Compositore di "The Mighty Handful" N. A. Rimsky-Korsakov
Rimskij-Korsakov– una figura sufficientemente epocale nella storia dello sviluppo della musica classica russa da dedicare a lui solo tutta una serie di articoli. Ma per ora proviamo a cavarcela breve biografia all'interno del ciclo o. All'inizio era semplicemente un giovane compositore di talento, uno studente di Balakirev e del suo socio, come altri compositori che facevano parte del circolo.
Mentre sognava la grandezza e la gloria del famoso compositore, ed era più un insegnante militare che un compositore, Rimsky-Korsakov si rivelò molto prolifico come compositore e successivamente come insegnante. Dopotutto, era un membro di qualcosa di più del semplice circolo di Balakirev e del Mighty Handful. Era anche un membro onorario del circolo Belyaevskij, soprattutto quando il circolo Balakirevskij era praticamente scomparso.
Ma prima le cose principali.
Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov nacque il 6 marzo 1844 nella famiglia di un'antica famiglia nobile. Suo padre, Andrei Petrovich, prestò servizio per qualche tempo come vice governatore di Novgorod (Nikolai Andreevich è nato nella regione di Novgorod), e poi iniziò a occupare la carica di governatore di Volyn.
La madre del futuro compositore è stata istruita e Donna intelligente, nonostante le sue origini piuttosto dubbie. Era la figlia di un ricco proprietario terriero Skaryatin e di una serva. La madre ha avuto un'influenza significativa su suo figlio. Le sue prime lezioni di musica si tenevano a casa, e solo poi in collegio, dove rientravano tra le materie dell'istruzione generale.
Anche il fratello maggiore di Nikolai Andreevich, Voin Andreevich Rimsky-Korsakov, ha avuto un'influenza significativa sullo sviluppo delle preferenze del futuro compositore. Lo stesso Voin Andreevich divenne un famoso riorganizzatore del sistema educativo navale. Quindi Nikolai, da un lato, studiò musica con entusiasmo e, dall'altro, alla fine entrò al Morskoy corpo dei cadetti. Suo padre lo portò lì nel 1856. E negli anni successivi, fino alla primavera del 1862, Nikolai studiò diligentemente gli affari navali.
I suoi sforzi non furono vani e alla fine completò i suoi studi con il massimo dei voti. Ma suo padre, Andrei Petrovich, non visse abbastanza da vedere quel giorno. Morì l'anno prima, nel 1861. Successivamente tutta la famiglia si trasferì immediatamente a vivere a San Pietroburgo.
Nella marina
L'anno 1861 divenne per il futuro compositore non solo l'anno della morte di suo padre, ma anche l'anno della sua conoscenza. Lui, per quanto puoi ricordare, era generalmente una persona piuttosto caratteristica. Nikolai gli è subito piaciuto e ha deciso di accoglierlo nella sua cerchia. Cosa puoi fare, Mily Alekseevich aveva una passione per l'educazione dei giovani compositori. lui stesso lo incoraggiò in piccola misura, quindi Rimsky-Korsakov divenne legalmente un membro del Mighty Handful e scrisse la sua prima sinfonia. Sotto la guida dello stesso Balakirev, prese tutti gli arrangiamenti, in qualche modo fece l'orchestrazione e andò a prestare servizio in marina, dove fu assegnato. A quel tempo, il circolo di Balakirev comprendeva non solo Rimsky-Korsakov, ma anche Modest Petrovich Mussorgsky e Caesar Cui.
Repin I.E. Ritratto di N.A. Rimskij-Korsakov. 1893 Sarebbe abbastanza difficile dire con certezza chi fosse il vero creatore delle opere di quegli anni. No, i creatori, ovviamente, erano Mussorgsky, Cui e Rimsky-Korsakov. Ma. C’è solo un grande, grande MA: Balakirev era dietro a tutti loro.
Era lui il loro ispiratore ideologico, “tormentatore” e correttore. Se qualcosa non gli piaceva, poteva semplicemente forzare la rielaborazione dell'intera opera e, di conseguenza, della versione originale rimaneva poco finché il Maestro non era soddisfatto, e quindi i giovani compositori digrignavano i denti, ma continuavano a servire come una specie di pennello nelle abili mani di Balakirev.
Ma torniamo all'eroe della nostra storia. Così andò a prestare servizio in Marina. All'inizio prestò servizio sul clipper Almaz. Grazie a questo servizio ne ha visitati molti paesi interessanti di quel tempo, tra cui Inghilterra, Norvegia, Polonia, Francia, Italia, Stati Uniti, Brasile e Spagna. Inutile dire che Nikolai ha assorbito molte impressioni che sarebbe stato un peccato non tradurre nella partitura. Ha fatto proprio questo, trasmettendo questi stati d'animo nelle orchestrazioni delle sue opere con colori vivaci e ricchi.
Vale la pena notare, tuttavia, che il suo servizio su un clipper non gli diede praticamente alcuna opportunità di migliorare le sue capacità di composizione. E in generale non c'era tempo per scrivere; il servizio di marinaio è complesso e intenso. Pertanto, in tutti questi anni, dalla sua penna è uscita solo la seconda parte della sua Prima Sinfonia. Lo scrisse alla fine del 1862, dopodiché abbandonò per molto tempo la scrittura.
Circondato dai compositori del Mighty Handful
Rimsky-Korsakov N.A., ritratto Ciò continuò fino al suo ritorno dal viaggio. Poi si ritrova di nuovo circondato dai compositori di Mighty Handful, dove incontra un nuovo membro del circolo: un giovane chimico di talento che mostra anche la speranza di diventare un eccellente compositore.
Presto Balakirev presentò Nikolai Andreevich a persone brillanti come Pyotr Tchaikovsky, Alexander Dragomyzhsky e Lyudmila Shestakova.
Alla fine, Mily Alekseevich ha semplicemente costretto il compositore alle prime armi a riscrivere completamente la Prima Sinfonia. Per lavorare con lui bisognava avere una modestia e una pazienza invidiabili, ma doveva comunque riscrivere completamente lo scherzo, rifare l'intera orchestrazione, e solo allora l'insegnante approvava il suo lavoro. Inoltre, nel 1865, fu eseguita per la prima volta la Prima Sinfonia di Rimsky-Korsakov. L'esecutore della prima edizione della Prima Sinfonia era lo stesso Balakirev. E poi è successo che è diventato l'esecutore principale di tutti i primi lavori di Rimsky-Korsakov.
Continuazione della storia sulla vita e la creatività
Né il suo talento, né la sua energia, né la sua illimitata benevolenza verso i suoi studenti e compagni si sono mai indeboliti. La vita gloriosa e le attività profondamente nazionali di una tale persona dovrebbero essere il nostro orgoglio e la nostra gioia. ...quanti nell'intera storia della musica si possono citare personaggi così elevati, artisti così grandi e persone così straordinarie come Rimskij-Korsakov?
V. Stasov
Quasi 10 anni dopo l'apertura del primo Conservatorio russo a San Pietroburgo, nell'autunno del 1871, tra le sue mura apparve un nuovo professore nella classe di composizione e orchestrazione. Nonostante la sua giovinezza - aveva ventotto anni - aveva già guadagnato la fama come autore di opere originali per orchestra: Ouverture su temi russi, Fantasie su temi di canzoni popolari serbe, un dipinto sinfonico basato sull'epica russa "Sadko" e una suite basata sulla trama della fiaba orientale “Antar”. Inoltre, furono scritti molti romanzi e il lavoro sull'opera storica "La donna di Pskov" era in pieno svolgimento. Non poteva venire in mente a nessuno (tanto meno al direttore del conservatorio, che invitò N. Rimsky-Korsakov) che fosse diventato un compositore senza quasi nessuna formazione musicale.
Rimsky-Korsakov è nato in una famiglia lontana dagli interessi artistici. I suoi genitori, secondo la tradizione familiare, prepararono il ragazzo per il servizio in marina (suo zio e suo fratello maggiore erano marinai). Sebbene le capacità musicali si rivelassero molto presto, nella piccola città di provincia non c'era nessuno con cui studiare seriamente. Le lezioni di pianoforte venivano impartite da un vicino, poi da un conoscente della governante e da uno studente di questa governante. Impressioni musicali completate canzoni folk esibizione amatoriale di madre e zio e canto di culto nel monastero di Tikhvin.
A San Pietroburgo, dove Rimsky-Korsakov è venuto per arruolarsi nel Corpo dei Marines, va al teatro dell'opera e ai concerti, riconosce "Ivan Susanin" di Glinka e "Ruslan e Lyudmila", le sinfonie di Beethoven. A San Pietroburgo, ha finalmente un vero insegnante: un eccellente pianista e musicista colto F. Canille. Consigliò allo studente dotato di comporre musica da solo, lo presentò a M. Balakirev, attorno al quale erano raggruppati giovani compositori: M. Mussorgsky, Ts Cui, e in seguito A. Borodin si unirono a loro (la cerchia di Balakirev passò alla storia sotto il nome “. Il potente manipolo”).
Nessuno dei “kuchkisti” ha completato un corso di formazione musicale speciale. Il sistema con cui Balakirev li ha preparati per l'indipendenza attività creativa, è stato il seguente: ha immediatamente proposto un argomento responsabile, e poi, sotto la sua guida, in discussioni congiunte, parallelamente allo studio delle opere dei maggiori compositori, sono state risolte tutte le difficoltà sorte nel processo di composizione.
Balakirev consigliò al diciassettenne Rimsky-Korsakov di iniziare con una sinfonia. Nel frattempo, il giovane compositore, diplomato al Corpo della Marina, avrebbe dovuto partire per una circumnavigazione del mondo. Tornò alla musica e agli amici nell'arte solo dopo 3 anni. Il talento brillante ha aiutato Rimsky-Korsakov a padroneggiare rapidamente la forma musicale, l'orchestrazione brillante e colorata e le tecniche di composizione, aggirando le basi della scuola. Avendo creato complesse partiture sinfoniche e lavorando su un'opera, il compositore non conosceva le basi della scienza musicale e non aveva familiarità con la terminologia necessaria. E all'improvviso l'offerta di insegnare al conservatorio!... “Se avessi studiato anche solo un po', se avessi saputo anche solo un po' di più di quello che so realmente, allora mi sarebbe chiaro che non posso e non ho il diritto di accettare ciò che mi è stato offerto”. Il fatto è che diventare professore sarebbe stupido e disonesto da parte mia”, ha ricordato Rimskij-Korsakov. Ma dimostrò la massima responsabilità, non disonestà, iniziando ad apprendere le basi che avrebbe dovuto insegnare.
Le visioni estetiche e la visione del mondo di Rimsky-Korsakov si formarono negli anni '60 dell'Ottocento. sotto l'influenza del "Mighty Handful" e del suo ideologo V. Stasov. Allo stesso tempo furono determinate la base nazionale, l'orientamento democratico, i temi e le immagini principali del suo lavoro. Nel decennio successivo, le attività di Rimsky-Korsakov furono molteplici: insegnò al conservatorio, fu impegnato a migliorare la propria tecnica compositiva (scrivere canoni, fughe), ricoprì la carica di ispettore delle bande di ottoni del Dipartimento navale (1873-84) e diresse concerti sinfonici, sostituì Balakirev come direttore della Scuola di musica libera e preparò per la pubblicazione (insieme a Balakirev e Lyadov) le partiture di entrambe le opere di Glinka, registra e armonizza canzoni popolari (la prima raccolta fu pubblicata nel 1876, la seconda nel 1882 ).
Un appello al folklore musicale russo, nonché uno studio dettagliato delle partiture d'opera di Glinka nel processo di preparazione per la pubblicazione, hanno aiutato il compositore a superare la natura speculativa di alcune delle sue composizioni, che sono nate come risultato di un'intensa formazione nelle tecniche di composizione . In due opere scritte dopo "La donna di Pskov" (1872) - "La notte di maggio" (1879) e "La fanciulla di neve" (1881) - l'amore di Rimsky-Korsakov per i rituali popolari e le canzoni popolari e la sua visione del mondo panteistica erano incarnati.
Il lavoro del compositore negli anni '80. rappresentato principalmente da opere sinfoniche: “Il Racconto” (1880), Sinfonietta (1885) e Concerto per pianoforte (1883), oltre ai famosi “Capriccio Espagnol” (1887) e “Scheherazade” (1888). Allo stesso tempo, Rimsky-Korsakov lavora nella Cappella dei canti di corte. Ma dedica soprattutto il suo tempo e le sue energie alla preparazione per l'esecuzione e alla pubblicazione delle opere dei suoi defunti amici: "Khovanshchina" di Mussorgsky e "Principe Igor" di Borodin. Probabilmente, questo intenso lavoro sulle partiture d’opera determinò che il lavoro di Rimsky-Korsakov si sviluppò in questi anni nella sfera sinfonica.
Il compositore tornò all'opera solo nel 1889, creando l'incantevole “Mlada” (1889-90). Dalla metà degli anni '90. seguiti uno dopo l'altro da "La notte prima di Natale" (1895), "Sadko" (1896), il prologo di "La donna di Pskov" - l'atto unico "Boyaryna Vera Sheloga" e "La sposa dello zar" (entrambi del 1898) . Nel 1900 Vengono creati "Il racconto dello zar Saltan" (1900), "Servilia" (1901), "Pan Voivode" (1903), "Il racconto della città invisibile di Kitezh" (1904) e "Il galletto d'oro" (1907) .
Nel corso della sua vita creativa, il compositore si è dedicato anche ai testi vocali. I suoi 79 romanzi contengono poesie di A. Pushkin, M. Lermontov, A. K. Tolstoy, L. Mey, A. Fet e di autori stranieri J. Byron e G. Heine.
Il contenuto dell'opera di Rimsky-Korsakov è vario: ha rivelato un tema storico-popolare (“La donna di Pskov”, “Il racconto della città invisibile di Kitezh”), la sfera della poesia lirica (“La sposa dello zar”, “ Servilia") e il dramma quotidiano ("Pan Voivode"), riflettevano immagini dell'Oriente ("Antar", "Scheherazade"), incarnavano le caratteristiche di altre culture musicali ("Fantasia serba", "Capriccio spagnolo", ecc.). Ma più caratteristici di Rimsky-Korsakov sono la fantasia, la favolosità e le diverse connessioni con l'arte popolare.
Il compositore ha creato un'intera galleria di immagini femminili uniche nel loro fascino, pure e teneramente liriche - sia reali che fantastiche (Pannochka in "May Night", Snow Maiden, Marfa in "The Tsar's Bride", Fevronia in "The Tale of the Invisible" Città di Kitezh") , immagini di cantanti folk (Lel in "The Snow Maiden", Nezhata in "Sadko").
Formato negli anni '60 dell'Ottocento. il compositore rimase fedele agli ideali sociali progressisti per tutta la vita. Alla vigilia della prima rivoluzione russa del 1905 e nel periodo di reazione che la seguì, Rimsky-Korsakov scrisse le opere “Kashchei l'Immortale” (1902) e “Il galletto d'oro”, che furono percepite come una denuncia della situazione politica stagnazione che regnava in Russia.
Il percorso creativo del compositore è durato più di 40 anni. Entrato come continuatore delle tradizioni di Glinka, continuò nel 20° secolo. rappresenta con dignità Arte russa nella cultura musicale mondiale. Le attività creative e musical-sociali di Rimsky-Korsakov sono molteplici: compositore e direttore d'orchestra, autore di opere teoriche e recensioni, editore delle opere di Dargomyzhsky, Mussorgsky e Borodin, ha avuto una forte influenza sullo sviluppo della musica russa.
In 37 anni di insegnamento al conservatorio, più di 200 compositori hanno studiato con lui: A. Glazunov, A. Lyadov, A. Arensky, M. Ippolitov-Ivanov, I. Stravinsky, N. Cherepnin, A. Grechaninov, N. Myaskovsky , S. Prokofiev e altri. Lo sviluppo di temi orientali da parte di Rimsky-Korsakov ("Antar", "Scheherazade", "Il gallo d'oro") è stato di inestimabile importanza per lo sviluppo delle culture musicali nazionali della Transcaucasia e dell'Asia centrale, e delle diverse i paesaggi marini ("Sadko", "Scheherazade", "La storia dello zar Saltan", il ciclo di romanzi "By the Sea", ecc.) hanno determinato molto nella pittura sonora plein air del francese K. Debussy e dell'italiano O Respighi.
E. Gordeeva
Il lavoro di Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov è un fenomeno unico nella storia della cultura musicale russa. Il punto non è solo l’enorme significato artistico, il volume colossale e la rara versatilità della sua opera, ma anche il fatto che l’attività del compositore copre quasi interamente un’epoca molto dinamica in storia nazionale- da riforma contadina fino al periodo tra le rivoluzioni. Uno dei primi lavori del giovane musicista fu l'orchestrazione di "L'ospite di pietra" di Dargomyzhsky, l'ultima opera importante del maestro, "Il gallo d'oro", risale al 1906-1907: l'opera fu composta contemporaneamente al "Poema dell'estasi" di Scriabin. ” e la Seconda Sinfonia di Rachmaninov; solo quattro anni separano la prima de Il galletto d'oro (1909) dalla prima de La sagra della primavera di Stravinskij, due anni dal debutto di Prokofiev come compositore.
Pertanto, l'opera di Rimsky-Korsakov, puramente in termini cronologici, costituisce, per così dire, il nucleo della musica classica russa, collegando il legame tra l'era di Glinka-Dargomyzhsky e il XX secolo. Sintetizzando i risultati della scuola di San Pietroburgo da Glinka a Lyadov e Glazunov, assorbendo gran parte dell'esperienza dei moscoviti - Čajkovskij, Taneyev, compositori apparsi a cavallo tra il XIX e il XX secolo, fu sempre aperta alle nuove tendenze artistiche, nazionali ed esteri.
Un carattere completo e sistematizzante è inerente a qualsiasi direzione del lavoro di Rimsky-Korsakov: compositore, insegnante, teorico, direttore d'orchestra, editore. La sua attività vitale nel suo insieme è un mondo complesso, che vorrei chiamare il “cosmo di Rimsky-Korsakov”. L’obiettivo di questa attività è raccogliere e focalizzare le caratteristiche principali della coscienza musicale nazionale e, più in generale, artistica, e in definitiva ricreare un’immagine integrale della visione del mondo russa (ovviamente, nella sua personale rifrazione “korsakoviana”). Questa raccolta è indissolubilmente legata all'evoluzione personale, autoriale, nonché al processo di formazione ed educazione - non solo degli allievi immediati, ma dell'intero ambiente musicale - con l'autoformazione, l'autoeducazione.
A. N. Rimsky-Korsakov, il figlio del compositore, parlando della varietà costantemente rinnovata di problemi risolti da Rimsky-Korsakov, ha descritto con successo la vita dell'artista come "un plesso di fili a forma di fuga". Lui, riflettendo su ciò che ha costretto il brillante musicista a dedicare una quantità eccessiva di tempo ed energie a tipi di lavoro educativo "laterale", ha sottolineato "una chiara consapevolezza del suo dovere nei confronti della musica e dei musicisti russi". " Servizio“è una parola chiave nella vita di Rimskij-Korsakov, così come “confessione” lo è nella vita di Mussorgskij.
Si ritiene che la musica russa della seconda metà del XIX secolo graviti chiaramente verso l'assimilazione delle conquiste contemporanee di altre arti, in particolare della letteratura: da qui la preferenza per i generi “verbali” (dal romanticismo, dalla canzone all'opera, corona delle aspirazioni creative di tutti i compositori della generazione del 1860) e in quello strumentale - ampio sviluppo del principio di programmazione. Tuttavia, sta diventando sempre più evidente che l’immagine del mondo creata dalla musica classica russa non è affatto identica a quella della letteratura, della pittura o dell’architettura. Le peculiarità della crescita della scuola di composizione russa sono legate sia alla specificità della musica come forma d'arte, sia alla posizione speciale della musica nella cultura russa del 20 ° secolo, con i suoi compiti speciali nella comprensione della vita.
La situazione storica e culturale in Russia ha predeterminato un divario colossale tra le persone che, secondo Glinka, “creano musica” e coloro che vogliono “arrangiarla”. La rottura fu profondamente, tragicamente irreversibile, e le sue conseguenze si avvertono ancora oggi. Ma, d'altra parte, la natura multistrato dell'esperienza uditiva cumulativa del popolo russo conteneva possibilità inesauribili per il movimento e la crescita dell'arte. Forse nella musica la “scoperta della Russia” è stata espressa con la massima forza, poiché la base del suo linguaggio - l'intonazione - è la rivelazione più organica dell'individuo umano ed etnico, un'espressione concentrata dell'esperienza spirituale del popolo. La “multiformità” dell'ambiente di intonazione nazionale in Russia a metà del secolo scorso è uno dei prerequisiti per l'innovazione della scuola di musica professionale russa. Raccogliendo in un unico focus tendenze multidirezionali - relativamente parlando, dalle radici pagane, proto-slave a le ultime idee Il romanticismo musicale dell'Europa occidentale, le tecniche più avanzate della tecnologia musicale, sono la caratteristica più caratteristica della musica russa della seconda metà del XIX secolo. Durante questo periodo, lascia finalmente il potere delle funzioni applicate e diventa una visione del mondo nei suoni.
Spesso discutendo degli anni Sessanta di Mussorgskij, Balakirev, Borodin, ci sembra di dimenticare che Rimskij-Korsakov apparteneva alla stessa epoca. Nel frattempo, è difficile trovare un artista più fedele agli ideali più alti e puri del suo tempo.
Coloro che conobbero Rimsky-Korsakov più tardi - negli anni '80, '90 e '900 - non si stancarono mai di stupirsi di quanto duramente facesse proselitismo per se stesso e il suo lavoro. Da qui i frequenti giudizi sulla “aridità” della sua natura, sul suo “accademismo”, sul “razionalismo”, ecc. Si tratta infatti di una tipicità degli anni Sessanta unita all’evitamento di un eccessivo pathos in relazione alla propria personalità, caratteristica dell’artista russo. Uno degli studenti di Rimsky-Korsakov, M. F. Gnesin, espresse l'idea che l'artista, in costante lotta con se stesso e con coloro che lo circondavano, con i gusti della sua epoca, a volte sembrava amareggiarsi, diventando più ristretto e inferiore a se stesso in alcune sue dichiarazioni. Questo deve essere tenuto presente quando si interpretano le dichiarazioni del compositore. Apparentemente, l'osservazione di un altro studente di Rimsky-Korsakov, A.V. Ossovsky, merita ancora più attenzione: il rigore, la pignoleria dell'introspezione, l'autocontrollo che invariabilmente accompagnavano il percorso dell'artista erano tali che una persona di minor talento semplicemente non avrebbe resistito a quelli. “guasti” quegli esperimenti che conduceva costantemente su se stesso: l'autore di “La donna di Pskov”, come uno scolaretto, si siede su problemi di armonia, l'autore di “La fanciulla di neve” non perde una sola rappresentazione delle opere di Wagner , l'autore di "Sadko" scrive "Mozart e Salieri", il professore e l'accademico creano "Kashchey", ecc. E anche questo proveniva da Rimsky-Korsakov non solo dalla natura, ma anche dall'epoca.
La sua attività sociale è sempre stata molto elevata e le sue attività si distinguevano per il completo altruismo e la devozione indivisa all'idea del dovere pubblico. Ma, a differenza di Musorgskij, Rimskij-Korsakov non è un “populista” in senso stretto, significato storico questo termine. Nel problema della gente, lui sempre, a partire da “La donna di Pskov” e la poesia “Sadko”, ha visto non tanto lo storico e il sociale, ma piuttosto l'indivisibile ed eterno. Rispetto ai documenti di Čajkovskij o di Mussorgskij nelle lettere di Rimskij-Korsakov, nella sua “Cronaca” si trovano poche dichiarazioni d'amore per il popolo e per la Russia, ma come artista era caratterizzato da un colossale senso di dignità nazionale, e nel messianismo dell'arte russa, in particolare della musica, non era meno fiducioso di Mussorgsky.
Tutti i Kuchkisti erano caratterizzati da una caratteristica degli anni Sessanta come un'infinita curiosità verso i fenomeni della vita, un'eterna ansia di pensiero. Per Rimskij-Korsakov si concentrava soprattutto sulla natura, intesa come unità degli elementi e dell'uomo, e sull'arte come massima incarnazione di tale unità. Come Musorgskij e Borodin, si batteva costantemente per una conoscenza “positiva” del mondo. Nel suo desiderio di studiare nel modo più approfondito tutti i settori della scienza musicale, è partito dalla posizione - in cui (come Mussorgsky) credeva fermamente, a volte fino all'ingenuità - che nell'arte ci sono leggi (norme) come oggettivo e universale come nella scienza e non solo preferenze di gusto.
Di conseguenza, l’attività estetica e teorica di Rimsky-Korsakov ha abbracciato quasi tutte le aree della conoscenza musicale e si è sviluppata in un sistema completo. Le sue componenti: la dottrina dell'armonia, la dottrina della strumentazione (entrambe sotto forma di grandi opere teoriche), estetica e forma (appunti degli anni Novanta dell'Ottocento, articoli critici), folklore (raccolte di arrangiamenti di canzoni popolari ed esempi di comprensione creativa di motivi popolari nelle composizioni), dottrina sulla modalità (un ampio lavoro teorico sulle modalità antiche è stato distrutto dall'autore, ma ne è stata conservata una versione breve, così come esempi di interpretazione delle modalità antiche negli arrangiamenti dei canti della chiesa) , polifonia (considerazioni espresse in lettere, conversazioni con Yastrebtsev, ecc., Ed anche esempi creativi), educazione musicale e organizzazione della vita musicale (articoli e principalmente attività educative e pedagogiche). In tutte queste aree, Rimsky-Korsakov ha espresso idee audaci, la cui novità è stata spesso oscurata da una forma di presentazione rigorosa e laconica.
“Il creatore di “The Pskovite” e “The Golden Cockerel” non era un retrogrado. Era un innovatore, ma si batteva per la completezza classica e la proporzionalità degli elementi musicali” (Zukkerman V.A.). Secondo Rimsky-Korsakov, qualsiasi cosa nuova è possibile in qualsiasi campo alle condizioni di una connessione genetica con il passato, di logica, di condizionalità semantica e di organizzazione architettonica. Questa è la sua dottrina della funzionalità dell'armonia, in cui le funzioni logiche possono essere rappresentate da consonanze di un'ampia varietà di strutture; Questo è il suo insegnamento sulla strumentazione, che si apre con la frase: “Non ci sono cattive sonorità nell’orchestra”. Il sistema di educazione musicale da lui proposto è insolitamente progressivo, in cui la modalità di insegnamento è associata principalmente alla natura del talento dello studente e alla disponibilità di determinati metodi di esecuzione della musica dal vivo.
L'epigrafe del suo libro sull'insegnante M. F. Gnessin contiene una frase tratta dalla lettera di Rimsky-Korsakov a sua madre: "Guarda le stelle, ma non guardare e non cadere". Questa frase apparentemente casuale di un giovane cadetto del Corpo della Marina caratterizza notevolmente la posizione di Rimsky-Korsakov, un artista del futuro. Forse alla sua personalità è adatta anche la parabola evangelica sui due messaggeri, uno dei quali disse subito "andrò" - e non andò, e l'altro prima disse "non andrò" - e andò (Matt., XXI, 28-31).
In effetti, nel corso della carriera creativa di Rimsky-Korsakov, si notano molte contraddizioni tra "parole" e "azioni". Ad esempio, nessuno ha rimproverato così veementemente il kuchkismo e i suoi difetti (basti ricordare l'esclamazione di una lettera a Krutikov: “Oh, composito russo O ry - sottolinea Stasov - devono a se stessi la loro mancanza di istruzione ", tutta una serie di dichiarazioni offensive nella Cronaca su Mussorgsky, Balakirev, ecc.) - e nessuno è stato così coerente nel sostenere e difendere i principi estetici fondamentali del kuchkismo e tutte le sue conquiste creative: nel 1907, pochi mesi prima della sua morte, Rimsky-Korsakov si definì “il kuchkista più convinto”. Poche persone erano così critiche nei confronti dei "tempi nuovi" in generale e dei fenomeni fondamentalmente nuovi della cultura musicale all'inizio del secolo e all'inizio del XX secolo - e allo stesso tempo rispondevano così profondamente e pienamente ai bisogni spirituali di la nuova era ("Kashchey", "Kitezh", " Golden Cockerel" e altri nell'ultima opera del compositore). Negli anni '80 e all'inizio degli anni '90, Rimsky-Korsakov a volte parlava molto duramente di Čajkovskij e della sua direzione - e imparava costantemente dal suo antipodo: il lavoro di Rimsky-Korsakov, la sua attività di insegnamento, senza dubbio, era il collegamento principale tra San Pietroburgo e Scuole di Mosca. La critica di Korsakov a Wagner e alle sue riforme operistiche fu ancora più devastante, ma tra i musicisti russi egli percepì più profondamente le idee di Wagner e rispose ad esse in modo creativo. Infine, nessuno dei musicisti russi ha sottolineato in modo così coerente il proprio agnosticismo religioso a parole, e pochi sono stati in grado di creare immagini così profonde della fede della gente nel proprio lavoro creativo.
Le caratteristiche dominanti della visione artistica del mondo di Rimsky-Korsakov erano il “sentimento universale” (la sua stessa espressione) e la mitologia del pensiero ampiamente intesa. In un capitolo della Cronaca dedicato a “La fanciulla di neve”, ha formulato il suo processo creativo come segue: “Ho ascoltato le voci della natura e arte popolare e la natura e ho preso ciò che cantavano e suggerivano come base della mia creatività.” L'attenzione dell'artista era maggiormente focalizzata sui grandi fenomeni del cosmo - il cielo, il mare, il sole, le stelle e sui grandi fenomeni nella vita delle persone - nascita, amore, morte. Tutta la terminologia estetica di Rimsky-Korsakov corrisponde a questo, specialmente la sua parola preferita: “ contemplazione" Le sue note di estetica si aprono con l’affermazione dell’arte come “sfera di attività contemplativa”, dove l’oggetto della contemplazione è “ la vita dello spirito umano e della natura espressa nelle loro reciproche relazioni" Insieme all'unità dello spirito umano e della natura, l'artista afferma l'unità del contenuto di tutti i tipi di arte (in questo senso la sua opera è certamente sincretica, anche se su basi diverse rispetto, ad esempio, a quella di Mussorgsky, che sosteneva anche che le arti differiscono tra loro solo nel materiale, ma non nei compiti e negli obiettivi). Il motto dell’intera opera di Rimskij-Korsakov potrebbero essere le sue stesse parole: “L’idea della bellezza è l’idea della complessità infinita”. Allo stesso tempo, il termine preferito del primo Kuchkismo, “verità artistica”, non gli era estraneo, protestava solo contro la sua comprensione ristretta e dogmatica;
Le peculiarità dell’estetica di Rimsky-Korsakov determinarono la discrepanza tra il suo lavoro e i gusti del pubblico. È altrettanto legittimo parlare di incomprensibilità nei suoi confronti come nei confronti di Mussorgskij. Mussorgskij, più di Rimskij-Korsakov, corrispondeva alla sua epoca per quanto riguarda il tipo di talento e la direzione dei suoi interessi (in generale, la storia del popolo e la psicologia dell'individuo), ma la radicalità delle sue decisioni andava oltre le capacità dei suoi contemporanei. Per Rimsky-Korsakov l'incomprensibilità non era così acuta, ma non per questo meno profonda.
La sua vita sembrava essere molto felice: una famiglia meravigliosa, un'eccellente educazione, un emozionante viaggio intorno al mondo, il brillante successo delle sue prime composizioni, una vita personale insolitamente riuscita, l'opportunità di dedicarsi interamente alla musica e successivamente il rispetto universale e gioia nel vedere la crescita degli studenti di talento intorno a lui. Tuttavia, a partire dalla sua seconda opera e fino alla fine degli anni '90, Rimsky-Korsakov si è trovato costantemente di fronte a un malinteso sia tra "noi" che tra "estranei". I Kuchkisti lo consideravano un compositore non operistico che non padroneggiava il dramma e la scrittura vocale. Per molto tempo si è creduto che gli mancasse il melodismo originale. Rimsky-Korsakov è stato riconosciuto per la sua abilità, soprattutto nel campo dell'orchestra, ma niente di più. Questo prolungato malinteso fu, infatti, la ragione principale della grave crisi vissuta dal compositore nel periodo successivo alla morte di Borodin e al crollo finale del Mighty Handful come movimento creativo. E solo dalla fine degli anni ’90 l’arte di Rimsky-Korsakov è diventata sempre più in sintonia con l’epoca e incontra riconoscimento e comprensione tra la nuova intellighenzia russa.
Questo processo di assimilazione delle idee dell’artista nella coscienza pubblica fu interrotto da eventi successivi nella storia della Russia. Per decenni, l'arte di Rimsky-Korsakov è stata interpretata (e incarnata, se parliamo delle realizzazioni sceniche delle sue opere) in modo molto semplificato. La cosa più preziosa in esso - la filosofia dell'unità dell'uomo e del cosmo, l'idea di adorare la bellezza e il mistero del mondo - rimase sepolta sotto le categorie falsamente interpretate di "nazionalità" e "realismo". Il destino dell'eredità di Rimsky-Korsakov in questo senso, ovviamente, non è unico: ad esempio, le opere di Mussorgsky furono sottoposte a distorsioni ancora maggiori. Tuttavia, se recentemente ci sono state polemiche intorno alla figura e all’opera di Mussorgskij, l’eredità di Rimskij-Korsakov è rimasta negli ultimi decenni in onorevole oblio. Gli furono riconosciuti tutti i tipi di meriti accademici, ma sembrava essere uscito dalla coscienza pubblica. La musica di Rimsky-Korsakov viene suonata raramente; in quei casi in cui le sue opere appaiono sul palco, la maggior parte delle messe in scena - fiabe puramente decorative, fogliari o popolari - indicano un decisivo fraintendimento delle idee del compositore.
Contenuto:
Biografia di Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov………... 3
Caratteristiche delle opere di Rimsky-Korsakov……………. 8
Elenco dei riferimenti................................................................17
Biografia di Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov
Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov è nato il 6 marzo 1844 a Tikhvin, una città di provincia nella provincia di Novgorod.
La famiglia Rimsky-Korsakov era musicale: il padre del compositore suonava il pianoforte a orecchio, sua madre e suo zio cantavano spesso canzoni popolari, nonché brani di opere alla moda. Le capacità musicali del ragazzo - altezza assoluta, ritmo, memoria - sono apparse all'età di due anni. All'età di sei anni, i suoi genitori iniziarono a insegnare musica al figlio, ma queste lezioni erano di natura amatoriale e non potevano interessarlo seriamente. Tuttavia, all'età di 11-12 anni ha fatto progressi significativi e ha partecipato a suonare il pianoforte a 4 e 8 mani. La necessità di comporre inizialmente si è manifestata sotto forma di un gioco da bambino: "esattamente come piegavo e smontavo gli orologi, a volte provavo a comporre musica e a scrivere appunti", ricorda Rimsky-Korsakov. “Presto, da autodidatta, arrivai al punto in cui potevo mettere discretamente su carta ciò che avevo suonato al pianoforte, rispettando la corretta divisione. Dopo un po’ ho cominciato a immaginare un po’ mentalmente, senza suonare il pianoforte, cosa c’era scritto nelle note”. La prima composizione dell'aspirante compositore fu un duetto, scritto a imitazione della canzone di Vanya da "Ivan Susanin", che al ragazzo piaceva più di tutte le opere a lui conosciute in quel momento.
Nel frattempo, l'educazione musicale di Rimsky-Korsakov lasciava molto a desiderare. Per diversi anni ha preso lezioni di pianoforte dal violoncellista Uhlich. Quest'ultimo non fornì al suo allievo né vere e proprie competenze pianistiche né la necessaria formazione teorica. Nell'autunno del 1859, Rimsky-Korsakov iniziò a studiare con Canille, un musicista colto, un buon pianista e un conoscitore della musica nazionale russa. Canille sostenne il desiderio di Rimsky-Korsakov per l'arte seria e approvò il suo amore appassionato per Glinka. "Canille mi ha aperto gli occhi su molte cose", ha ricordato il compositore. - Con quale ammirazione ho sentito da lui che "Ruslan" è davvero la migliore opera del mondo, che Glinka è il più grande genio. Finora ne avevo avuto il presentimento, ora l’ho sentito da un vero musicista”. Canille indirizzò Rimsky-Korsakov sulla via della composizione, indicandogli come esempi le opere di Beethoven, Schumann e Glinka. Sotto la sua guida, Rimsky-Korsakov scrisse diversi brani per pianoforte nel corso di due anni (variazioni, sonata allegro, scherzo, notturno, marcia funebre) e iniziò a lavorare su una sinfonia.
Convinto dello straordinario talento del suo allievo, Kanille lo presentò a Balakirev nel novembre 1861. Questa conoscenza fu un evento significativo nella vita di Rimsky-Korsakov e predeterminò il suo futuro come musicista. Un anno trascorso a comunicare con Balakirev e altri membri della sua cerchia ha portato Rimsky-Korsakov alla fiducia che la sua vera vocazione fosse quella di comporre. Sotto la direzione di Balakirev, Rimsky-Korsakov scrisse la maggior parte della Prima Sinfonia. Lungo la strada, Balakirev ha introdotto il suo studente alle forme musicali e alla strumentazione. Questa formazione era puramente pratica. Senza essere strettamente sistematico, diede risultati positivi grazie all'eccezionale talento del compositore esordiente.
La comunicazione con Balakirev e V. Stasov ha ampliato gli orizzonti di Rimsky-Korsakov. “Dopo aver incontrato Balakirev”, ha scritto, “ho sentito da lui per la prima volta che avrei dovuto leggere, occuparmi dell'autoeducazione, conoscere la storia, la letteratura raffinata e la critica. Grazie a lui per questo." Il circolo di Balakirev ha svolto un ruolo importante nel plasmare la visione del mondo del compositore e nell'introdurlo alle idee sociali e artistiche democratiche degli anni '60. In un'atmosfera di attività musicale militante e propositiva dei membri del circolo, Rimsky-Korsakov fu intriso dei compiti e degli interessi del movimento realistico di Glinka e realizzò chiaramente il suo scopo come compositore russo. Questo può essere giudicato da una delle sue lettere dei primi anni '60: “In Russia, la musica ha appena iniziato il suo sviluppo con Glinka, e tutti i musicisti russi non stanno andando avanti, ma stanno volando in avanti... Dovrei sostenere questo sviluppo di musica in Russia, avrei fatto un sacco di cose..."
Anni '60. Rimsky-Korsakov si affermò immediatamente come un sinfonista talentuoso e promettente. Il suo debutto come compositore fu l'esecuzione della Prima Sinfonia in un concerto della Free Music School, che ebbe luogo sotto la direzione di Balakirev alla fine del 1865. La sinfonia ebbe un grande successo e ottenne il plauso della critica. C. Cui la definì "la prima sinfonia russa", sottolineando la base musicale dei suoi temi, il talento dell'orchestrazione e sottolineando il carattere russo originale dell'intera opera.
Dopo la sinfonia, Rimsky-Korsakov creò una serie di altre opere sinfoniche. I più significativi sono dedicati alle immagini dell'epica russa e delle fiabe orientali. Questo è il dipinto sinfonico “Episodio dell'epopea di Novgorod su Sadko” (1867), scritto su suggerimento di Mussorgsky, e il programma della suite sinfonica “orientale” “Antar”, la cui fonte letteraria era la romantica fiaba araba di lo stesso nome di O. Senkovsky (Barone Brambeus) - giornalista , scrittore di narrativa e allo stesso tempo storico orientalista, esperto di letteratura araba. Sulla base del programma letterario, il compositore ha dato a queste opere una forma pittorica e narrativa originale. Nella loro armoniosa composizione musicale si alternano liberamente diversi tipi di suoni e episodi di genere, la cui sequenza è determinata dalla trama letteraria e non dalle forme stabilite nell'opera dei classici viennesi. Ciò ha permesso al compositore di trasmettere nella sua musica tutti i dettagli dei programmi poetici scelti.
Contemporaneamente alle opere orchestrali, Rimsky-Korsakov crea romanzi di natura lirica, paesaggistica e orientale. Ma l’opera più importante del compositore, che completò il primo periodo della sua opera, fu l’opera “La donna di Pskov”, iniziata nell’estate del 1868.
Gli anni '70 costituiscono una nuova tappa importante nella biografia e nell'attività musicale di Rimsky-Korsakov.
Rimsky-Korsakov sta lavorando per sviluppare e migliorare la sua tecnica compositiva, la cui insufficienza è diventata per lui molto evidente. Gli anni 1874 e 1875 furono trascorsi da Rimsky-Korsakov in studi intensivi di armonia, contrappunto e strumentazione. Mentre insegnava agli altri, studiava se stesso, senza vergognarsi di chiedere consiglio e aiuto ai suoi compagni, professori del conservatorio e a Čajkovskij. Quest'ultimo ha reagito con profonda simpatia e simpatia a queste attività di Rimsky-Korsakov. Ha scritto: “Sai che semplicemente mi inchino e rimango in soggezione davanti alla tua nobile modestia artistica e al tuo carattere sorprendentemente forte! Tutti questi innumerevoli contrappunti che hai fatto, queste 60 fughe e molti altri trucchi musicali: tutto questo è un'impresa tale per una persona che ha scritto "Sadko" otto anni fa che vorrei gridarlo al mondo intero. Sono stupito e non so come esprimere il mio infinito rispetto per la tua personalità artistica... Sono veramente convinto che con il tuo enorme talento, unito all'ideale coscienziosità con cui ti approcci al tuo lavoro, dalla penna devono uscire le tue opere che lascerà molto indietro tutto ciò che è stato scritto finora in Russia...”
Rimsky-Korsakov utilizzò ampiamente la tecnica acquisita nelle composizioni di questo periodo (sinfonia in do maggiore, ensemble strumentali da camera, cori polifonici non accompagnati, brani per pianoforte), ma costituivano comunque solo una fase transitoria nel percorso creativo del compositore.
La seconda metà degli anni '70 fu segnata dal lavoro di Rimsky-Korsakov su due raccolte di canzoni e, in relazione a ciò, dallo studio della poesia e dei rituali popolari. Dopo essersi inizialmente occupato dell'elaborazione delle melodie comunicategli dall'amante della canzone popolare T. Filippov, il compositore si dedicò presto alla compilazione della propria raccolta. In esso, ha cercato di presentare i migliori esempi di canzoni popolari contadine, prestando particolare attenzione ai generi più antichi: rituali ed epici. Interessato ai rituali popolari dell'adorazione del sole, Rimsky-Korsakov iniziò a conoscere la ricerca su questo tema, rimase ancora più affascinato dal lato poetico del culto dell'adorazione del sole e rimase ancora affascinato dalle meravigliose melodie antiche che preservavano lo spirito della lontana antichità pagana. Uno studio così ampio e approfondito della musica popolare e della poesia ha avuto, come scrisse lo stesso Rimsky-Korsakov, un'enorme influenza sulla direzione della sua attività compositiva.
Contemporaneamente alla compilazione delle raccolte, ha preso parte all'editing delle partiture d'opera di Glinka (insieme a Balakirev e Lyadov.
"May Night" è una delle opere più romantiche di Rimsky-Korsakov. Sebbene l'elemento comico giochi un ruolo significativo in esso, costituisce solo uno (e non il più importante) lato dell'opera. I suoi personaggi principali - Levko e Ganna - sono personaggi puramente lirici, e i testi d'amore conferiscono all'opera un sapore unico gioventù.
Dopo "May Night", il compositore scrisse "The Snow Maiden", che considerava forse la sua opera migliore.
Gli anni '80 sono il periodo della creatività prevalentemente sinfonica di Rimsky-Korsakov, il tempo della creazione di "Fiaba" (basata sul prologo di Pushkin a "Ruslan e Lyudmila"), Sinfonietta (su temi popolari), Concerto per pianoforte e Fantasia su temi popolari per violino e orchestra. Alla fine degli anni '80, il compositore scrisse le sue opere sinfoniche più eccezionali: lo spagnolo Capriccio e Scheherazade. Alla fine di questo decennio fu creata l'opera “Mlada”, la cui trama era basata sul libretto di una composizione collettiva non realizzata degli anni '70. Inoltre, durante gli anni '80, Rimsky-Korsakov sottopose quasi tutte le sue opere principali scritte prima della "Notte di maggio" a un ampio editing, e allo stesso tempo dedicò molti mesi di intenso lavoro al completamento del "Principe Igor" di Borodin (con Glazunov ), “Khovanshchina” di Mussorgsky e modificando tutte le opere di questo compositore, inclusa la ristrumentazione di “Boris Godunov”. Nel suo lavoro disinteressato, Rimsky-Korsakov era guidato da un sentimento di amore per i suoi amici defunti, dalla consapevolezza del suo dovere artistico e dall'enorme valore delle loro opere. “Ci voleva tanto amore ardente per i compagni e gli amici defunti, tanto amore per l'arte, per mettere da parte così tante volte e per così tanto tempo la propria creatività nel momento del suo apice e dedicare tutto il proprio talento , tutta l'energia e l'anima per il magnifico completamento delle opere di altre persone." , Stasov scrisse con ammirazione su Rimsky-Korsakov.
All'inizio della primavera del 1908, Rimsky-Korsakov iniziò a soffrire di gravi malattie cardiache. Dopo essersi trasferito nella tenuta di Lyubensk per l'estate, ha continuato a lavorare sul libro di testo "Fondamenti di orchestrazione". Le sue ultime annotazioni risalgono al 7 giugno; La notte dell'8 giugno il compositore morì.
Caratteristiche delle opere di Rimsky-Korsakov
L'opera di Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov è un'incarnazione vivente della poesia e della bellezza originale dell'arte nazionale russa.
La ricca cultura artistica creata dal popolo russo, la storia russa e la vita popolare hanno suscitato in Rimsky-Korsakov, un fedele seguace di Glinka, amore genuino e con esso ondate di ispirazione creativa.
Particolarmente attraenti per lui erano quei monumenti dell'arte popolare e della vita quotidiana in cui la vita della gente veniva presentata dal suo lato colorato e poetico: antiche credenze popolari, rituali e canzoni associate a idee popolari sulla natura, leggende, poemi epici e fiabe. Fu in questa passione che si manifestò la comprensione individuale, caratteristica di Rimsky-Korsakov, della nazionalità dell'arte; qui trovò la sua strada come artista-musicista russo. "In sostanza, la mia famiglia è una fiaba, un'epopea e certamente russa", ha detto il compositore. Nelle sue opere ci sono immagini di vita popolare antica, vita quotidiana e rituale, che prende vita Antica Rus' in tutta la sua originalità e vivacità, come appariva all'immaginazione poetica del compositore. Nelle opere di Rimsky-Korsakov vengono alla ribalta immagini che personificano l'intelligenza e il talento artistico delle persone, la loro brama di bellezza, gentilezza e sublimità dei sentimenti. Il compositore ha incarnato i sogni delle persone di libertà, felicità, bellezza, le loro idee sulla giustizia e la bontà in una serie di immagini ideali, fiabesche e illusorie (il regno di Berendee in "La fanciulla di neve", la principessa del cigno in "La storia dello zar" Saltan”). Passando a soggetti storici, Rimsky-Korsakov si è adoperato per una rappresentazione romantica e sublime degli eroi popolari. Così, avendo concepito un'opera su Stepan Razin, il compositore chiese al librettista di rimuovere dalla sceneggiatura progettata dell'opera quelle scene ed episodi in cui venivano enfatizzati gli eventi sanguinosi: “La personalità di Stenka”, scrisse Rimsky-Korsakov, “deve certamente essere in qualche modo idealizzato e dovrebbe suscitare simpatia, non allontanare È necessario che una figura gigantesca si alzi e si diffonda tra i popoli oppressi…”
Pertanto, Rimsky-Korsakov ha concentrato la sua attenzione principalmente sugli ideali morali ed estetici delle persone, così come sono emersi nei monumenti dell'arte popolare.
Nell'arte stessa, vedeva una delle manifestazioni del potere spirituale delle persone, una potente forza vitale che nobilita una persona, risveglia in lui elevate aspirazioni e rivela le migliori qualità della sua natura. In molte opere del compositore ci sono eroi popolari, famosi non per le loro imprese militari, ma per il loro talento artistico; sono allo stesso tempo portatori di sentimenti elevati e patriottici e di ideali morali. Tale, ad esempio, è l'epico guslar Sadko.
La caratteristica reattività di Rimsky-Korsakov alla bellezza nei fenomeni della realtà si rifletteva nei meravigliosi paesaggi musicali e nelle immagini della natura, che giocano un ruolo importante nelle sue composizioni. Immagini del mare, della foresta, dell'alba fiammeggiante, del cielo stellato, paesaggi del Nord e del Sud, schizzi dal mondo degli uccelli e degli animali, la resa di tutti i tipi di "voci della natura" - tutto questo è soggetto a l'immaginazione musicale del compositore, maestro della pittura sonora del paesaggio. Rimsky-Korsakov era dotato di un talento speciale per la pittura attraverso la musica. Tuttavia, i paesaggi musicali del compositore hanno non solo una rara luminosità e accuratezza dell'immagine musicale, ma anche una spiritualità poetica e una profonda espressività lirica. Sono emotivamente carichi.
Immagini fiabesche e fantastiche appaiono in stretta unità con la natura nella musica di Rimsky-Korsakov. Molto spesso personificano, come nelle opere d'arte popolare, alcune forze elementali e fenomeni naturali (Frost, Leshy, Sea Princess, ecc.). Le immagini fantastiche contengono, oltre ad elementi musicali, pittoreschi, fiabeschi e fantastici, anche caratteristiche dell'aspetto esteriore e del carattere di persone reali. Tale versatilità (di cui parleremo più in dettaglio analizzando le opere) conferisce alla fantasia musicale di Korsakov un'originalità speciale e una profondità poetica.
A causa delle peculiarità del suo talento e del suo atteggiamento, Rimsky-Korsakov è uno degli artisti ottimisti. Le sue opere sembrano irradiare luce solare e calore, sottolineando l'inizio saggio e armonioso della vita. Musica piena d'aria e di colori della natura viva, ricca di freschezza
eccetera.................
- Periodo “reale” dell'Antica Roma: VIII – VI secolo. AVANTI CRISTO.
- Periodo repubblicano dell'Antica Roma: V – I secolo. AVANTI CRISTO.
- Periodo Imperiale dell'Antica Roma: I – V secolo. ANNO DOMINI
(caduta di Roma nel 476 d.C.).
Arte etruscaPrima del dominio romano in Italia, l'area culturale più significativa era l'Etruria (oltre alle città greche), la regione situata sul lato occidentale della penisola appenninica.
Il periodo di massima prosperità politica dell'Etruria fu il VI secolo. AVANTI CRISTO.
Architettura
I templi etruschi sono molto simili nel tipo a quelli greci, ma
- stava su un alto piedistallo,
- aveva un cornicione fortemente sporgente,
- solitamente riccamente decorato con dettagli in terracotta.
Gli Etruschi usavano il cosiddetto ordine toscano, simile al dorico (colonne senza scanalature, ma avevano base e capitello simili al dorico). Questa architettura si è formata sotto l'influenza della Grecia del periodo arcaico.
arte
Dalla seconda metà del VII secolo. AVANTI CRISTO. L'arte etrusca si sviluppò sotto l'influenza della Grecia.Come nella Grecia del periodo ellenistico nei dipinti della fine del V-III secolo. AVANTI CRISTO. L'umore nel dipinto cambia, vengono raffigurate immagini cupe degli inferi, i signori dell'Ade - Plutone e Proserpina, ... Nella rappresentazione dei banchetti funebri, i partecipanti sono pieni di tristezza e tristezza. Era il V secolo. AVANTI CRISTO. Roma iniziò le operazioni militari contro l'Etruria.
Dipinto della tomba degli Scudi a Tarquinia. Particolare di una figura femminile. Affrescare. OK. 280 a.C
Dal IV secolo AVANTI CRISTO. e nei secoli successivi, i ritratti occuparono un posto importante nell'arte etrusca: nelle pitture tombali e nella scultura.
Entro il 280 a.C. L'Etruria era già stata completamente conquistata da Roma. Nel III-II secolo. AVANTI CRISTO. L'Etruria sotto il dominio di Roma conobbe una seconda ascesa, anche se non così brillante come nei secoli V-IV. AVANTI CRISTO e.
L'arte continua a svilupparsi in due direzioni: una è associata all'arte ellenistica, l'altra è tradizionale e locale.
L'originalità dell'arte etrusca era più evidente nel ritratto. Ora l'usanza prevede la sepoltura in sarcofagi e urne con l'immagine del defunto sdraiato sul coperchio.
Un simile ritratto è molto spesso solo fisiognomico e raramente raggiunge il livello psicologico.
Antiche tradizioni etrusche sono visibili nella grande statua bronzea dell'oratore.
Il ritratto mostra chiaramente l’attenzione degli Etruschi per i tratti fisionomici.
Arte della Repubblica Romana
Entro la fine del VI secolo. AVANTI CRISTO. Roma divenne una repubblica aristocratica proprietaria di schiavi.L'organo supremo del potere è il Senato, che potrebbe comprendere solo rappresentanti dell'aristocrazia (patricia).
Il poeta romano Orazio disse: "La Grecia, presa prigioniera, affascinò i selvaggi vincitori, portando l'arte nel severo Lazio..." Sebbene queste parole contengano indubbiamente un'esagerazione poetica, Orazio sottolineò figurativamente il fatto che i romani adoravano il genio artistico dei greci.
A metà del II secolo. AVANTI CRISTO. Roma arrivò a dominare l'intero Mediterraneo. Cartagine fu distrutta, la Grecia e la Macedonia furono trasformate in province romane.
Dalla fine del III secolo a.C. e. I comandanti romani iniziarono ad esportare opere d'arte sulle navi dalle città greche conquistate. Ciò contribuì allo sviluppo del gusto artistico dei romani. Gli edifici pubblici, i templi e le piazze di Roma erano pieni di bellissime statue. Tra questi c'erano le creazioni di grandi maestri come Fidia, Mirone, Policleto, Skopa, Prassitepe, Lisippo.
La città di Roma nacque secondo la leggenda nell'VIII secolo. AVANTI CRISTO.
Secondo la leggenda la Vestale diede alla luce due gemelli del dio Marte. Le Vestali, sacerdotesse della dea Vesta, dovevano fare voto di celibato. Per aver violato il suo voto, fu condannata a morte.
Il re ordinò che i gemelli fossero gettati nel Tevere. Ma gli schiavi a cui era stato affidato questo compito lasciarono la cesta con i gemelli in un luogo poco profondo, poiché a causa dell'esondazione del fiume era difficile per loro avvicinarsi alle acque profonde. Quando la fuoriuscita si calmò, il cestino si ritrovò in un luogo asciutto. Una lupa, che era scesa dalle montagne circostanti al fiume per bere, accorse alle grida dei gemelli e li nutrì con il suo latte.
Ben presto i bambini furono trovati dal pastore reale. Li portò a casa e li diede a sua moglie perché li allevasse. Ai gemelli furono dati i nomi Romolo e Remo. Crescendo, oltre alla caccia, iniziarono anche ad attaccare i ladri, a prendere il loro bottino e a dividerlo tra i pastori.
Alla fine, fu rivelato il segreto che erano i nipoti del re. I fratelli decisero di fondare una nuova città nei luoghi in cui furono ritrovati. Quando fu fondata, litigarono e Romolo uccise Remo e diede il suo nome alla città.
Architettura
Roma si sviluppò su più colli (Capitolium, Palatino e Quirinale).La piazza centrale dell'antica Roma è il Foro Romano (Forum Romanum). Successivamente, al primo si unirono altri cinque fori (piazze). Come risultato del graduale sviluppo, il forum ha acquisito un carattere asimmetrico.
Gli edifici dell'epoca della Roma repubblicana indicano il completo dominio degli ordini greci. Fondamentalmente le strutture erano costruite in pietra calcarea, tufo e in parte in marmo.
Un tipo di tempio rotondo, il tholos, si diffuse nell'architettura romana.
In questi templi si usava l'ordine corinzio, favorito dai romani e da loro adottato dai greci.
I secolo AVANTI CRISTO.
Presso il Foro Boario si trova un altro tempio dell'epoca della Repubblica Romana. Un esempio unico di pseudoperiptero.
Caratteristiche dell'architettura romana: un podio, un portico profondo a quattro colonne.
Un altro tempio, a pianta rotonda.
Nel I secolo a.C. e. L'ingegnere e architetto Vitruvio creò il trattato "Dieci libri sull'architettura", che era una vera enciclopedia della pratica edilizia della sua epoca. Vitruvio formulò i requisiti fondamentali che si applicano a una struttura architettonica di ogni tempo: deve coniugare utilità, robustezza e bellezza. L'architetto dell'antica Roma doveva avere un'istruzione completa, inclusa la conoscenza del clima, della scienza del suolo, della mineralogia, dell'acustica, dell'igiene, dell'astronomia applicata, della matematica, della storia, della filosofia e dell'estetica architettonica.
arte
Nelle arti visive della Roma repubblicana è evidente l'influenza dell'arte greca ed etrusca.Ma nell’arte greca erano dominanti le immagini di dei, eroi mitologici e atleti. La ritrattistica in Grecia nacque relativamente tardi (a metà del V secolo a.C.).
A Roma, al contrario, è stato il ritratto a ricevere il significato dominante. Il ritratto, soprattutto quello scultoreo, rivelava l'unicità dell'arte romana.
Anche nella pittura non si stanno diffondendo temi mitologici, ma trame che raccontano eventi specifici.
Architettura
L'opera più antica dei primi decenni della repubblica è la celebre scultura in bronzo:
L'eccellente tecnica di fusione del bronzo fa supporre che si tratti di opera di artigiani etruschi.
Secondo il culto stabilito, i nobili romani ordinarono immagini scultoree del defunto sotto forma di stele, che fu posta sulla tomba, o sotto forma di busti-ritratto.
Maestri del I secolo AC, quando lavoravano su un ritratto, seguivano esattamente la natura, spesso, probabilmente già basandosi su un volto morto. Non hanno cambiato nulla e hanno mantenuto tutti i piccoli dettagli.
L'espressione del viso in questi ritratti è sempre calma, le rughe sulla fronte sono indicate, lo sguardo è senza vita, gli angoli della bocca sono rivolti verso il basso. I capelli sono tagliati corti e vicini alla fronte.
Molto spesso vengono raffigurati uomini già da anni.
Nel ritratto di donna appare chiaramente un tratto caratteristico dell'arte romana: l'assenza di ogni idealizzazione.
Con lo sviluppo della vita sociale e il crescente ruolo del comandante conquistatore, statista A Roma compaiono non solo sculture funerarie, ma anche secolari. Questa scultura è una statua onoraria di un romano avvolto in una toga.
Un modello di drappeggio simile, solo più morbido, sarà conservato sulle statue del I-II secolo. ANNO DOMINI
Pittura
A Roma II-I secolo. AC furono realizzati dipinti raffiguranti battaglie e trionfi (noti da fonti letterarie). I dipinti di battaglia riproducevano fedelmente la zona in cui si svolse la battaglia e la disposizione delle truppe. Tali dipinti furono portati in un corteo trionfale ed esposti nei luoghi pubblici affinché tutti possano vederlo. I dipinti raffiguravano ritratti di trionfanti in toghe bianche con un bordo viola, che marciavano alla testa di un esercito o su carri.1° stile decorativo: intarsio.
Tutti i dettagli architettonici (lesene, cornicioni, zoccoli, mensole, singoli riquadri) sono stati realizzati tridimensionali in gesso e poi dipinti.
Il 2° stile decorativo è in prospettiva architettonica.
I dettagli architettonici non sono creati in volume, ma sono rappresentati mediante pittura (colonne, pilastri, cornici complesse, nicchie).
L'impressione di volume si ottiene utilizzando la riduzione prospettica.
Nella decorazione delle pareti vengono introdotti dipinti tematici (il più delle volte una ripetizione di originali greci).
Villa dei Misteri.
Anni '60 AVANTI CRISTO.
Nel corso di molti anni di attività (oltre 40 anni), il lavoro di Rimsky-Korsakov ha subito cambiamenti, riflettendo le esigenze del tempo e si sono evoluti sia le visioni estetiche del compositore che il suo stile; Rimsky-Korsakov si è sviluppato come musicista nell'atmosfera di impennata sociale degli anni '60. sotto l'influenza dei principi estetici della “Nuova Scuola di Musica Russa”. Il più importante di questi - il desiderio di nazionalità, alto contenuto e significato sociale dell'arte - il compositore lo ha portato avanti per tutta la sua vita. Allo stesso tempo, era più interessato a specifici problemi interni dell'arte rispetto ad altri membri del circolo Balakirev. Rimsky-Korsakov si caratterizza per l'identificazione del principio estetico in ogni opera, il desiderio di bellezza e la perfezione dell'esecuzione. Da qui - Attenzione speciale a questioni di professionalità e di un'estetica unica dell'artigianato, che hanno avvicinato i principi di Rimsky-Korsakov tendenze generali sviluppo dell'arte russa tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, l'aspetto creativo di Rimsky-Korsakov ha molte somiglianze con M.I. Prima di tutto: una visione del mondo armoniosa, equilibrio interno, arte sottile, gusto impeccabile, senso delle proporzioni artistiche, chiarezza classica del pensiero musicale.
La gamma di temi e trame incarnati da Rimsky-Korsakov è ampia e varia. Come tutti i "Kuchkisti", il compositore si è rivolto alla storia russa, alle immagini della vita popolare, alle immagini dell'Oriente, ha toccato anche l'area del dramma quotidiano e la sfera lirico-psicologica; Ma il talento di Rimsky-Korsakov si è rivelato più pienamente nelle opere legate al mondo della fantasia e a varie forme di arte popolare russa. Una fiaba, una leggenda, un'epopea, un mito, un rituale determinano non solo il tema, ma anche il significato ideologico della maggior parte delle sue opere. Rivelando il sottotesto filosofico dei generi folcloristici, Rimsky-Korsakov rivela la visione del mondo delle persone: il loro eterno sogno di vita migliore, sulla felicità, incarnata nelle immagini di luminosi paesi e città da favola (il regno di Berendey in "The Snow Maiden", la città di Ledenets in "The Tale of Tsar Saltan", Great Kitezh); i suoi ideali morali ed estetici, personificati, da un lato, dalle eroine dell'opera, seducenti, pure e gentili (la principessa in "Kashchei l'Immortale", Fevronia), dall'altro, da cantanti leggendari (Lel, Sadko), questi simboli dell'arte popolare immutabile; la sua ammirazione per il potere vivificante e l'eterna bellezza della natura; infine, la fede inestirpabile del popolo nel trionfo delle forze della luce, della giustizia e del bene è la fonte dell'ottimismo insito nell'opera di Rimsky-Korsakov.
Anche l’atteggiamento di Rimsky-Korsakov nei confronti di ciò che ritrae è correlato arte popolare. Secondo B.V. Asafiev, "...tra il sentimento personale del compositore e l'oggetto della sua opera c'è un bellissimo mediastino: come ne pensano le persone e come incarnerebbero il loro pensiero al riguardo?" Tale distacco dalla posizione dell'autore ha determinato l'obiettività del tono caratteristico di Rimsky-Korsakov e la predominanza dei principi epici della drammaturgia nella maggior parte delle sue opere. A questo sono collegate anche le caratteristiche specifiche dei suoi testi, sempre sinceri e allo stesso tempo privi di tensione emotiva: calmi, integrali e alquanto contemplativi.
L'opera di Rimsky-Korsakov combina organicamente la dipendenza dal folklore musicale russo (principalmente i suoi strati più antichi e le tradizioni dei classici nazionali (Glinka) con lo sviluppo diffuso delle tendenze pittoriche e coloristiche dell'arte romantica, l'ordine e l'equilibrio di tutti gli elementi del linguaggio musicale. Il compositore introduce autentiche canzoni popolari e crea le sue melodie nello spirito di quelle popolari. Temi diatonici arcaici in metri dispari complessi sono particolarmente tipici per lui, come il ritornello finale di "The Snow Maiden" in 11/4.) Anche le intonazioni delle canzoni. colora la melodia lirica (principalmente operistica) di Rimsky -Korsakov. Ma, a differenza dei temi popolari, è più caratterizzato dalla completezza strutturale, dalla dissezione interna e dalla ripetizione periodica dei collegamenti motivici. Tipiche di Rimsky-Korsakov sono le melodie commoventi e riccamente ornate di natura strumentale, spesso introdotte nelle parti vocali di fantastici personaggi dell'opera (Volkhova, la Principessa del cigno).
Lo sviluppo del materiale tematico in Rimsky-Korsakov di solito non porta a trasformazioni intonazionali fondamentali. Come tutti i "kuchkaisti", il compositore utilizza ampiamente e variamente tecniche variazionali, integrandole con la polifonia, spesso subvocale, ma spesso imitativa.
Il pensiero armonico di Rimsky-Korsakov si distingue per la logica rigorosa e la chiarezza, e in esso c'è un senso di organizzazione razionale. Pertanto, l'uso di modi diatonici naturali, provenienti dallo stile della canzone contadina russa e dai principi di Balakirev della sua elaborazione, è solitamente combinato da Rimsky-Korsakov con una semplice armonizzazione triadica e l'uso di accordi di grado secondario. Il contributo del compositore allo sviluppo delle possibilità coloristiche dell'armonia è significativo. Basato sulle tradizioni di "Ruslan e Lyudmila", ha creato a metà degli anni '90. il suo sistema di mezzi modo-armonici (associati principalmente alla sfera delle immagini fantastiche), che si basa su modi complessi: aumentato, concatenato e soprattutto diminuito, con una caratteristica scala tono-semitono, la cosiddetta. “Gamma Rimsky-Korsakov”.
Tendenze coloristiche sono evidenti anche nell'orchestrazione, che Rimskij-Korsakov considerava parte integrante del progetto (“uno degli aspetti dell'anima” dell'opera). Introduce nelle partiture numerosi assoli strumentali e, seguendo i precetti di Glinka, preferisce i suoni dei timbri puri ai colori densi e misti. La luminosità e la brillantezza virtuosa della sua orchestra si uniscono alla trasparenza e alla leggerezza della trama, contraddistinte dall'impeccabile chiarezza della performance vocale.