolt. Aga loobuda? Mitte mingil juhul! Ta on endiselt kindluse ja alistamatu energia kehastus. Ja 1725. aastal pidi kunstnik täitma leinava kohustuse: tabada keiser surivoodil. See maal jätab tugeva mulje. Lahkunu nägu, mida murettekitavalt valgustab küünalde leek (jäädes pildi "kulisside taha"), on välja kirjutatud rangelt realistlik ja samal ajal täis ehtsat suursugusust.
Need ja teised Nikitini tööd annavad tunnistust tema oskuste kiirest kasvust. Siin on näiteks portree kantsler G.I. Golovkin. Milline tark, peen ja mitmetähenduslik inimene on sellel kujutatud! Tema tumedate tähelepanelike silmade pilk, mis on suunatud vaatajale, on lihtsalt hüpnotiseeriv. Või suurejooneline "Õuehetmani portree". Need maalid on lakoonilised, täis sisemist dünaamikat ja ebatavaliselt ekspressiivsed. Nende autor ei ole enam kaanoniga seotud, ta allub kõige keerukamatele tehnikatele.
Seda jäikust, jäikust on näha isegi ühe teise Peetri pensionäri – Andrei Matvejevi töödes näiteks "Autoportrees naisega" (1729?). Sellel kujutatud noorpaari poosid ja näoilmed on staatilised ja ettekavatsetud. Samas tõmbab portree sügava siiruse ja puhtusega. Kui me seda vaatame, ilmub järsku lähedale kauge ajastu ja kõnetab meid otse...
Pärast Peeter I surma algasid Venemaal keerulised ajad. Tema järeltulijad, kes olid haaratud võimuvõitlusest, ei tundnud suurt muret riigi ja selle andekate subjektide saatuse pärast. Ivan Nikitini loominguline elu lõppes kurvalt. Anna Ioannovna valitsemisajal arreteeriti ta osalemise eest Moskva opositsiooniringis, kust tuli välja Feofan Prokopovitši brošüür. Ta veetis linnuses viis aastat, seejärel peksti 1737. aastal piitsaga ja pagendati Siberisse. Andestus saadi pärast 1742. aastat, kui tülitsenud keisrinna suri; paraku liiga hilja.
Kurnatud ja haigena ei saanud kunstnik kunagi koju – ta suri teel.
Paleepöörde ajastu, mis peaaegu kõik Peetruse ajal saavutatu puhus, lõppes 1741. aastal tema tütre Elizabethi liitumisega. Saanud trooni usurpeerimise teel (noor keiser John Antonovitš eemaldati ja vangistati kindlusesse), asus ta otsustavalt riigikorda taastama. Nagu tema isa, soovis ta, et Venemaa võtaks Euroopa suurriikide seas oma õiguspärase koha. Ta teadis, kuidas leida ja toetada andekaid inimesi – inimesi erinevatest ühiskonnakihtidest. Ja erinevalt isast ei kirjutanud ta kogu valitsemisaja jooksul alla ühelegi surmaotsusele.
Pole üllatav, et sel ajal algab rahvuskultuuri kõrge tõus. 1755. aastal asutati Moskva ülikool, 1756. aastal rahvusteater ja 1757. aastal kunstiakadeemia. Vene kujutav kunst oli muutumas tõeliselt professionaalseks.
Selle perioodi maalikunsti juhtiv roll kuulus endiselt portreele. Neljakümnendatel ja kuuekümnendatel aastatel töötasid selles suunas I. Višnjakov, A. Antropov, I. Argunov, M. Kolokolnikov, E. Vasilevski, K. Golovatševski. Portreekunst arenes välja kahes žanris: tseremoniaalne ja kammerlik.
Tseremooniaportree on suures osas barokkstiili (see suund, mis sai alguse 16. sajandil, domineeris siis Venemaal) oma kaaluka pompoossuse ja sünge suursugususega toode. Tema ülesanne on näidata mitte ainult inimest, vaid olulist inimest kogu tema kõrge sotsiaalse positsiooni hiilguses. Sellest ka selle asendi rõhutamiseks mõeldud aksessuaaride rohkus, poosi teatraalne hiilgus. Modell on kujutatud maastiku või interjööri taustal, kuid kindlasti esiplaanil, sageli täies kasvus, justkui surudes oma suurejoonelisusega alla ümbritsevat ruumi.
Ivan Višnjakov. M. S. Begitševi portree. 1825 Õli lõuendil. 92 x 78,5 cm
Muuseum V.A. Tropinin ja tema aja Moskva kunstnikud, Moskva
Just tseremoniaalsete portreedega sai tolle aja üks juhtivaid portreemaalijaid I.Ya. Višnjakov (1699-1761). Tema teosed järgivad žanri traditsioone, kuid neil on ka mitmeid sellele meistrile omaseid jooni. Esiteks värvide keerukus, rafineeritud graatsia, kerge ornamentaalsus ehk rokokoo stiilile iseloomulikud jooned. Eriti näitlik on selles osas 1749. aastal kirjutatud noore Sarah Eleonora Fermori portree (paar aastat hiljem lõi kunstnik ka oma venna portree).
Puuderdatud parukas ja jäigast satiinist punnis kleidis sihvakas tumedasilmne tüdruk tardus drapeeringute ja sammaste taustal. Just see hapra nooruse ja tseremoniaalse dekoratiivsuse kontrast on muljetavaldav, mida rõhutavad kogu pildi roosakas-hõbedane gamma, kõvade voldikute pärlmuttertoonid, õrn muster, mis näib asetsevat kangast veidi eemal – nagu klaasil härmatis ja taustal läbipaistev maastik. See lõuend meenutab mõneti peenest portselanist vaasi, mida imetled, karttes puudutada, et seda hooletu liigutusega mitte kahjustada.
Višnjakov on esimene vene maalikunstnikest, keda tõmbab piltide tõlgendamisel nii selgelt lüürika. Seda joont jätkatakse ka tema nooremate kaasaegsete ja sajandi teise poole kunstnike loomingus.
Aleksei Antropov. Anna Vasilievna Buturlina portree. 1763
Lõuend, õli. 60,3 x 47 cm Riiklik Tretjakovi galerii
18. sajandi portreekunsti olulisemad teosed loodi mitte tseremoniaalsete, vaid kammerportreede žanris. Selle žanri õitseaeg algab neljakümnendatel. Seda iseloomustab lakoonilisus, väike hulk detaile (millest igaüks muutub eriti oluliseks, lisades midagi mudeli omadustele), reeglina - kurt tume taust. Kammerportree meistri põhitähelepanu on suunatud antud näole lähivõte, märgates hoolikalt välimuse jooni, saavutades võimalikult suure sarnasuse, püüdes tungida kujutatava inimese sisemaailma.
Peamised saavutused selles žanris kuuluvad kahele kunstnikule, keda kunstikriitikud peavad koos Višnjakoviga 18. sajandi keskpaiga suurimateks maalikunstnikeks - Antropovile ja Argunovile.
A.P. Antropov (1716-1795) õppis maalimist oma sugulase, ühe Peetri pensionäri Andrei Matvejevi juures. Juba nooruses asus ta tööle kantselei maalimeeskonnas hoonetest algul Matvejevi, seejärel Višnjakovi juhendamisel. Need meistrid avaldasid talle suurt mõju ja ta oli omakorda Levitski õpetaja, tema teosed mõjutasid Rokotovi, hiljem Borovikovski ja Štšukini loomingut. Nii toimus järjepidevus vene portreepildis, mis läbis kogu 18. sajandi.
Antropovi kuulsaimad maalid on loodud viiekümnendatel ja kuuekümnendatel aastatel. Sel ajal võib teda teadlaste sõnul pidada vene maalikunsti keskseks tegelaseks. Buturlinide portreed, A.M. Izmailova, M.A. Rumjantseva, A.K. Vorontsova, Ataman Krasnoštšekov kujutavad väga erinevaid, kuid mõneti sarnaseid inimesi – ühe ühiskonnakihi, ühe ajastu esindajaid. Mõnikord panevad need maalid mõtlema parsunidele: neis (nagu Višnjakovi töödes) jääb mõnikord puudu õhust ja dünaamilisusest; Mudelite alati täpsete väliste omadustega ei kaasne alati sisemist.
Kui see omadus on aga olemas, saavutab see muljetavaldava tugevuse. Nagu näiteks riigiproua A.M. portreel. Izmailova. Selle keskealise naise nägu on peidetud valge ja punaka sileda maski taha. See on majesteetlik, täis võimukat jõudu ja rahulikku teadvust oma paremusest. Tahes-tahtmata tuleb mõte: kui raske peab olema neil, kes talle alluvad. Kuid kunstnik näitab inimloomuse mitmetähenduslikkust: lähemalt vaadates märkame, et ülemeeliku daami silmad on targemad ja pehmemad, kui esmapilgul tundus...
Teine näide on keiser Peeter III pidulik portree. Selle holsteini printsi valis lastetu Elizabeth järglaseks ainult suguluse tõttu (ta oli tema vennapoeg, Peeter I pojapoeg), mitte aga isiklike omaduste tõttu, paraku - tühised. Pärast mitu kuud kestnud auväärset valitsemist eemaldas ta troonilt tema enda naine, tulevane suurkeisrinna Katariina. See isiksuse tähtsusetus on portrees nii selgelt nähtav (hoolimata sellest, et see on lihtsalt tulvil kardinaid, ordeneid, hermeliinrõivaid ja muid pompoossuse ja võimu atribuute), et ausalt öeldes hakkab õnnetu keisri pärast kahju.
On ebatõenäoline, et Antropov seadis endale ülesandeks monarh troonilt kukutada. Ainult et ta, nagu tõeline meister, ei osanud lahti võtta. Selline kartmatu täpsus maksis kunstnikule tema karjääri: temast ei saanud kunagi äsja avatud Kunstiakadeemia liige.
Nimega I.P. Argunov (1729-1802) on seotud erilise leheküljega vene kunsti ajaloos. Ta oli pärisorjus kogu oma elu. Pärisorjus konsolideeriti 18. sajandil, muutudes tegelikult üheks orjuse vormiks. Särava keiserliku õukonna aadlikud, konkureerides omavahel, püstitasid luksuslikke paleesid, lavastasid teatreid ja kunstigaleriisid. Suur nõudlus oli linnusearhitektide, maalikunstnike, muusikute, näitlejate loovuse järele. Otsiti ja kasvatati andekaid inimesi, nad lõid tööks tingimused, kuid meistri tahtel võisid nad kergesti kõigest ilma jääda. Sellel ametikohal oli ka Argunov, kes oli sageli sunnitud töölt kõrvale tõmbama kas maalide kopeerimiseks või meistri vara haldamiseks.
Ivan Argunov. Jumalaema. 1753(?). Lõuend, õli. 202 x 70,7 cm Riiklik Vene Muuseum
Ivan Argunov. Jeesus Kristus. 1753(?). Lõuend, õli. 198 x 71 cm Riiklik Vene Muuseum
Õnneks polnud tema omanikud kõige hullemad – Šeremetevid. Nüüd räägime mõlemast perekonnast - Šeremetevitest ja Argunovidest -, et nad ülistasid oma nime Venemaa ajaloos: üks andis Venemaale komandörid ja poliitikud, teine - arhitektid ja maalikunstnikud. Arhitektideks olid Ivan Argunovi nõbu ja tema poeg Pavel, nad osalesid Kuskovo ja Ostankino paleekomplekside ehitamisel. Isana sai 18.-19. sajandi vahetusel tuntuks saanud Argunovi teisest pojast Nikolai portreemaalija.
Vastavalt loomemaneerile I.P. Argunov on Antropovi lähedane. Ka tema portreed – eriti tseremoniaalsed – panevad vahel parsuneid meenutama. Neil kujutatud tähtsad isikud on vürst ja printsess Lobanov-Rostovski, kindral-admiral vürst M.M. Golitsyn, Šeremetevite perekonna esindajad ja teised - vaadake vaatajat liikumatult, omaenda särast aheldatud. Nagu Antropov, joonistab Argunov hoolikalt tekstuure, imetledes kangaste sillerdumist, ehete sädelust ja õhulise pitsi kaskaade. (Muide, imetlus materiaalse maailma ilu vastu on iseloomulik mitte ainult neile meistritele: see on üks iseloomulikud tunnused kõik 18. sajandi maalid.)
Selle sära taha on peidetud modellide psühholoogilised omadused, kuid need on olemas ja on tähelepaneliku vaataja pilgule üsna kättesaadavad. Argunovi kammerportreedel tuleb just see omadus esile. Sellised on Hripunovite mehe ja naise Tolstoi, tundmatu taluperenaine ja mitmed teised portreed, millel on kujutatud väga erineva sotsiaalse staatuse, vanuse ja temperamendiga inimesi. Kunstnik vaatab nende inimeste nägudesse pingsalt ja huviga, märgates välimuse ja iseloomu vähimaidki jooni, mõnikord ausalt öeldes imetledes nende ilu, eriti sisemist (eriti on see märgatav Khripunova ja tundmatu vene kostüümis talunaise portreedel) .
Ivan Argunov pälvis oma kaasaegsete tunnustuse nii kunstnikuna (mitte asjata, pärast Katariina II troonile tõusmist tellis senat talle noore keisrinna ametliku portree, millega ta oli väga rahul) kui ka kunstnikuna. õpetaja. Tema õpilasteks olid peale poja Nikolai K.I. Golovachevsky, I.S. Sablukov, A.P. Losenko - tulevikus tuntud maalikunstnikud ja Kunstiakadeemia silmapaistvad tegelased.
Erilist arutelu väärib Peeter Suure valitsusaja viimastel aastatel vene kunstis ilmunud žanr.
See puudutab natüürmorti.
See žanr 18. sajandi Euroopa kunstis (muide, siis, kui see termin ise tekkis) oli väga populaarne. Eriti kuulsad on flaami ja hollandi kunstnike luksuslikud natüürmordid: läikivad veinipokaalid, puuviljahunnikud ja tapetud ulukiliha – omamoodi lihaliku rõõmu ja materiaalse külluse sümbol. Asjade maailm ei lakanud maalijaid hämmastamast ja rõõmustamast ning ka Venemaal, mil ilmalik kujutav kunst hakkas seal kiiresti arenema.
Esimesed vene natüürmordid maalisid mitmed meistrid, sealhulgas anonüümsed. Nende hulgas on kuulsaim nimi Grigory Teplov. Seminarist, Feofan Prokopovitši õpilane, hilisem riigimees ja teadlane, lõi mitu originaalset ja omal moel väga atraktiivset maali. Nad kujutavad igapäevaseid asju justkui juhuslikus korrast ära hajutatult puittahvlil, mille alla on maskeeritud lõuend. Need on nii hoolikalt välja kirjutatud, et tekib reaalsuse illusioon, ilmaasjata ei nimeta kunstikriitikud sedasorti natüürmorti "pettusteks".
Graveering, käekellad, märkmed, ravimipudel, pastakas ja märkmik ehk põhimõtteliselt need esemed, mis on viimasel ajal kasutusse tulnud, on märgid uuest, seni tundmata elukorraldusest. See on inimeste elu, keda juhib suur huvi maailma vastu ja teadmistejanu; kelle jaoks pole asi lihtsalt majapidamistarbeks, vaid mõistmist vääriv mõistatus. Seetõttu on neil näiliselt kunstitutel maalidel selline tugev energia. Need panevad meid ebatavaliselt teravalt tundma nende kaugete aegade külgetõmmet. Tundub, nagu oleks "trikk" tõepoolest tõeline elav olend, mida just nüüd, hetk tagasi puudutas selle ammu lahkunud omaniku käsi ...
Möödas on päris mitu aastat - ja nüüd on elu läinud oma tavapärastele rööbastele ning avastaja paatos on asendunud piduliku vaimustusega elurõõmudest. Selline oli Elizabethi õukonna õhkkond - "rõõmus Elizabeth", nagu tema kaasaegsed teda kutsusid. Koos barokiga tuleb moodi rokokoo stiil - kerge, mänguline, flirtiv. Paleesaalide anfilaadid on kaunistatud veidra dekooriga.
Boriss Suhodolski. Astronoomia. Umbes 1754. Desudeportes
Lõuend, õli. 100 x 210 cm Riiklik Tretjakovi galerii
Just siis kujunes vene kunstis välja omapärane natüürmort - desudeportes ehk paneelid ukse kohal. Nad kujutasid vaase, lilli ja puuvilju, oivalisi maastikke, eesriideid ja kaunistusi. Interjööri kaunistamiseks ja harmoniseerimiseks mõeldud neid võib harva pidada iseseisvateks kunstiteosteks, väljaspool üldist arhitektuurset ja nagu praegu öeldakse ka kujunduslikku ruumilahendust. Samas esitati neid reeglina väga kõrgel tasemel.
Sellel alal töötanud meistrite koolitamisel oli oluline roll sellisel asutusel nagu ülalmainitud Peterburi hoonete büroo, millel oli arhitektuuri- ja maalimeeskond. Maalimeeskonna kunstnikud täitsid arvukalt tellimusi paleede, kirikute, triumfi- ja pidulike hoonete maalimiseks. Nende hulgas paistsid silma sellised meistrid nagu Ivan Firsov, vennad Aleksei ja Ivan Belski, Boriss Suhhodolski.
Firsovi ja A. Belski tööd on rõhutatult dekoratiivsed; kujutades vaase, puuvilju ja eesriideid, ei püüdnud nad üldse selle poole, et need näeksid välja nagu päris. Nende meistrite töödega kaunistatud interjöörid omandasid terviklikkuse ja sära.
Suhhodolsky käsitles oma probleemi mõnevõrra teisiti. Tema desudéportes on tavaliselt maastikud. Oskuslikult interjööri sisse kirjutatud, tajutakse neid siiski üsna eraldi. Hilisbarokkstiilis aiad ja pargid – läbimõeldud rohelusega, grottide, varemete ja purskkaevuga, kaunistatud antiiksete kujude ja suurepäraste inimeste büstidega. Sellised aiad olid 18. sajandil väga populaarsed; osa neist, näiteks kuulus Pavlovski park, on säilinud tänapäevani. Muide, Katariina II valitsemisajal olid selles pargis erilised aiaraamatukogud: suurkujude büste vaadates on nii hea meel tegeleda tõsise lugemisega ja üleva üle mõtisklemisega. Lugevate inimeste figuure võime näha ka Suhhodolski pannoodel (näiteks "Kõndkäik", u 1754).
"Faux pas" ja desudeportes ei pruugi portree-, ajaloo- ja žanrimaali kõrgsaavutuste kõrval tunduda kuigi tõsiseltvõetava teemana.
Kuid ilma nendeta on kunsti idee XVIII sajand oleks poolik. Need on tihedalt seotud ajaga, mis nad sünnitas. Võib-olla poleks liialdus öelda, et neis peitub selle aja hing, selle kordumatu võlu.
Ivan Sablukov. Katariina II portree. 1770. aastad Õli lõuendil. 85 x 65,5 cm
1762. aastal hõivas Venemaa trooni endine Saksa printsess Sophia Frederica – keisrinna Katariina II. Ta kukutas valvurite abiga võimult oma abikaasa, kes ei suutnud riiki juhtida ega keiserliku õukonnas vähemalt mingit prestiiži säilitada. "Naiste ajastu", nagu 18. sajandit mõnikord nimetatakse, jätkus ja saavutas haripunkti.
Katariina ajal sai Venemaast tõeline suurriik. Edu saatis tema armeed ja diplomaatiat. Annekteeriti uusi maid, sealhulgas Musta mere põhjaosa, Krimm ja Põhja-Kaukaasia; impeeriumi piirid liikusid kaugele lõunasse ja läände. Euroopas peeti Venemaad teretulnud liitlaseks ja väga ohtlikuks vaenlaseks;
Euroopa riike puudutavad konfliktid ei lahenenud ilma tema osaluseta.
Katariina sisepoliitika oli resoluutne ja karm. Ta valis endale eeskujuks Peeter I (tema käsul püstitati talle kuulus monument Peterburi Paleeväljakule). Tugevdades absoluutse monarhia aluseid, andis see aadlile privileege - selle peamist toetust - ja tugevdas talupoegade orjastamist. Olles Prantsuse valgustajate fänn, et vältida riigi aluste kõigutamist (revolutsiooni algusega Prantsusmaal muutus see ülesanne eriti kiireloomuliseks!), jätkas ta vabamõtlemist ja surus halastamatult maha talupoegade mässud.
Catherine, nagu Peter ja Elizabeth, teadis, kuidas andeid hinnata. Suvorov, Daškova, Potjomkin, Ušakov, Deržavin – see on vaid väike osa tema aega ülistanud nimede tähtkujust. Sellesse tähtkuju on põimitud ka vene maalikunstnike säravad nimed.
Ivan Sablukov. Krahvinna L.N. portree. Kušeleva. 1770. aastad. Lõuend, õli. 65 x 50 cm
Nižni Novgorodi riiklik kunstimuuseum
Vene maalikunst, nagu ka kultuur üldiselt, oli sel ajal valgustusajastu ideede suure mõju all. See sotsiaalfilosoofiline liikumine, mille sünnikohaks oli Prantsusmaa, põhines mõistuse kultusel, mis on võimeline tundma maailma ja muutma seda õigluse, otstarbekuse ja edusammude alusel. Valgustajate jaoks olid kõik need mõisted üheselt positiivsed. See, mis takistas edasiminekut, tuli hukka mõista; ebaratsionaalset, seletamatut peeti valeks.
Klassitsism sai nende ideede väljenduseks kunstis. Lähtudes antiikaja kui ideaali tajumisest, püüdles see suund erinevalt barokist ja rokokoost selguse ja range lihtsuse poole. Ilu on arvutatav – see on klassitsismi kreedo. On seadused, mida rangelt järgides saate luua täiusliku kunstiteose. Ühest küljest on see täpsus, proportsionaalsus, osade ühtsus; teisest küljest "avalikkus on kõrgem kui isiklik", "kohustus on kõrgem kui armastus".
Prantsusmaal järgisid kunstnikud, näitekirjanikud, arhitektid klassitsismi põhimõtteid juba 17. sajandil – ammu enne valgustusajastut; Venemaal saabus klassitsistliku kunsti õitseaeg 18. sajandi teisel poolel. Olulist rolli selles mängis 1757. aastal Peterburis asutatud Kunstiakadeemia tegevus.
Akadeemia tähtsus vene kunsti ajaloos on äärmiselt suur. Aastakümneteks jäi see ainsaks kõrgemaks kunstiõppeasutuseks Venemaal. Pärast keiserliku staatuse saamist 1764. aastal oli ta võimude pideva eestkoste all, mis ühelt poolt andis talle võimaluse tasuda parimatele õpilastele pikki välisreise ja teiselt poolt piirata. "ideoloogiline segadus ja kõikumine".
Kirill Golovotševski. Krahvinna Sofia Dmitrievna Matjuškina portree lapsena. 1763.
Lõuend, õli. 61,2 x 47,5 cm Riiklik Tretjakovi galerii
Anton Losenko. Luuletaja ja näitekirjaniku Aleksander Petrovitš Sumarokovi portree
Lõuend, õli. 74 x 64,5 cm Riiklik Vene Muuseum
Üliõpilaste vastuvõtusüsteem oli aga üsna demokraatlik, formaalsustega koormamata. Esimeste seas, kes akadeemiasse astusid, olid kolm I.P. Argunov – Losenko, Sablukov ja Golovatševski. Hea ettevalmistusega nad mitte ainult ei õppinud, vaid aitasid ka õpetajatel akadeemilisi tunde juhtida ja omal ajal isegi maalimistunde juhtima.
Õppetöö Akadeemias lähtus loomulikult klassitsismi põhimõtetest. Õppinud noormeestesse sisendati mõte, et on vaja tugineda minevikukogemusele, traditsioonide, eriti iidsete traditsioonide väärtusele. Kunst, selgitasid õpetajad, peaks püüdlema ideaali poole, mis paraku vähe vastab ümbritsevale elule. Samas sisaldab see ka ideaalseid mustreid; hea kunstnik paljastab need ja esitab lõuendile parandatud olemuse, nagu see olema peab.
Selliste põhimõtete juures pole üllatav, et akadeemikud seadsid maalikunstis esikohale ajaloolise žanri (ajalooliseks peeti ka piibli-, legendaarseid ja mütoloogilisi aineid). Pärast akadeemia avamist hakkas see žanr vene kunstis õitsele jõudma.
I.P. õpilaste hulgas. Kunstiakadeemiasse astunud Argunov A.P. Losenko. Ta näitas end silmapaistva portreemaalijana: talle poseerisid Sumarokov, Ivan Šuvalov, Vene teatri asutaja Fjodor Volkov. Kuid esiteks tunneme ja hindame teda kui ajaloolist maalikunstnikku - selle žanri rajajat vene kunstis.
Väikese vene talupoja varakult orvuks jäänud poeg Anton Losenko suutis elus läbi murda ainuüksi tänu oma andele. Varases nooruses laulis ta õukonnakooris, sealt sai temast Argunovi õpilane. Siis saadeti ta akadeemiasse. Teda eristas alati tähelepanelikkus, elav uudishimu ja ahne teadmistehimu. Välismaal viibides (kuuekümnendatel käis ta kaks korda Pariisis, seejärel Roomas) pidas Losenko “Märkimisväärsete maali- ja skulptuuriteoste ajakirja, mida ma märkasin”, kus ta analüüsis hoolikalt oma muljeid Euroopa suurte meistrite – Raphaeli, Rubensi – töödest. , Rembrandt, Poussin, uuris antiikaja monumente, määratledes oma tee kunstis.
Anton Losenko. Adonise surm. 1764 Õli lõuendil. 77,6 x 105,2 cm
Anton Losenko. Zeus ja Thetis. 1769
Lõuend, õli. 172 x 126 cm Riiklik Vene Muuseum
Ja hiljem, õpetades Akadeemias noori kunstnikke, ei lõpetanud ta ise õppimist. Ta püüdles täiusliku tehnika valdamise, anatoomia täpsete teadmiste ja perspektiivi poole. Tema joonistusi peetakse üheks 18. sajandi graafika kõrgeimaks saavutuseks; pikka aega olid need eeskujuks akadeemia üliõpilastele joonistustundides. Akadeemias kasutati mitu aastakümmet ka tema koostatud plastilise anatoomia käsiraamatut, esimest Venemaal - "Inimese lühikese osakaalu selgitus ... joonistamist harjutavate noorte huvides ...".
Losenko kunstilised põhimõtted määrati kuuekümnendate aastate lõpuks. Klassitsismi tolleaegne selge loogika tundus sõõm värsket õhku dekoratiivse pretensioonikuse ja hilisbaroki ja rokokoo allegooriatega ülekoormatuse taustal, mille vaimus töötasid tol ajal Venemaale kutsutud väliskunstnikud (näiteks S. Torelli ja F. Fontainebasso). 1768. aastal maalis Losenko kaks "tavalise mehe mõõtu akadeemilist figuuri" - alasti keha uurimused, tinglikult nimega "Kain" ja "Abel", ning aasta hiljem - maali "Zeus ja Thetis". Nendes töödes kuulutas ta end esmalt klassitsistliku suuna kunstnikuks.
Losenko parimad tööd on ajaloolise žanri maalid, mis on kirjutatud iidse ja, mis kõige tähtsam, teemal. rahvuslik ajalugu. 1770. aastal eksponeeris ta Akadeemias maali "Vladimir ja Rogneda". Selle süžee põhineb kauge 10. sajandi sündmustel, mida on kirjeldatud raamatus "Möödunud aastate lugu". Vladimir, tulevane Kiievi suurvürst, kostis Polotski printsessi Rognedat ja pärast keeldumise saamist vangistas ta jõuga pärast seda, kui ta võitis Polotski ning tappis tema isa ja vennad. Pöördumine Venemaa ajaloo süžeele oli uuenduslik ja samas väga paljastav 18. sajandi teisel poolel, mil Vene ühiskond rahvusliku tõusu tingimustes hakkas ta mõistma oma ajaloolise mineviku tähtsust ja suurust. Kroonikate ja legendide kangelased seisid samal tasemel iidsete ja piibli tegelastega, näidates sama eeskuju tugevatest kirgedest ja kõrgetest tunnetest.
Anton Losenko. Aabraham ohverdab oma poja Iisaki. 1765
Lõuend, õli. 202 x 157 cm Riiklik Vene Muuseum
Anton Losenko. Suurepärane kalasaak. 1762
Lõuend, õli. 159,5 x 194 cm Riiklik Vene Muuseum
Pildil ei paista Vladimir julma vallutajana. Ta on armunud ja masendunud oma armastatud naise leinast, mille ta ise naisele põhjustas. Kas omavoli ja armastus sobivad kokku? Ajalugu, mida Losenko hästi teadis, andis vastuse: Vladimir ja Rogneda elasid aastaid õnnelikus abielus ... kuni prints ta lahkus Bütsantsi printsessi pärast, kellega ta pidi poliitilistel põhjustel abielluma.
Kolm aastat hiljem esitles kunstnik publikule veel ühte ajalooteemalist maali - "Hektori hüvastijätt Andromachega", keeruka mitmefiguurilise kompositsiooni, mis on teostatud professionaalse sära ja ülistava eneseohverdusega kodumaa nimel.
Losenko järel astus vene kunsti terve galaktika ajaloolisi maalikunstnikke, kellest enamik olid tema õpilased: I. Akimov, P. Sokolov, G. Ugrumov, M. Putšinov. Kõiki neid eristab kõrge oskuste tase: täiuslik joonistus, värvide ja chiaroscuro sujuvus, kõige keerukamate kompositsioonitehnikate kasutamine.
See meisterlikkus jätab suurepärase mulje üheksateistkümneaastase Akimovi maalil "Suurvürst Svjatoslav suudlemas oma ema ja lapsi naastes Doonau äärest Kiievisse", mis on kirjutatud õpetaja suurel mõjul, kuid professionaalsel tasemel. täiesti küps kunstnik. Hiljem I.A. Akimov (1754-1814) lõi mitmeid maale, peamiselt mütoloogilistel teemadel (näiteks "Heraklese enesesüütamine"), õpetas pikka aega akadeemias, omal ajal juhtis seda. 1804. aastal kirjutas ta ühe esimesi esseesid vene kunstist – "Lühikesed ajaloolised uudised mõnest vene kunstnikust".
P.I. Eriti huvitab Sokolovit (1753-1791) maal “Merkuur ja Argus”, millel on vastandatud usalduslikult uinunud vägeva kangelase ja salakavala kavala Merkuuri kujud, kes hakkab teda mõõgaga lööma. Sokolov on tuntud ka kui üks parimaid akadeemilisi joonistajaid: tema itaalia pliiatsi ja kriidiga toonpaberil kujutatud istujaid peavad kunstiajaloolased 18. sajandi vene graafika kõrgeimate saavutuste hulka.
M. Puchinovi (1716-1797) teoseid eristab kõrgendatud dekoratiivne efekt, mis pärineb sajandi keskpaiga vene maalikunstist ja on klassitsismikunstile üldiselt ebatavaline. Sellise dekoratiivse, koloristiliselt küllastunud kompositsiooni näiteks on maal "Aleksander Suure kohtumine Diogenesega", mis kujutab kohtumist filosoof Aleksander Suurega, mille eest ta sai 1762. aastal akadeemiku tiitli.
Ivan Akimov. Prometheus teeb Minerva tellimusel kuju. 1775
Lõuend, õli. 125 x 93 cm Riiklik Vene Muuseum
Ivan Akimov. Saturn vikatiga, istub kivil ja lõikab Cupido tiibu. 1802
Lõuend, õli. 44,5 x 36,6 cm Riiklik Tretjakovi galerii
Matteus Puchinov. Aleksander Suure kuupäev Diogenesega
Õli lõuendil 217 x 148 cm Riiklik Vene Muuseum
Erilist rolli kodumaise ajaloolise maalikunsti arengus mängis G.I. Ugrjumov (1764-1823). Ta oli armunud Venemaa ajaloosse ja joonistas sellest oma maalide jaoks teemasid. Ta maalis peamiselt suuri mitmefiguurilisi lõuendeid, mis olid pühendatud olulistele ajaloosündmustele, täites neid sajandivahetuse Vene ühiskonnale lähedaste ideedega. Näiteks maal “Mihhail Fedorovitši kutsumine tsaaririiki 14. märtsil 1613” (hiljemalt 1800) arendab ta võimu kui kohustuse ja koorma teemat, mis on igal ajal aktuaalne. Kuigi noor Mihhail pole oma võimetes kindel, kuuletub ta kuningriiki valinud inimeste tahtele, sest tunneb vastutust rahva ja isamaa ees.
Ugrjumovi kangelasteks ei saanud mitte ainult valitsejad ja kindralid (“Aleksander Nevski pidulik sisenemine Pihkva linna pärast võitu sakslaste üle”, “Kaasani vallutamine”), vaid ka lihtsad inimesed, nagu legendaarne Kiievi kozhemyaki Jan Usmar ("Jan Usmari tugevuse proovilepanek"). Tema lõuendeid iseloomustavad lisaks semantilisele sisule ekspressiivsed kompositsioonilahendused, värviküllane ja chiaroscuro särav mäng.
Ugrumovist sai Akadeemia ajaloolise maali õppejõud 1990. aastate alguses (varsti pärast seda, kui ta ise lõpetas) ja jäi seda enam kui kahekümneks aastaks. Ta täiustas joonistamise õpetamise meetodit, muutes selle vabamaks, looduslähedasemaks. Suurepärane tehniline väljaõpe, mille akadeemia järgmisel sajandil oma õpilastele andis, on suuresti tingitud tema teenetest.
Grigori Ugrjumov. Mihhail Fedorovitš Romanovi kutsumine kuningriiki 14. märtsil 1613. aastal. Hiljemalt 1800
Lõuend, õli. 510 x 393 cm Riiklik Vene Muuseum
Grigori Ugrjumov. Kaasani vallutamine 2. oktoobril 1552 Hiljemalt 1800. Õli lõuendil. 510 x 380 cm
Valgevene Vabariigi riiklik kunstimuuseum, Minsk
Grigori Ugrjumov. Aleksander Nevski pidulik sisenemine Pihkva linna pärast võitu sakslaste üle. 1793 (1794?). Õli lõuendil 197,5 × 313,5 cm Riiklik Vene Muuseum
Grigori Ugrjumov. Jan Usmari jõuproov 1796 (1797?)
Õli lõuendil 283 x 404 cm Riiklik Vene Muuseum
18. sajandi teine pool on vene portreekunsti kõrge tõusu aeg. Tulemas on uus meistrite põlvkond, kellel on uued ideed ja ideed selle kohta, milline peaks olema portree. Klassitsism mõjutab neid, kuid palju vähemal määral kui ajaloomaalijad. Ajendatuna elavast huvist inimese isiksuse vastu, püüavad nad seda näidata võimalikult sügavalt ja kõikehõlmavalt. Portree tüpoloogia laieneb: juba olemasolevatele tseremoniaal- ja kammerportreedele lisanduvad kostümeeritud ja mütoloogilised portreed. Modellide suhtlusringkond kasvab – ja mis on tüüpiline, peamiselt tänu loometöölistele, kes on pälvinud kuulsust oma ande ja teadmiste, mitte kõrge päritoluga. Portreekunst ei ole enam eliit, see ulatub pealinnadest kaugemale: ka Venemaa kubermangude elanikud tahavad end põlistada järglastele ning arvukate provintsimaalijate jõupingutustega on valmimas ulatuslik pildigalerii; huvitav materjal kunstikriitikutele ja ajaloolastele.
Ühesõnaga, portreekunsti võib julgelt nimetada sajandi teise poole vene maalikunsti tipuks. Eelkõige on sellel tipul kaks nime: Rokotov ja Levitsky.
Rokotov ja Levitski. Igaüks, kes on kunagi näinud nende loodud portreesid, jääb igaveseks nende võlu alla. Nii sarnane ja nii erinev. Graatsiline Levitsky, mängib piltidega, kasutab heldelt detaile, allegooriaid, vaatenurki - ta ei ole mõnikord vastumeelne oma modellide üle nalja heitmast, suhtudes neisse üdini armastavalt. Ja salapärane Rokotov – näod tema maalidel tõusevad esile ebamäärasest hämarusest, erutavad ja tõmbavad erakordselt ligi... Meetodite näilise monotoonsusega saavutab ta hämmastava psühholoogilise sügavuse ja emotsionaalse mõju tugevuse. Kunstiajaloolased võrdlevad neid kunstnikke mõnikord kahe teise suurepärase portreemaalijaga – inglise Reynoldsi ja Gainsborough’ga. Tõepoolest, paralleelid on ilmsed. Muidugi ei räägi me mingist mõjutamisest või laenamisest. See on intiimsus. Üks ajastu, sarnane ajaloolised protsessid… Euroopa eri paigus elavad inimesed leiavad sageli palju rohkem ühist, kui mingil põhjusel tavaliselt arvatakse.
Meie. 65:
Fedor Rokotov. Praskovja Nikolaevna Lanskoi portree. 1790. aastate algus. Lõuend, õli. 74 x 53 cm (opaal). Riiklik Tretjakovi galerii
Fedor Rokotov. Varvara Ermolajevna Novosiltseva portree. 1780 Õli lõuendil. 70,5 x 59 cm (ovaalne). Riiklik Tretjakovi galerii
Me ei tea Fjodor Stepanovitš Rokotovi elust nii palju. Tema sünniaeg on vaidlustatud: 1732 või 1735; ja võib-olla 1736 (kunstnik suri 1808). On teada, et ta sündis pärisorjade perre ja sai vabaduse pärast maalima asumist. Kuulsus jõudis varakult: viiekümnendate lõpus, kui ta oli veel kaugel kolmekümnest, tehti talle ülesandeks teha suurvürst Peter Fedorovitši (tulevane Peeter III) tseremoniaalne portree. Samal ajal maalis ta ka oma töö jaoks ebatavalise pildi - üks esimesi vene interjööre “I.I. Šuvalov. See pole lihtsalt interjöör, see on omamoodi “portree ilma modellita” (Shuvalovit näeme aga siiani: kontori seinal ripub tema J.-L. de Velli portree). Krahv Ivan Šuvalov polnud mitte ainult suur riigimees, aga ka üks oma aja haritumaid inimesi, Moskva ülikooli asutaja, kunstitundja ja -tundja. Rokotovi maal, mis taastoodab dokumentaalse täpsusega tema kabineti atmosfääri, taaselustab selle atmosfääri, aidates meil seda silmapaistvat inimest paremini mõista.
Kuni kuuekümnendate keskpaigani elas Rokotov Peterburis. Juba siis oli tal nii palju tellimusi, et kuigi ta töötas väga kiiresti, pidid portreede pisidetailid õpilastel valmis saama. Üks tema kaasaegsetest kirjutas entusiastlikult A.P. suurepärasest portreest. Sumarokov, mis on loodud vaid kolmes seansis: “... sina, peaaegu mängides, märkisid ainult Evo näo välimust ja silma (silma) teravust sel tunnil ja Evo tulist hinge, kogu õrnusega südamest teie animeeritud lõuendil, ei varjanud Asya ... ".
Fedor Rokotov. Varvara Nikolajevna Surovtseva portree. 1780. aastate teine pool.
Lõuend, õli. 67,5 x 52 cm (ovaalne). Riiklik Vene Muuseum
Fedor Rokotov. Agrafena (Agrippina?) Mihhailovna Pisareva (?) portree,
sündinud Durasova. 1790. aastate esimene pool.
Lõuend, õli. 63,5 x 49,5 cm (ovaalne). Riiklik Vene Muuseum
Fedor Rokotov. Krahvinna Elizabeth Vasilievna Santi portree, sündinud Lachinova. 1785
Lõuend, õli. 72,5 x 56 cm (ovaalne). Riiklik Vene Muuseum
1761. aastal maalitud suurvürst Pavel Petrovitši portree on väga hea. Sellest mehest saab mõnikümmend aastat hiljem arusaamatu meelelaadi ja traagilise saatusega Vene keiser-müsteerium. Praegu on see lihtsalt väike poiss, elav ja kapriisne; lapsepõlve võlu rõhutab kuldsete ja punaste toonide soe kombinatsioon, millele on üles ehitatud pildi värv.
1766. aasta paiku kolis kunstnik Moskvasse. Seal kirjutati kuuekümnendatel ja kaheksakümnendatel tema parimad teosed: portreed V.I. Maykova, A.I. Vorontsova, A.M. Obreskova, A. Yu. Kvashina-Samarina, V.E. Novoseltseva, P.N. Lanskoy, E.V. Santi, Struiskide ja Surovtsevide abikaasa ja paljud teised. Ta kirjutas rangelt kammerlikult, näidates aja jooksul üha suuremat kalduvust klassitsistliku lihtsuse poole. Minimaalsed detailid, lihtne tume taust. Vaataja kogu tähelepanu köidab modelli nägu. Need näod on väga erinevad, neid ühendab see, et nad kõik on inspireeritud. Rokotov ei kirjutanud väikseid inimesi, õigemini, ta teadis, kuidas kõigis, kes talle poseerisid, oma sügavust eristada. Elavad silmad vaatavad meile otsa nüüd pilkavalt, nüüd kurvalt, nüüd piinava ärevusega. Neis on alati mingi müsteerium, meile tundmatu elu mõistatus. Suutmatus seda lahendada teeb murelikuks, paneb ikka ja jälle vaatama ...
Võib-olla parim selle hüpnootilise mõju kohta, mida Rokotovi portreed vaatajale avaldavad, ütles luuletaja Nikolai Zabolotski:
... Kas mäletate, kuidas mineviku pimedusest,
Vaevalt satiini mähitud
Jälle Rokotovi portreest
Kas Struiskaja vaatas meid?
Tema silmad on nagu kaks pilve
Pool naeratus, pool nutt
Tema silmad on nagu kaks valet
Kaetud ebaõnnestumiste udusse.
Kahe mõistatuse kombinatsioon
Pool rõõm, pool ehmatus
Meeletu hellushoog,
Surmapiinade eelmäng...
(Luuletusest "Portree", 1954).
Dmitri Grigorjevitš Levitski (1735-1822) sündis ja veetis Varasematel aastatel Ukrainas. Kunst saatis teda lapsepõlvest: tema preester isa armastas graveerida ja teda peeti üheks parimaks Ukraina graveerijaks. Siiski on raske öelda, kuidas oleks Levitski saatus kujunenud, kui poleks kohtumist A.P. Antropov, kes tuli Kiievisse Andrease kiriku maale lavastama. Antropov märkas Dmitri annet ja võttis ta õpilaseks.
Levitsky õppis oma õpetajalt palju. Esiteks – oskus anda portreteeritavast täpne ja kindel kirjeldus. Kuid ta läks Antropovist palju kaugemale, täites oma teosed sügavusega, pannes neisse humanismi ja nägemuse avarust, mis teda Rokotoviga suguluses teevad.
Esimesed maalid, mis võimaldavad rääkida Levitskist kui küpsest kunstnikust, kirjutas ta kuuekümnendate ja seitsmekümnendate vahetusel. Need on portreed A.F. Kokorinov (kuulus arhitekt, Kunstiakadeemia hoone ehitaja) ja N.A. Sezemov. Portrees juhib Sezemova tähelepanu kujutatud inimese - talupoegade põliselaniku - tolleaegse kunsti jaoks ebatavalisele välimusele. Äärmiselt huvitav on Denis Diderot’ portree, mis on maalitud 1773. aastal, mil prantsuse filosoof Peterburi tuli.
Samal 1773. aastal sai Levitski Katariina II-lt suure tellimuse. Kuni 1776. aastani jätkus tema töö "Smoljanki" kallal - Smolnõi Instituudi õpilaste portreede seeria, mis ülistas igavesti tema nime, isegi kui ta midagi muud ei kirjutaks. Üldmulje, mis tekib neid hämmastavaid portreesid ükshaaval vaadates, võib väljendada mõne sõnaga: õnn, rõõm, pidu! Need kavalad teatrikostüümides tüdrukud, kes kunstniku ees pastoraalseid stseene mängivad, on lihtsalt ime, kui head nad on. Siin andis päikeselise Väike-Vene põliselanik vabad käed oma eluarmastusele, optimismile, imetlusele olemise fakti vastu. Iga portree on iseseisev teos, igal smolyankal on oma iseloom. Kuid kõik koos moodustavad nad imelise semantilise ja stiililise ühtsuse ning kunstnik kirjutab nende rõivad välja mitte vähema vaimustusega kui näod, andes meisterlikult edasi kangaste tunnuseid: siid ja satiin, samet, pits ja brokaat.
Ja siin on veel üks ilus pilt, maalitud kõik samal 1773. aastal. Selles näitas Levitsky mitte ainult oskusi ja huumorimeelt, vaid võib-olla ka erakordset julgust. See on portree kuulsast aretajast P.A. Demidov. Portree - tseremoniaalne: Demidovit on kujutatud uhkes poosis, täies kasvus, tema taga on ootuspäraselt sambad ja eesriided. Ta on aga riietatud mitte ordenivormi, vaid kodusesse mütsi ja hommikumantlisse ning ei toetu mitte mõnele suure kunstniku fooliumile või büstile, vaid kastekannule. Kuninglik käežest on adresseeritud lillepottidele: siin see on, peamine saavutus ja elutöö! Portree irooniline tähendus ei seisne muidugi pelgalt modelli kodusesse keskkonda sukeldumises: selline 18. sajandi portreepildis rohkem kui korra kohatud tehnika annaks pildile vaid siirust ja soojust juurde. Kuid just sobimatute kombinatsioon aitab anda surmavalt täpse iseloomustuse Demidovile, kellel oli ühelt poolt erakordne mõistus ja teiselt poolt väga veider hoiak koos naeruväärse türannia väljendunud märkidega.
See omaduste täpsus on iseloomulik kõigile Levitski portreedele. Ta oskab suurepäraselt märgata inimeses peamist ja luua terviklikkust elav pilt. Ja ta ei suhtu oma modelli kunagi külma objektiivsusega. Kui inimene talle meeldib, maalib ta soojust kiirgava pildi (portreed M.A. Dyakova-Lvovast, kunstniku isast ja tema tütrest, mehest ja naisest Bakuninist jt).
Dmitri Levitski. Preestri portree (G. K. Levitski?). 1779
Lõuend, õli. 71,2 x 58 cm Riiklik Tretjakovi galerii
Dmitri Levitski. Arhitekt Aleksander Filippovitš Kokorinovi portree. 1769
Dmitri Levitski. Feodosia Stepanovna Rževskaja ja Nastasja Mihhailovna Davõdova portree, keiserliku õilsate piigade haridusseltsi õpilastest. 1772
Lõuend, õli. 161 x 103 cm Riiklik Vene Muuseum
Dmitri Levitski. Ekaterina Ivanovna Nelidova portree, keiserliku õilsate piigade haridusühingu õpilast, 1773.
Õli lõuendil 164 x 106 cm Riiklik Vene Muuseum
Dmitri Levitski. Ekaterina Ivanovna portree, keiserliku õilsate piigade haridusseltsi õpilast
Moltšanova. 1776. Õli, lõuend. 181,5 x 142,5 cm Riiklik Vene Muuseum
Dmitri Levitski. Natalja Semjonovna keiserliku õilsate piigade haridusseltsi õpilase portree
Borštšova. 1776. Õli, lõuend. 196,5 x 134,5 cm Riiklik Vene Muuseum
Dmitri Levitski. Ivan Logginovitš Goleništšev-Kutuzovi portree
Lõuend, õli. 80,3 x 63,2 cm Moskva riiklik ajaloomuuseum
Dmitri Levitski. Aleksander Vassiljevitš Suvorovi portree. 1786
Lõuend, õli. 80,5 x 62,5 cm. Muuseum V.A. Tropinin ja tema aja Moskva kunstnikud, Moskva
Dmitri Levitski. Katariina II endise auteenija Anna Stepanovna Protasova portree. 1800
Lõuend, õli. 81,5 x 64,5 cm Riiklik Vene Muuseum
Dmitri Levitski. Katariina II portree. Umbes 1782. aastal
Lõuend, õli. Riiklik muuseum-reservaat"Pavlovsk"
Peeter Droždin. Katariina II portree. 1796
Lõuend, õli. 251 x 187 cm Riiklik Tretjakovi galerii
Ermolai Kameženkov. Kunstiakadeemia auvabaliikme maalikunstnik Johann Friedrich Grothi portree. 1780
Lõuend, õli. 134 x 102 cm Riiklik Vene Muuseum
Kuid kõige pimestavam väline sära ei suuda panna teda varjama ülbust, kalgikust või reetlikkust seal, kus ta neid märkab (näiteks Ursula Mnisheki ja Anna Davia portreedel).
Levitski teoste hulgas on aga üks, milles ta ei luba endale kunstilise erapooletuse avaldumist. Jutt käib kuulsast Katariina II portreest (esimene versioon loodi 1783. aastal). Siin oli tal selgelt määratletud ülesanne: luua keisrinna-seadusandja kuvand, valgustatud monarhia idee kehastus. See idee oli tollases ühiskonnas populaarne. Levitski ise jagas seda – just seepärast õnnestus tal see lõuend Deržavini Felitsa vaimus luua sellise säraga, nagu pidulik ood.
Rohkem kui viisteist aastat (1771–1787) õpetas Levitsky Kunstiakadeemias portreemaali. Tema õpilane oli tähelepanuväärne portreemaalija Štšukin, kes kuulus juba järgmisse vene kunstnike põlvkonda. Muidugi ei kogenud tema mõju mitte ainult need, kellele ta maalimist õpetas. Saab rääkida tervest ringist tolleaegsetest kunstnikest, stiililt ja vaadetelt portreekunstile Levitskile lähedased.
Esiteks on see P.S. Droždin (1745-1805), kes lisaks Levitskile õppis ka Antropovi juures ja maalis 1776. aastal väga sooja ja psühholoogiliselt täpse pildi, mis kujutas Antropovit koos pojaga oma naise portree ees. Tuntud on ka tema portreed sinises kaftanis noormehest (1775), tverilasest (1779) ja paljudest teistest, mis moodustavad galerii väga erinevatest inimtegelastest.
Ei saa mainimata jätta E.D. Kameženkov (1760-1818), kelle parimad tööd (“Tundmatu mehe portree lillas rüüs”, “Autoportree tütre Alexandraga”, portreed tütrest koos lapsehoidja I. F. Grotiga) iseloomustavad teda ka kui kunstnikku. Levitski ringkond.
Mihhail Šibanov. Talurahva lõunasöök. 1774
Lõuend, õli. 103 x 120 cm Riiklik Tretjakovi galerii
Loomulikult ei ole me loetlenud kõiki Katariina ajal Venemaal töötanud portreemaalijaid. Neid oli pealinnades ja provintsides palju. Sealhulgas väliskunstnikke, kes suurema või väiksema eduga sobituvad vene maalikunsti üldpilti (näiteks võib tuua oma maneerilt Rokotovile lähedase K. Hristineki). Portreekunst arenes pidevalt edasi. XVIII sajandi üheksakümnendateks astus see uude etappi.
Erinevalt portreest sündis igapäevane žanr alles 18. sajandil. Selle õitseaeg saabub järgmisel sajandil, mis on tuntud oma demokraatlike tendentside poolest. Vahepeal otsisid igapäevaelu ilu hindavad kunstnikud uusi teemasid ja süžeesid ning vaatasid avanemisväljavaateid ettevaatliku uudishimuga.
Neile avanes lihtrahva, eriti talurahva elu.
Talupoegade probleem Venemaal on alati olnud terav. Eriti pärast laastavat Pugatšovi sõda. Haritud ühiskond aga ei tahtnud talupoegades näha ainult röövleid ega näotuid ja õigusteta materiaalse rikkuse teenijaid. Temas sündis arusaam, et see on vene rahvas. Sellest ka ärganud huvi talupojaelu, kostüümi, rituaalide ja traditsioonide vastu. Paljuski kandis see ikkagi nii-öelda etnograafilist iseloomu: vene aadel (18. sajandi haritud ühiskond oli teatavasti peaaegu eranditult aadlik) tutvus neile praktiliselt tundmatu elu poolega. .
Selle huvi valguses käsitleme vene maalikunsti kodumaise žanri rajaja Mihhail Šibanovi loomingut.
Me ei tea tema elust peaaegu midagi, välja arvatud pärisorjade päritolu (võimalik, et vürst Potjomkin) ja asjaolu, et ta kirjutas oma parimad teosed seitsmekümnendatel. Ja töö on suurepärane. Sellised maalid nagu "Talupoja õhtusöök", "Vandendenõu" ja eriti "Pulmalepingu tähistamine" asetasid ta oma aja parimate kunstnikega ühte ritta. Muidugi teadis ta väga hästi elu, mida ta oma maalidel kujutas. Neist ühe tagaküljel on märgitud, et see tähistab "talupoegade Suzdali provintsi" ja oli kirjutatud "samas provintsis, Tatarovi külas". Lõuenditel on kaunilt välja kirjutatud vene kostüümid, igapäevased ja pidulikud, autentselt näidatud igapäevaelu detailid. Kuid Shibanovi puhul on peamine tema nägu. Nad on täiesti elus. Kui palju erinevaid tegelasi ja meeleolusid! Ja "Pulmalepingu tähistamise" vanaproua nägu - meie arvates on see lihtsalt tõeline meistriteos.
Mihhail Šibanov. Krahv A.M. portree Dmitrijev-Mamonov. 1787
Lõuend, õli. Nižni Novgorodi riiklik kunstimuuseum
Mihhail Šibanov Katariina II portree. 1787. Õli, lõuend. 70 x 59 cm
Riigipalee ja pargimuuseum-kaitseala "Gattšina"
Omaduste meisterlikkus avaldus Šibanovis mitte ainult igapäevases maalikunstis. Ta maalis mitu säravat portreed: Katariina II reisiülikonnas, tema lemmik A.M. Dmitrijev-Mamonov, Spiridonovs, Nesterovs. Kuid vene kunsti ajalukku astus ta loomulikult rahvateema avastajana.
Sellel teemal töötas I. Ermenev (1746 - pärast 1789), akvarellist ja graafik, peigmehe poeg, kes on lõpetanud Kunstiakadeemia ja on tuntud Bastille' vallutamises 14. juulil 1789. aastal. täiesti teistmoodi. Tema loomingust on säilinud väga vähe: hulk graafilisi lehti, mille hulgas on ka ebatavaline talupoegade kujundeid arendav sari. Seda võiks nimetada "kerjusteks". Just kerjuseid Ermenev kehastab erinevaid valikuid ja nurgad, omapärases monumentaal-groteskses võtmes. Sarja lehti vaadates jääb mulje, et kohtumine nende õnnetutega šokeeris kunagi kunstnikku sügavalt. Kas mitte see šokk ei paiskas ta lõpuks revolutsioonilise Prantsusmaa verisesse tormi? ..
18. sajandi igapäevase maalikunsti lugu jääb poolikuks, kui jätta mainimata I. Firsovi imeline maal "Noor maalikunstnik" – üks esimesi selle žanriga seotud. Selle maali ja selle autoriga on seotud mitu mõistatust. Kas see on seesama Firsov, kes viiekümnendatel hoonete kantselei maalimeeskonna koosseisus barokse desudeportesid lõi? Millal ja kus maal maaliti? On oletatud, et Pariisis ja et see kujutab prantsuse perekonda. Viimases pole aga asi. Pilt on tõesti imeline - oma värske värvi, kompositsiooni kerguse, tegelaste, eriti laste võluva elavusega. See tekkis justkui ühe hingetõmbega. Ja nagu Levitski Smoljanki, paneb see meid tundma kerget joovastavat õhku, mida hingas Venemaa 18. sajandil.
Katariina Suure ajastu lõppes 1796. aastal. See jättis Venemaa võimsaks, jõukaks, kuid tõsiste probleemide alla surutud, endiselt hõõguvaks, kuid käegakatsutavaks – need pidid täies jõus avalduma järgmisel sajandil. Ka väliskeskkond oli raske. Prantsusmaal puhkenud revolutsioon pühkis täielikult Euroopa rahu ja tasakaalu. See, mida peeti kõigutamatuks, osutus hapraks ja lühiajaliseks.
Nendes tingimustes ei saanud klassitsismi sümmeetria ja moraalne kindlus enam vastata ühiskonna vaimsetele otsingutele. Maailm osutus palju vastuolulisemaks. Mood (taas esmalt Prantsusmaal) hõlmab muundatud klassitsismi - ampiirstiili, "impeeriumi" -, mis on rõhutatult orienteeritud antiikajale, kuid millel juba puudus range, proportsionaalne selgus, mis oli talle omane.
Tolleaegseid kunstnikke iseloomustas iha loomulikkuse järele ja elav huvi inimhinge peenemate liigutuste vastu. Pole juhus, et sajandi lõpuks muutus maastik vene maalikunstis iseseisvaks žanriks.
Maastiku kui žanri kujundamisel mängisid rolli linnade, parkide, paleede ja erinevate meeldejäävate paikade vaated, mis olid varem loodud ja nii-öelda tunnetuslik-topograafilise iseloomuga; samuti - teatrimaastikud, interjöörimaalid ja -tahvlid, portreede maastikukomponendid ja mitmefiguurilised maalid. Maastik toimis kaunistuse või taustana, parimal juhul võimendades teose emotsionaalset muljet. Kuid sajandi lõpuks hakkas vene kunst teadvustama, et esiteks on looduspilt iseenesest väärtuslik ja teiseks, et selle kaudu saab väljendada kõige keerukamaid inimlikke meeleolusid.
Semjon Fedorovitš Štšedrinit (1745-1804) võib pidada vene maastikumaali rajajaks. Ta on esimene kunstnike dünastia esindaja, keda ülistas 19. sajandi esimese poole hiilgav maastikumaalija Sylvester Štšedrin, kuid vene kunsti arengus mängisid väga olulist rolli ka tema enda teosed.
Klassitsismi põhimõtteid järgides uskus Štšedrin, et ta peaks oma maalidel "parandama" olemust, paljastades selles korratu ja juhusliku taga peituva proportsionaalsuse. Samas otsis ta sajandilõpu kunstikeskkonnale iseloomulike meeleolude vaimus poeesiat ja kordumatut ilu loodusest.
Tema 1970. ja 1980. aastate maastikud on enamasti kujutluspildid väljamõeldud paikadest, rõhutatult ekspressiivsed, kaunite puudega säravas pitsilises lehestikus. Alates üheksakümnendatest on tema vaated maastikumaalile muutunud, muutunud mitmes mõttes uuenduslikuks. See paljastab ilu tõelistel maastikel. Ta maalib vaateid Peterburi lähiümbruse kuulsatele parkidele - Gattšina, Pavlovsk, Peterhof: "Vaade Gattšina paleele Long Islandilt" (1796), "Kivisild Gattšinas Connetable Square'i lähedal" (1799-1801). Ja ka - Peterburi ise (näiteks "Vaade Bolšaja Nevkale ja Stroganovite datšale", 1804), mille pildis jääb tema jaoks peamiseks asjaks loodus ja selle osana tajutakse arhitektuurilisi struktuure.
Muidugi oli see inimkäte tellitud loodus. Seda lõuendile üle kandes jälgis Štšedrin hoolikalt klassitsistlikku sümmeetriat, ruumi jagunemist kolmeks tasapinnaks jne. Kuid taeva ja pilvede värv, silmapiiri ähmastav udu, päikese sära Neeva vees, lühidalt öeldes, see valgus- ja õhukeskkond, mille pildis saavutavad järgmise sajandi kunstnikud täiuslikkuse, omandasid. tema jaoks üha olulisem.
Štšedrin valmistas neile kunstnikele teed mitte ainult oma töödega. Alates 1799. aastast juhtis ta koos I. Klauberiga Kunstiakadeemias maastikugravüüri klassi, kust ilmusid imelised graveerijad S.F. Galaktionov, A.G. Ukhtomsky, vennad Kozma ja Ivan Chesky. Peagi hakati selles klassis ette valmistama ka maastikumaalijaid – akadeemia müüride vahel asuv maastik omandas lõpuks täieliku staatuse.
Vene maalikunsti parimaid saavutusi sajandi lõpus seostati ikka portreega. Sel ajal toimub põlvkondade vahetus, ilmuvad uued meistrid. Kunstnikud püüavad üha enam kujutada inimese siseelu, tema sügavamaid elamusi. Portree muutub intiimsemaks. See peegeldab sentimentalismi ideid – suundumust, mis oli populaarne sajandivahetusel ja 19. sajandi algusaastatel. Need suundumused väljendusid kõige täielikumalt V.L. Borovikovsky (1757-1825) - üks parimaid portreežanri meistreid vene kunstis.
Borovikovski sündis Ukrainas, õppis maalikunsti isa juures. Ja võib-olla oleks ta elu lõpuni provintsi portreemaalijaks jäänud, kui mitte keisrinna reis Lõuna-Venemaale, mille ta 1787. aastal ette võttis. Katariinale meeldisid Borovikovski ajutise palee seinamaalingud. Ja kunstnik läks Peterburi - maalikunsti täiendama. Ta õppis koos I.B. Lumpy Sr ja võib-olla ka Levitsky. Ta sai kiiresti kuulsaks, sai palju tellimusi. Tema pintslid kuuluvad prints Kurakini (1801-1802), suurmeistri ülikonnas Paul I säravatele tseremoniaalsetele portreedele. Malta ordu(1800) jt. Erksad psühholoogilised omadused on antud ka kammerportreedel – G.R. Deržavin, D.P. Troštšinski, kindral F.A. Borovski.
Vladimir Borovikovski. Krahvinna Anna Ivanovna Bezborodko portree koos tütarde Ljubovi ja Kleopatraga. 1803
Lõuend, õli. 134 x 104,5 cm Riiklik Vene Muuseum
Aga eelkõige on Borovikovski naiskambri, täpsemalt koduportree meister. Ta maalis isegi Katariina II sooja mantliga aias jalutava "Kaasani mõisniku" kujul. Tema kangelannad on unistavad noored daamid ja kaval naeratus huulil, lill või õun käes, poseerivad mõtlike maastike taustal. Nende lokid on vastavalt sentimentaalsuse maitsele veidi sasitud, riietus on meelega lihtsad. Iga tegelane on täpselt läbi loetud, ühte ei saa teisega segi ajada. Need on portreed O.K. Filippova, V.A. Šidlovskaja, E.A. Narõškina, M.I. Lopukhina, E.N. Arsenjeva, õed Gagarinid, taluperenaine Hristinja (viimane on tähelepanuväärne ka selle poolest, et Borovikovski jaoks pole oluline mitte pärisorja naise "etnograafiline" kuvand, vaid nagu aadlitüdrukute portreedel, sisemaailm) .
Aastatega muutub kunstniku pilk karmimaks, pooltoonidel põhinev maali hägustumine asendub range plastilise modelleerimisega (näiteks "Daami turbanis" portreedel – väidetavalt prantsuse kirjaniku A.-L. .-J. de Stael - D.A. Deržavina ja M.I. Dolgoruky, kirjutatud XIX sajandi kümnendal aastal).
Borovikovski nimi sajandivahetuse vene portreekunstis pole sugugi üksildane. Väga särav ja originaalne portreemaalija oli Levitsky S.S. Šukin (1762-1828). Kogu tema elu oli seotud kunstiakadeemiaga, kuhu ta sai poisikesena lastekodust ja hiljem juhtis selle portreeklassi. Tema portreedes, ka varastes portreedes, on tunda romantismi – suundumust, mis kultuuris saab maad alles järgmise sajandi alguses, tõrjudes välja klassitsismi ja sentimentalismi. Eriti näitlik on selles osas 1786. aasta autoportree ja keiser Paul I portree lihtsas ohvitserivormis, kepp käes.
Väga huvitav on M.I. Belski (1753-1794). Tema, nagu mõned tema kaasaegsed kunstnikud, uskus, et elutõde on väärtuslikum kui kujundi poeetiline harmoonia, ega vältinud iseloomutruudust järgides ka karmust ja vastuolusid. Need seisukohad kajastusid näiteks portrees heliloojast D.S. Bortnjanski.
Vladimir Borovikovski. Darja Aleksejevna Deržavina portree. 1813
Lõuend, õli. 284 x 204,3 cm Riiklik Tretjakovi galerii
Meie. 117:
Stepan Šukin. Arhitekt Adrian Dmitrievich Zahharovi portree. Umbes 1804. aastal
Õli lõuendil 25,5 x 20 cm Riiklik Tretjakovi galerii
Mihhail Belski. Helilooja Dmitri Stepanovitš Bortnjanski portree. 1788
Lõuend, õli. 65,7 x 52,3 cm Riiklik Tretjakovi galerii
Nikolai Argunov. Kindraladjutandi krahv Aleksandr Matvejevitš Dmitriev-Mamontovi portree. 1812
Lõuend, õli. 151 x 125,6 cm Riiklik Tretjakovi galerii
Nikolai Argunov. Matrena Ivanovna Sokolova portree. 1820 Õli lõuendil. 67,1 x 52,8 cm Riiklik Tretjakovi galerii
Nikolai Argunov. Portree T.V. Shlykova. 1789 Õli lõuendil. 79 x 55 cm (ovaalne)
Riiklik keraamikamuuseum ja 18. sajandi Kuskovo mõis, Moskva
Lõpuks N.I. Argunov (1771 - pärast 1829). Kuulsa pärisorja portreemaalija Nikolai Argunovi poeg ja õpilane ise oli pärisorjus kuni 45. eluaastani. Tema erakordsest andest annavad tunnistust juba nooruspõlvetööd: “Naerev talupoeg”, “Talupoeg, klaas käes” ja eriti poeetiline portree Šeremetevi teatri pärisorja tantsijannast Tatjana Šlykova-Granatovast, mis on kirjutatud kunstniku eluajal. umbes kaheksateist aastat vana. Tulevikus lõi Argunov veel palju imelisi teoseid, mille hulgas paistavad silma kuulsa Praskovya Kovaleva-Zhemchugova portreed - ka pärisorja näitlejanna, kellest sai krahv N.P. Sheremeteva ja suri nooruses, vahetult pärast poja sündi. Portree, millel teda on kujutatud raseduse viimastel nädalatel - mustal taustal, must-punase kapuutsiga, mureliku ilmega kõhnunud näoilmega - on läbi imbunud traagika aimamisest.
Nende kunstnike looming ühendas maagilise sillana mööduvaid ja lähenevaid sajandeid. Venemaa kunsti kiire tee Peeter Suure ajast peale on viinud suurepäraste tulemusteni. Ees ootas uus tee. Kirglikud hobid, meeleheitlik uudsuse otsimine, vägivaldsed konfliktid ja tõelised lahingud kunstivaadete pärast – kõik see ootas ees. 18. sajandi vene maalikunst seda veel ei teadnud. Tema ülesanne oli mõista Meest. Ja selle ülesande täitis ta suurepäraselt.
Nikolai Argunov. Portree, Amoriks riietatud Ivan Jakimov. 1790
Lõuend, õli. 142 x 98 cm Riiklik Vene Muuseum
Nikolai Argunov. Kalmõk Annuška portree. 1767
Lõuend, õli. 62 x 50 cm Riiklik keraamikamuuseum ja 18. sajandi Kuskovo mõis, Moskva
Nikolai Argunov. Senaator Pavel Stepanovitš Runitši salanõuniku portree. 1817
Lõuend, õli. 134 x 103 cm Riiklik Vene Muuseum
Nikolai Argunov. Keiser Paul I portree 1797
Lõuend, õli. 285 x 206 cm Moskva muuseum-Ostankino mõis
18. sajand on piiripealne. Kultuuri olemus on muutunud, muutunud ilmalikuks, ilmuvad uued žanrid (portree).
18. sajandi 1. veerand - Peetruse valitsusaeg, uute žanrite tekkimine
18. sajandi II veerand paleepöörded, Elizabethi valitsusaeg, baroki kõrgaeg
18. sajandi 2. pool, Katariina II valitsemisaeg, klassitsismi kõrgaeg.
Toimub planeeringujärgne ehitus. Venelastel polnud kogemusi, nad kutsusid välismaalasi: Lebloni (tema projekti järgi hakati 1703. aastal Peterburi ehitama Peeter-Pauli kindluse jänesesaarele). Hiljem muutus see vanglaks. Tuntuim hoone on katedraal. Siin ilmus esimene kanalisatsioon. Esimene muuseum on Kuntskamera.
Esimene palee ja pargiansambel on Peterhof. Koosneb alumisest ja ülemisest pargist. Ülemine - Prantsuse park. Purskkaevud lõi Peeter. Vesi tarnitakse raskusjõu abil, peaaegu ilma pumpadeta. Alumine on maastik. Suurim purskkaev on suur kaskaad. Keskne kuju on Simson, kes rebib lõvisuud. Teise maailmasõja ajal sai see kõvasti kannatada, mistõttu tuli kõik taastada. Territooriumil asuvad väikesed paleed (Monplaisir - Soome lahe kaldal, mis meenutab Hollandi maja; Marley - Louisi palee mälestuseks; Ermitaaž kambri vastuvõttudeks). Male liumägi lõvidega, Lõvikaskaad, päikese purskkaev - pöörleb ümber oma telje, vaala purskkaev, lemmikpurskkaev - mehhanism katkeb pidevalt, purskkaevud.
Tsarskoje Selo - kaunistatud Katariina ja Elizabethi poolt. Katariina palee – barokk. Kriuksuv vaatetorn, kuulsaim skulptuur "tüdruk kannuga".
Gattšina (Antonio Renaldi). Palee on varaklassitsistlik. See oli Orlovi loss, mis kingiti hiljem Pavelile. Seal on inglise park.
Pavlovsk. Paul 1 palee (Cameron) - klassitsism.
18. sajandi keskpaik – barokk (Rastrelli – Talvepalee, Smolnõi klooster). Moskva baroki näide: Kolmainsuse-Sergius Lavra kellatorn.
Teine pool on klassitsismi kõrgaeg. Tagasipöördumine antiikaja, sümmeetria, lihtsate vormide juurde. Kunstiakadeemia (Kokorinov), Quarenghi (Smolnõi Aadlitüdrukute Instituut). Moskvas: Bazhenov (Pashkovi maja, Tsaritsino mõis).
Skulptuur
Ilmus 17. sajandil. Martos (Minin ja Pozharsky),
Falcone ("Pronksratsutaja").
18. sajandi vene maalikunst
18. sajandi portree:
Tseremoonia (täielikus kasvus, inimene paraad-esinduspoosis)
Kamber (väike suurus, rõhuasetus isikupärale, tumedal taustal minimaalse detailiga)
Allegooriline (kujutis mütoloogilise kangelase kujul).
Kunstnikud pidid valdama õlimaali, chiaroscurot, perspektiivi. 18. sajandi keskel avati kunstide akadeemia, kus domineeris klassitsism.
Rokotov
Krahv Šuvalovi pärisorjus (Vasili Maikov, Struiskaja kammerportree).
Levitski
Preestri perest. Kiievis lõi ta ikoone (Katariina 2 õigluse templis, arhitekt Kokorinov, Demidov, Smolyanki).
Borovikovski
Sündis kasakate perekonnas. Katariina nägi tema maale ja kutsus Peterburi (Katariina 2 jalutuskäigul Tsarskoje Selos, Lapuhhina portree).
19. sajandi alguse ampiirstiil
See algab Paul 1 mõrvaga ja lõpeb Nikolai 2 valitsusajaga. Kunst on mõjutamisvahend. Jagame selle kaheks osaks: enne 60ndate reformi ja pärast seda.
dekabristid. Aleksander 1 poliitika: ministrite reform, riiginõukogu, liberaalne ülikooli harta, sõjaväelised asundused. Esimene organisatsioon, Semenovi rügemendi Ohvitseride Artell, Muravjovi Päästeliit ja Pestoli Lõuna Selts saadeti laiali. Suunatud autokraatia kaotamisele, kodanike võrdsusele, pärisorjuse kaotamisele. Nikolai tulekuga mõisteti surma 5 inimest, 100 pagendati Siberisse.
Konservatiivne suund (ametliku rahvuse teooria)
Liberaalid (slavofiilid (Homjakov, Samarin) ja läänlased (Botkin, Solovjov))
Demokraatlik (Herzen, Belinsky)
Nikolai 1 ametliku rahvuse teooria: õigeusk, autokraatia, rahvus. (Uvarov).
Arhitektuur
Kõrgklassitsism või ampiirstiil. Pärineb 18. sajandi lõpus Prantsusmaalt. Põhineb iidsel arhitektuuril, Rooma impeeriumi keiserlikul stiilil. See erineb klassitsist:
Sõjaline teema (kilbid, mõõgad, kiivrid)
Monumentaalsus (linnaansambel)
Voronikhin (Kaasani katedraal Peterburis), Thomas de Thomon (Vasiljevski saare vahetus ja nool), Rossi (Palee väljak, Välis- ja rahandusministeerium, Mihhailovski palee, Aleksandrinski teater, Senati hooned, Sinod ja väljak.
Moskva: Bave (Punase väljaku rekonstrueerimine, Aleksandri aed - jõgi, areenihoone, Bolshoi teater eemaldati)
18. sajandi 1. pool - Petrovski reformide ajastu. Sel ajal jõuavad kõik liigid oma hiilgeaega. kujutav kunst. Peetri reformid olid suunatud kõigi Venemaa eluvaldkondade euroopastamisele. Mõistes riigi kiireloomulisi vajadusi, sai ta mahajäämusest jagu otsustavate meetmetega. Soodustas Euroopa kogemuste kasutamist kõigis valdkondades. Ta uskus, et Venemaa ühiskond peab valdama Euroopas aktsepteeritud luule- ja kunstikeelt koos seal levinud allegooriate ja mütoloogiliste kujunditega. Need. tegelikult lõi Peeter uue esteetika. Peeter kirjutab suur hulk spetsialistid Euroopast, kuid lisaks külastajatele töötab Peter selle nimel, et luua kõigis valdkondades oma rahvuslik personal. Kasutab andekamate noorte välismaale saatmise praktikat, tutvustab kontseptsiooni pensionile jäämine(riigi kulul välismaale õppima läinud isik). Peetri ajastul on isamaa teenimine märkimisväärne, oma ande kasutamine ja suuremeelsus läheb 2. tasandile. Ühiskonnas kasvab huvi inimese vastu. Sellest lähtuvalt saab portreest juhtiv žanr.
Kunstikogemuse traditsioone saab jälgida 18. sajandi alguse vene portreedel (maal) iidne Venemaa(parsuna, ikoon), rahvakunst(DPI) ja kasutas Euroopa kultuuritraditsioone. Erinevalt keskajast, mil kõik kunstnikud töötasid kiriku tellimusel, arenes 18. sajandil intensiivselt ilmalik kunst ja kirjandus (raamatuväljaanded on rohkesti illustreeritud). Peeter 1 andis enne oma surma välja dekreedi "Kunstide ja Teaduste Akadeemia" asutamise kohta. Maalimine Juhtžanr on portree. Sel ajal tekkis ajaloolise ja igapäevase sisuga molbertimaalide žanr. Varaseimatel portreedel on tunda tugevat vana parsuna mõju Jakov Turgenevi portree, 17. sajandi 90 aastat Petrovski-aegse meelelahutuskogunemise "Kõik kõige purjus, kõige ebaregulaarsem kollektsioon" liige. Parsnnost peitub staatilises poosis, figuuri tasapinnalises tlgenduses, riiete voldid on kirjutatud lhedele vga lhedale (nagu riided ikoonil). Teisalt sööbiv mõnitamine, muigamine, näo elujõud. Mineviku kirikurituaalide mõnitamine, askeesi. "Euroopa narri" pilt. Ivan Nikitich Nikitin (umbes 1685 - mitte varem kui 1742) Pärast õpinguid Itaalias naaseb ta esimese kunstnikuna Venemaale. "Portree ringis või Peeter Suure portree" Meistri isiksus. Erinevalt Lääne-Euroopa meistritest, kes andsid keisri tseremoniaalse portree, ei rõhuta Nikitin kuninglikkust, vaid rõhutab inimest. Taust on tume, millest valgus on kiir, mis kisub välja Peetri näo. Väga kontrastsed valguse ja varju üleminekud. Rõhutatakse väsimust, läbimõeldust, meelt. Pilk kaugusesse. Sisemise sisu sügavus, siirus, sisemise seisundi tõene edasiandmine. "Peeter 1 surivoodil" Portree pole valmis. Joonistatakse mõne tunni jooksul pärast surma. Ekspressiivne portree. Ta andis edasi oma suhtumist Peetrusse, padjavolte, rahulikku õilsat nägu. Katse kalleid jooni igavikust välja rebida. "Praskovia Ioannovna portree" Seal on palju vana vene maalikunsti. Anatoomiline korrektsus puudub. Must-valge modelleerimine toimub pimedast heledani, tema aga pimedast heledani. Poos staatiline. Värvipeegelduste puudumine, st. valgus on ühtlane, hajutatud. Rõivaste voldid on kirjutatud stiilselt, ikoonide vahede lähedal. Teatud iseloom, enesehinnang loetakse näkku. Väga ilmekad silmad on kompositsiooni keskmes. Ei vähimatki koketeeritust, absoluutset iluvaikust, ei midagi uhkeldavat. "Kantsler krahv Golovkini portree" Krahv, kõrgseltskonna esindaja. Riided, parukas, ekspositsioon puudub. Kantsler on poliitik, diplomaat, seega on meist teatav eemaldumine. Sirge kehahoiak, tark pilk. Näib teistele välja selline, nagu ta tahab olla. "Õuehetmani portree"
Vana sõdalane, lahingus kogenud. Julge mees, kõik avatud, ilma parukata. Loomulik, oma avatuses, valmis vaenlasega silmast silma kohtuma. Chiaroscuro kasutamine juhib tähelepanu silmale. Välimus on karm, kuid selles on jõudu ja õilsust. Andrei Matvejevitš Matvejev (1701/1704 - 1739) Tuntud kui paljude Peeter-Pauli katedraali jaoks tehtud portreede, maalide ja dekoratiivmaalide autor, Talvepalee jne. Elu viimastel aastatel juhtis ta "Hoonete kantselei maalilist meeskonda". See organisatsioon tegeles erinevate arhitektuuriliste struktuuride sisevärvimisega. Pärast tema surma saab Višnjakovist meeskonna juht ("Saara Fermori portree") Teostatakse keisrite portreesid. "Peetri 1 portree" Portree ovaalis. Aktiivsuse olek. Eluline. "Golitsyna portree" Golitsynide käsul telliti paarisportree. Lady of State – lähedane keisrinnale. Seal oli ka "All-Shuteysky katedraali prints-abess". Teda piitsutati avalikult seoses Tsarevitš Aleksei juhtumiga. Ekspressiivne pilt, mis annab näole segu vastikust, ülbust, solvumist, hämmeldust. Sirge selg, pea püsti. Mudeli ebatavaline omadus. Autor tunneb kaasa, kuid ei mõista hukka. "Autoportree naisega" Esimest korda näidatakse tunnete väljendust, armastuse väljendust. Ühe käega hoiab ta käest, teisega kallistab õlgu. Väga õrn ja tundlik suhe. Maksimaalne ühtsus. Sünnib "elukaaslase" motiiv. Ta imetleb, ta seisab veidi tagapool, sest tema naise kuju on rohkem valgustatud. Tunnete tekstide näitamine. Aleksei Petrovitš Antropov (1716-1795) Sõduri poeg. Alates 16. eluaastast hakkas ta õppima Matvejevi ja seejärel Višnjakovi juures. Koos Višnjakoviga loob ta Venemaa erinevates linnades mitmeid dekoratiivmaale. 1752. aastal kutsuti Antropov Kiievisse Andrease kiriku interjööri maalima. Kiievist naastes on ta sinodi peakunstniku ametikohal. Ta juhib kõigi ikoonimaalijate tegevust ja maalib ise preestrite portreesid. Oma portreedel õnnestub tal tabada ja edasi anda kõige olemuslikum ning seetõttu on tema portreedel hämmastav elujõud. Portreedele on iseloomulik poolpikk pilt, figuur ja nägu vaatajale võimalikult lähedal. Koloristiline lahendus põhineb kohalike värvilaikude kontrastidel. Köidete kontrastne must-valge modelleerimine. Eriti edukad olid eakad näod. Ta märkis, et need on märgid elatud elust. Loonud suure autentsusega pilte. "Izmailova portree" Erinevuse aksessuaarid, rääkides sotsiaalsest staatusest. "Buturlina portree" Elu jäljed. Tuim pilk, kurbus, mälestused sellest, mis oli, mis on kadunud. Ei saa rääkida peenest psühholoogilisest portreest, kuid samas ei saa öelda, et portree autor püüdleb portreejoonte erakordse ülekandmise poole. Suutsin tabada olemuslikku iseloomu. "Rumjantseva portree" Palju valgust ja soojust. Rõõmsus. Oluline algus püüdis teise. Valgustus. "Peetri 3 portree" Hiilgus, hiilgus rõhutab ainult Peetri ebaõnnestumist. Ivan Petrovitš Argunov (1729-1802) Kunstnike dünastia esindaja, kes on olnud Šeremetjevo pärisorjad läbi aegade. Tuntud eelkõige portreemaalijana. Pidin maalima Peterburi aadli portreesid. Tegin visandeid ja siis kirjutasin mälu järgi. Kõige viljakam oli kümnend 1750-1760. Sel ajal õppis Argunov kunstnik Grooti juures. Sel ajal valdab ta ametliku portree stiili. "Hripunovi portreed tema naisega" Sarnaselt Antropoviga annab ta modellidele lähivõtte. Lihtne nägu, kuid tark välimus. "Labanovi-Rostovski portree" Uhke kehahoiak. Ennast armastades. Sinise ja punase kontrast. Asjade materiaalsust on võimalik edasi anda. Kirjutab välja särgi karusnahast äärise ja õhumanseti. "Tundmatu talunaise portree vene kostüümis" Ilus hoolitsetud nahk, nagu marmor. Puhtus, tarkus, loomuliku, loomuliku ilu kõrgus. Elav ilu. Soe värv. Lihtsat vene naist on kujutatud eritellimusel valmistatud portree žanris, sest. ta kujutas teda osariigi daamina. Näitas lihtsa naise ülevust ja ilu. Skulptuur.Bartolomeo Carlo Rastrelli (1675–1744)
Portree žanris ja dekoratiivses monumentaalplastikas on palju töid. Peetri 1 büst Tüüpiline barokk-skulptuur. Pöörduge kaunistuse poole. Barokk on dünaamiline kompositsioon, milles on rõhutatud ruumilisust ja rõhk paljudel tekstuuridel. Omab plastiliste masside valguse ja varju kontraste, nende maalimist. See on pigem terve ajastu portree, mitte konkreetse üksikisiku portree. Selline üldistus annab rinnale monumentaalsuse tunnused. Voltides on näha baroki dünaamilisust ja hoogu. Peetri uhkelt tõstetud pea on Venemaa kuvand, valmis Euroopaga konkureerima. Huvi detailide vastu. Peetruse 1 ratsakuju See seisab Mihhailovski lossis. Rastrelli elu jooksul oli vaid modell ja pärast tema surma tema poeg. Antiikaja ja keskaja ratsakujude vaim. Sisemine aspiratsioon edastatakse. Tema peas on loorberipärg – ta on kõigi oma ettevõtmiste ja reformide võitja. Selgus, kompositsiooni harmoonia. Keeruline liikumine, pompoossus – barokk. Hiiglaslik pilt kehastab võidukat Venemaad. Anna Ioannovna koos Arapchonokiga Rastrelli näitab tolleaegset moodi (tol ajal võis teenistuses olla ka neegri). Kontrast: ühelt poolt on Anna Ioannovna figuurile omane hiilguse motiiv. Sisemine tuum, uhke kuusk, üleolev. Ta on pidulikus kleidis. Rastrelli valmistab seda tolle aja viimase moe järgi. Riietus näitab tema kuulumist Euroopasse. Jäik välimus näojoontes, despotism. Aasia despotism, kuid riietatud Euroopa stiilis. Teisalt on mustanahalisele naisele omane žanr majapidamisnüanss. Massi kontrastiks on mustanahalise naise väike figuur ja Anna Ioannovna suur figuur.
Ühe rahva seas armastatuima maali kirjutas Ivan Šiškin Tveri oblastis Gorodomlja saarel Seligeri järvel. Tundub, et kõik suudavad seda nii selgelt silme ees ette kujutada, et mõni oluline detail jääb sageli kahe silma vahele ja sellega kaasnevad luulud. Esiteks ei maalinud pilti mitte ainult Šiškin. Kõigi lemmikkarusid kujutas kuulus maalikunstnik Konstantin Savitski. Arvatakse, et Pavel Tretjakov eemaldas oma allkirja sõnadega, et lõuendil "kõik, algusest hukkamiseni, räägib Šiškini maneerist", kuid ka see pole nii. Tegelikult oli maal algselt eksponeeritud kahe autori allkirjadega ja alles siis palus Savitski ise oma nime eemaldada. Lisaks ajavad inimesed sageli teose nime segamini - selgub, et see on “Kolm karu”, kuigi karusid on neli, siis “Hommik männimetsas”, kuigi mets on definitsiooni järgi mänd.
ALEKSEI KONDRATIEVICH SAVRASOV
"Vangad on saabunud"
Savrassovi kuulsaima maali "Vankad on saabunud" loomise ajalugu on endiselt ebaselge: uurijate arvamused selle kirjutamispaiga kohta lähevad lahku. Hoolimata autori allkirjast, et selle töö teemaks oli Kostroma provintsi Molvitino küla, on hüpotees, et esimene visand loodi Jaroslavlis. On ka oletus, et Savrasov maalis pildi mälu järgi ja sai selle lõpuks valmis juba Moskvas olles. Kuid samas väidavad kunstniku biograafid, et maastik on maalitud samal päeval.
Kaasaegsed hindasid kõrgelt "Vankrid on saabunud": maali omandas kohe Pavel Tretjakov. Kuid pilt oli nii edukas, et autorile telliti suur hulk tema koopiaid. Savrasov tegi mõnikord neis muudatusi - kõik maalid läksid kohe erinevatesse kogudesse.
MIHAIL NESTEROV
"Visioon noorele Bartholomeusele"
Kui Nesterovi maal 20. sajandi alguses esmakordselt avalikkuse ette jõudis, tabas see publikut ebameeldivalt. Paljud kriitikud, sealhulgas tuntud kunstnikud, karjusid valjuhäälselt, et see maal on "kahjulik". Nende arvates astus Nesterov peaaegu ikoonimaalijate valdkonda ja ületas kunstiteos kirikupildiga, mida nad pidasid vastuvõetamatuks. Siiski oli neid, kes tajusid autori peent kavatsust, mis paneb publiku pildi ees tarduma ka tänapäeval: kunstnik ühel lõuendil ühendas jumaliku ja tõelise - vana mehe ja poisi kujundid.
Nesterov ise oli veendunud, et see maal on tema oma parim töö, ja vanas eas meeldis talle korrata: „Ma ei jää elama. "Noor Bartholomew" elab. Nüüd, kui ta veel kolmekümne, viiekümne aasta pärast pärast minu surma midagi inimestele ütleb, siis tema on elus, siis olen ka mina elus.
IVAN GLAZUNOV
"Lööge ta risti!"
Ivan Glazunov on loomingulise dünastia järglane, kuulsa kunstniku Ilja Glazunovi poeg, keda peetakse sageli ekslikult maali „Löö risti ta!“ loojaks! Fakt on see, et maal "Löö ta risti!" oli lõputöö noor Ivan, kuid vaatajatel on tavaliselt raske ette kujutada, et nii suurejoonelise lõuendi on loonud üliõpilane. Lõuend, mis 1994. aastal oma koosseisu ja esitusega lõpukomisjonile muljet avaldas, tekitab tänapäeval jätkuvalt nii imetlust kui ka tuliseid vaidlusi. Pildil olevat kinniseotud Jeesuse kujutist, keda ümbritsevad agressiivsed relvastatud inimesed, seostatakse sageli Venemaa kuvandiga.
Pole juhus, et Ivan Glazunov pöördus Kristuse kuvandi poole: tema nägu ilmus sageli tema isa Ilja Glazunovi lõuenditele. Siis vihastas vanema Glazunovi pöördumine pühakukuju poole nõukogude võimu, tänapäeval teatakse ja austatakse kunstnike dünastiat kogu maailmas.
MICHAEL KLODT
"Oak Grove"
Klodt paistis 19. sajandi vene maastikumaalijate seas silma selle poolest, et ta kujutas alati külaelanike elu, ilustamata ja idealiseerimata. Kunstnik andis maalidel elu ja loodust edasi sellisena, nagu need tema silme ees olid. Ja kõrge pilditäpsuse saavutamiseks pidi Klodt mõnikord oma lõuendid mitu korda ümber kirjutama. Tema erilist tähelepanu detailidele on märgata maalil “Oak Grove”, mis on huvitav ka selle poolest, et Klodt rikub selles konkreetselt akadeemilisi kaanoneid - lähi- ja keskmised plaanid on kirjutatud võrdselt selgelt ning taust puudub täielikult.
Vaatamata sellele, et kaasaegsed hindasid Klodti loomingut kõrgelt, jäi tema rahaline olukord alati raskeks, mille põhjuseks võib olla kunstniku ettevõtlikkuse puudumine – ta ei teadnud, kuidas oma maale edukalt müüa. Ja viljaka peremehe elu viimased aastad osutusid eriti raskeks: Klodt oli hädas ja oli sunnitud erinevatelt inimestelt raha laenama.
IGOR GRABAR
"Märtsi lumi"
Grabar õppis Peterburi ülikooli õigusteaduskonnas, kuid pärast selle lõpetamist valis kunstniku elukutse ja astus 1894. aastal Kunstiakadeemiasse, kus õpetas kuulus vene maalikunstnik Ilja Efimovitš Repin.
"Märtsi lume" kirjutas Grabar 1904. aastal, kui ta külastas oma sõpra Moskva lähedal Churilkovo külas. Pildil soovis kunstnik kujutada tavalist päikeseloojangule kalduvat märtsipäeva. Kevade lähenemisest kõneleb lõuendil kõik: lumi on tume ja veest küllastunud ning kaugusest paistvatel külamajade katustel pole seda enam üldse alles. Grabar lõpetas töö lõuendil peaaegu valmis, kuid sulatatud rajal nägi ta kogemata tüdrukut, kes kiirustas ikke ja kahe ämbriga vee järele - kunstnik otsustas kohe lõuendi süžeed muuta ja jäädvustas tüdruku figuuri keskmes. tema pilt.
ARKHIP KUINDZHI
"Kuuvalge öö Dnepril"
Maali "Kuuvalguse öö Dnepril" jaoks korraldati isikunäitus - tollal pretsedenditu fakt. Kuindzhi kutsuti "värvikunstnikuks" tema armastuse tõttu valguse ja varju kontrastide mängu vastu, oskuse tõttu edastada tõhusalt päikeselisi päikeseloojanguid ja kuuvalgeid öid. Kuid see pilt ületas kõik avalikkuse ootused ja saavutas juba loomise ajal enneolematu kuulsuse: Kramskoy, Mendelejev, Turgenev ja paljud teised tulid kunstniku ateljeesse ebatavalist maastikku vaatama. “Kuuvalguse öö Dnepril” kiirustas omandama suurvürst Konstantin Konstantinovitš, kes isegi ümbermaailmareisil ei tahtnud sellest lahku minna. Aja jooksul, sealhulgas niiske mereõhu tõttu, hakkas maastik tumenema ja kahjuks on tänapäeval paljud selle pildi pooltoonide rikkused kadunud.
VASILI POLENOV
"Kuldne sügis"
"Kuldne sügis" näib tänapäevalgi olevat linlase unistuse kehastus maastikust, kus pole igapäevakära. Kunstnik rändas enne tööle asumist pikka aega oma valduses Oka kallastel paremat loodust otsides. Lõpuks valis ta välja koha mäe peal, kust avanes üks paremaid panoraamvaateid jõele, mis kunstnikul oli õnnestunud jäädvustada juba maalidel “Varajane lumi” ja “Silm suvel”. Polenov soovis seekord kujutada mitte ainult oma südamelähedast maastikku, vaid ka oma lemmikaastaaega - sügist. Maali "Kuldne sügis" kompositsiooniks valis kunstnik ebatavalise lahenduse - ta jäädvustas jõe kaare kujul. Nagu kunstiajaloolased märgivad, annab selline Oka vorm maastikule terviklikkuse ja aitab vaataja silmal läbi lõuendi visuaalselt rännata.
VASILI ANDREEVITŠ TROPININ
"Pitsitegija"
Pärisorja Tropinini maal "Pitsitegija" sai kuulsaks tänu õnnelikule juhusele. 47 aastat pärisorjus olnud Tropinin sai lihavõttepühade kingituseks oma peremehe krahv Morkovi käest vabaduse. Kohe läks ta Peterburi, et täita oma vana unistus - saada kunstiakadeemia diplom, kus ta oli varem õppinud joonistuskunsti. Teiste maalide hulgas, mille ta komisjonile esitas, oli ka The Lacemaker. See reis muutis kogu endise pärisorja elu. Aasta hiljem omistati kunstnikule akadeemiku tiitel ja 1843. aastal valiti ta Moskva Kunstiühingu auliikmeks.
Pilt ise oli uue portreežanri fenomen, mis kujutas tavalisi elurõõme ja avas kunstnik Tropinini ühiskonnale. Eriti märgati, kuidas autoril õnnestus edukalt tabada oma teose kohal kummardava lihtsa tüdruku tegelaskuju.
ISAAK ILJITŠ LEVITAN
"Kuldne sügis"
Nii Levitani looming tervikuna kui ka just "Kuldne sügis" ei olnud tolleaegse vene maalikunsti jaoks liiga levinud. Levitan tõi vene maalikunsti “meeleolumaastiku” kontseptsiooni ning “Kuldne sügis” on selles mõttes üks ikoonilisemaid ja avalikult armastatumaid teoseid.
Kuid pilt pole Levitanile endale liiga tuttav. Sügisele pühendas kunstnik üle saja maali, kuid just sellel ei kajastunud ta sellistel puhkudel traditsiooniline kurbus. Vastupidi, iga element lõuendil paistab olevat valgustatud kuldse päikesevalgusega. Kunstiajaloolased seostavad seda asjaolu kunstniku elu erilise perioodiga: pilti maalides oli Levitan armunud. On versioon, et autor polnud oma tööga rahul ja aasta hiljem maalis ta teise samanimelise maali - uus lõuend valmis juba kunstnikule tuttaval viisil.
GAVRIIL ROMANOVITS DERŽAVIN
"Monument"
Selle teosega muutis Deržavin tegelikult ühiskonna ettekujutuse luuletajatest, kandes nad "huviliste" kategooriast üle tõsise žanri meistrite kategooriasse. 18. sajandil oli laialt levinud ettekujutus naljakast poeedist, kes oli sunnitud taluma õukonna kapriise ja naeruvääristamist. 1795. aastal kirjutatud Deržavini luuletusest sai esimene teos vene kirjanduses, kus peategelaseks oli enesehinnanguga luuletaja-looja. "Monumendi" autor räägib luuletaja kaitseks ja räägib vajadusest tunnustada õigust loomevabadusele. Hiljem kehastus imelise loomise lugu kirjaniku kaasaegsete: Kapnisti ja Lomonosovi loomingusse. See teema elas pikka aega üle Deržavini enda ajastu - Puškin, Majakovski, Ahmatova naasid selle juurde.
"PETROVSKAJA BAROKK"
Peetri aeg – Peetri reformid – oli pöördepunkt kogu vene elule, tähistas üleminekut keskajalt uusaega. Samas ka orienteerumine sellele Lääne-Euroopa sai otsustavaks ja isegi kohustuslikuks. Lääne mõjul ja ka aegade käsul omandas kunst järk-järgult ilmaliku iseloomu, vabanedes ususidemetest.
Uue kunsti alused pandi paika Moskvas. Dubrovitsõ kirik, peaingel Gabrieli kirik (Menšikovi torn), Suhharevi torn, Lefortovo palee olid omamoodi uue eelkäijad, Peterburi stiilis. See ainulaadne kunstistiil, mis kujunes välja konkreetsetes ajaloolistes, geograafilistes ja kliimatingimustes, peegeldas Peetri isiklikku maitset.
Keisri enda poolt Neeva jõe deltasse rajatud ja tema taevase patrooni püha apostel Peetruse auks Peterburiks nimetatud linn pidi ellu viima unistuse uuest ideaallinnast. Peeter kujutas seda ette oma armastatud Hollandi teisendina, sadamalinnana-kindlusena. Kuid vene kunstniku ja kunstiajaloolase A.N. Ben, ainult eesmärk oli teha Peterburist midagi hollandlikku, kuid see osutus omaette, eriliseks ... Peterburi stiil on eriline ruumi ja ajaloolise aja tunnetus. Peterburi ilme on ennekõike kombinatsioon madalast põhjataevast, Neeva pliihallist avarusest ja ülespoole tõusvatest kullatud tornikiivritest. Neeva, "selle suveräänne vool", on linna peamine "avenue", selle peamine "väljak". Selle "laiuse paatose" - horisontaalse joone ülekaal vertikaalse üle - määras maastiku originaalsus - Bolšaja Neeva, Malaja Neva, Bolšaja Nevka, Malaja Nevka, Fontanka, Moika, Jekaterininski kanali veeruumid. , Krjukovi kanal jne. Vee ja maa kombinatsioon annab täiuslikud horisontaalsed jooned. Üle vee- ja muldkehade kontuuride kõrgub peaaegu samal tasapinnal üksteise külge kinnitatud majariba, mis tuleneb valitsevast nõudest ehitada mitte kõrgemale kui Talve.
See sakiline, justkui värisev majade rida vastu taevast loob mulje kummituslikust efemeersest linnaarengust, mida võimendab valgusemäng ning sidrunvalgete hoonete, marmori ja graniidi värvikirev valik. Peterburile on omane pidev tänavate hoonestus, samas kui tänavad muutuvad tõusude ja mõõnade puudumise tõttu justkui linna sisemuseks. Tihedatesse majaridadesse rajati aiad ja väljakud, mis on järjekordne linna horisontaalsuse väljendus.
Linnamaastiku iseloomulikud elemendid - Peeter-Pauli kindluse, Admiraliteedi ja Mihhailovski lossi tornid on horisontaalsete joontega risti ja rõhutavad neid seeläbi. Tornidest kajavad vastu katedraalide kõrged kellatornid.
Peterburi stiili omapära määras ka see, et linn kerkis ühe inimese tahtel, kohe ja nullist. Moskva, mis paiknes maaliliselt "seitsmel künkal", kasvas spontaanselt ümber oma ajaloolise keskuse aastal
paljude sajandite jooksul. Peterburi püstitati vaid veerand sajandiga ja peaaegu kohe kivisse.
Uue pealinna ehitamine oli seotud Põhjasõja (1700-1721) sündmustega, mille Venemaa ja Rootsi pidasid Neeva ja Soome lahe kaldal ürgvene maade vabastamiseks, et asutada. ise Läänemerel.
1703. aasta mais toimus Jänese saarel kindluse pidulik rajamine. Samal aastal pandi maakindluse keskmesse apostlite Peetruse ja Pauluse nimeline puukirik, mida krooniti tornikiivriga. Linna esimesed seitse eksisteerimisaastat moodustasid selle ajaloo "puuperioodi", millest on säilinud vaid Peeter Suure maja Berezovski saarel.