Glorioso XVIII secolo! Con lui, nell'affascinante e drammatico libro della storia russa, inizia non solo un nuovo capitolo, ma, forse, un intero volume. Più precisamente, questo volume deve iniziare con gli ultimi decenni del secolo precedente - il XVII secolo, quando il nostro Paese, dopo aver esitato dolorosamente davanti a un bivio, iniziò a compiere una svolta potente e senza precedenti - dal Medioevo alla New Age. Di fronte all’Europa.
La Russia a quel tempo veniva spesso paragonata a una nave. Questa nave avanzò in modo incontrollabile, spiegando vele rigogliose, senza paura delle tempeste e senza fermarsi a gridare: "Uomo in mare!" Era guidato dalla mano ferma di un capitano brillante, impavido e spietato: lo zar Pietro, che fece della Russia un impero e di se stesso il suo primo imperatore. Le sue riforme furono dure, persino crudeli. Ha imposto la sua volontà al Paese, rompendo le tradizioni, senza esitazione, sacrificando migliaia e migliaia di vite agli interessi statali.
C'era bisogno di questo? C'era qualche altro modo? La domanda è molto complessa, gli storici non hanno ancora risposto. Tuttavia, qualcos’altro è importante per noi ora. Il fatto che in pochi decenni, trascorsi dall'inizio delle riforme di Pietro fino all'epoca di Caterina la Grande, la Russia, che agli occhi dell'Europa occidentale era una terra esotica aliena e pericolosa, abitata da barbari imprevedibili, sia diventata non solo una terra europea energia. Una delle prime potenze europee! I rapidi cambiamenti si sono verificati non solo in politica: hanno influenzato le basi stesse della vita delle persone, il loro atteggiamento nei confronti del mondo e degli altri, la vita di tutti i giorni, l'abbigliamento, molte piccole cose quotidiane che, di fatto, compongono la vita. E, naturalmente, l'art. In questi decenni, l'arte russa ha volato lungo il percorso lungo il quale per secoli ha fluito l'arte dell'Europa occidentale.
Artista sconosciuto. Ritratto del “patriarca” Milak - boiardo Matvey Filimonovich Naryshkin. 1690 Olio su tela. 86,5 x 75 cm Museo statale russo
Il pathos della conoscenza attiva che colpì la Russia ai tempi di Pietro il Grande la rende in parte simile all'Europa occidentale del Rinascimento. Poi in Italia (e poi in altri paesi), la secolarizzazione della cultura, lo sviluppo delle scienze pratiche al posto della filosofia speculativa medievale e un vivo interesse per l'autovalutazione dell'individuo (al di fuori del quadro aziendale, ancora una volta caratteristico del Medioevo) hanno stimolato il rapido sviluppo dell'arte secolare, che raggiunse livelli senza precedenti.
Quest'arte è caratterizzata da una resa accurata della natura, basata sullo studio delle leggi della prospettiva e dell'anatomia umana; e, soprattutto, uno sguardo attento e premuroso alla persona. I maestri del Rinascimento ci mostrano l'uomo innanzitutto come un miracolo, coronamento della creazione, che va ammirato. Nel XVII secolo, questo piacere lascia il posto allo psicologismo profondo e sobrio, alla consapevolezza dei tragici paradossi dell'esistenza e della stessa natura umana (ad esempio, nelle opere di Velazquez e Rembrandt).
L'arte russa del XVII secolo era ancora in balia della tradizione e dei canoni. La pittura secolare di quel tempo è costituita da ritratti parsun (dalla parola latina “persona”), che ricordano molto i volti iconografici. Sono piatti, statici, privi di chiaroscuro e non trasmettono accuratamente l'aspetto dei soggetti (noti agli autori, di regola, per sentito dire). Tutto questo, ovviamente, non è dovuto alla mancanza di talento. Davanti a noi c'è un sistema artistico diverso, destinato all'arte spirituale. Un tempo dava vita ai capolavori di Teofane il Greco e Andrei Rublev. Ma i tempi sono cambiati e le tecniche pittoriche, prive di base storica, si sono trasformate in arcaismo.
I rapidi cambiamenti nella società - e con essa nell'arte - iniziarono negli anni Novanta del XVII secolo. Un tipico esempio è il ritratto del giullare reale Yakov Turgenev, dipinto da un artista sconosciuto entro e non oltre il 1695. In generale si tratta di una tipica parsuna: un'immagine congelata su un piano, sebbene luci e ombre siano già delineate. Ma la cosa principale è individuare l’aspetto del modello: lineamenti del viso, espressione degli occhi; il mondo interiore nel ritratto non è ancora riflesso, eppure davanti a noi c'è senza dubbio una persona vivente.
Ivan Nikitin. Ritratto della principessa Praskovya Ivanovna (?), nipote di Pietro I. 1714.
Tela, olio. 88 x 67,5 cm Museo statale russo
Ivan Nikitin. Ritratto del barone Sergei Grigorievich Stroganov. 1726
Tela, olio. 87 x 65 cm Museo statale russo
Ivan Nikitin. Pietro I sul letto di morte. 1725
Tela, olio. 36,6 x 54,4 cm Museo statale russo
Il fatto che il genere dei ritratti abbia iniziato a svilupparsi molto rapidamente non è sorprendente. In primo luogo, esisteva già nella pittura russa (a differenza della maggior parte degli altri generi che dovevano ancora apparire). Il motivo principale è che nell'era di Pietro il Grande l'importanza dell'individuo è cresciuta notevolmente: attiva, assetata di autoaffermazione, che rompe tradizioni e barriere di classe. Questi erano i "pulcini del nido di Petrov" - da Menshikov ad Abram Hannibal - persone appassionate e di talento di varie origini, grazie alle quali la nave russa riuscì a superare il mare tempestoso di riforme radicali. Il destino di queste persone era spesso tragico. Un destino simile attendeva il primo artista famoso del XVIII secolo ad emergere sotto Pietro, Ivan Nikitin.
Nacque a metà degli anni ottanta del Seicento ( data esatta sconosciuto) nella famiglia di un prete di Mosca. Dimostrò presto capacità straordinarie: ancora giovanissimo insegnò aritmetica e disegno alla “scuola di artiglieria” di Mosca. Iniziò a studiare seriamente la pittura sotto la direzione di Pietro I, che scoprì il suo talento.
I primi lavori di Nikitin (ad esempio, un ritratto presumibilmente raffigurante la nipote di Pietro, Praskovya Ioannovna (1714)) ricordano ancora per molti versi i parsuns con la loro piattezza, convenzionalità e disprezzo per l'anatomia. Ma nuove caratteristiche stanno diventando sempre più evidenti in esse: grande attenzione alla modella, tentativi di trasmettere il suo carattere, la vita interiore. Nel 1716 Nikitin fu incluso nel numero dei pensionati di Pietro: giovani inviati all'estero a studiare a spese dello Stato.
Ivan Nikitin. Ritratto dell'etman del pavimento. 1720
Tela, olio. 76 x 60 cm Museo statale russo
Prima di partire, lo zar incontrò personalmente l'artista, e poi scrisse alla moglie (che allora si trovava a Berlino) chiedendole di commissionargli diversi ritratti, tra cui quello del re prussiano, “affinché sappiano che ci sono buoni maestri tra la nostra gente”. E al ritorno dall'estero, Peter non lasciò Nikitin con la sua attenzione: gli diede una casa nel centro di San Pietroburgo e lo chiamò "Hofmahler degli affari personali".
L'artista provava qualcosa di più della semplice gratitudine nei confronti dell'imperatore: ammirava questa potente personalità e rispettava profondamente il suo genio statista. Questo atteggiamento è molto evidente nel famoso ritratto di Pietro di Nikitin. L'uomo nel ritratto non è più giovane; C'è amarezza nel suo sguardo e nelle labbra ostinatamente compresse. Ovviamente, è riuscito a vedere e apprezzare l'altro lato di risultati grandiosi. Ma... arrendersi? In nessun caso! È ancora l'incarnazione della forza d'animo e dell'energia indomabile. E nel 1725 l'artista dovette adempiere a un triste dovere: catturare l'imperatore sul letto di morte. Questo dipinto fa una forte impressione. Il volto del defunto, illuminato in modo allarmante dalle fiamme delle candele (rimanendo “dietro le quinte” del quadro), è raffigurato in modo rigorosamente realistico e allo stesso tempo pieno di vera grandezza.
Queste e altre opere di Nikitin testimoniano la rapida crescita della sua abilità. Ecco, ad esempio, un ritratto del cancelliere G.I. Golovkin. Che persona intelligente, sottile e ambigua descrive! Lo sguardo dei suoi occhi scuri e attenti fissi sullo spettatore è semplicemente ipnotizzante. O il magnifico "Ritratto del pavimento Hetman". Questi dipinti sono laconici, pieni di dinamismo interno ed estremamente espressivi. Il loro autore non è più vincolato dal canone, è capace delle tecniche tecniche più complesse.
Questa rigidità e rigidità sono visibili nelle opere di un altro pensionato di Pietro il Grande, Andrei Matveev, ad esempio in “Autoritratto con sua moglie” (1729?). Le pose e le espressioni facciali della giovane coppia raffigurate sono statiche e deliberate. Allo stesso tempo, il ritratto attrae con una profonda sincerità e purezza. Quando la guardiamo, un'epoca lontana appare improvvisamente vicina e ci parla direttamente...
Dopo la morte di Pietro I, in Russia iniziarono tempi difficili. I suoi successori, assorbiti nella lotta per il potere, erano poco preoccupati per il destino dello Stato e dei suoi talentuosi sudditi. La vita creativa di Ivan Nikitin si è conclusa tristemente. Durante il regno di Anna Ioannovna, fu arrestato per aver partecipato a un circolo dell'opposizione di Mosca, da cui uscì un opuscolo su Feofan Prokopovich. Trascorse cinque anni nella fortezza, poi, nel 1737, fu picchiato con le fruste ed esiliato in Siberia. Il perdono venne ricevuto dopo il 1742, quando morì la litigiosa imperatrice; ahimè, è troppo tardi.
L'artista esausto e malato non è mai riuscito a tornare a casa: è morto lungo la strada.
L'era dei colpi di stato di palazzo, che quasi buttarono via tutto ciò che era stato realizzato sotto Pietro, terminò nel 1741 con l'ascesa di sua figlia Elisabetta. Dopo aver ricevuto il trono per usurpazione (il giovane imperatore Giovanni Antonovich fu rimosso e imprigionato in una fortezza), decise risolutamente di ristabilire l'ordine nello stato. Come suo padre, si sforzò affinché la Russia prendesse il posto che le spetta tra le potenze europee. Sapeva come trovare e supportare persone di talento provenienti da una varietà di contesti sociali. E, a differenza di suo padre, durante tutto il suo regno non ha firmato una sola condanna a morte.
Non sorprende che in questo momento inizi un forte aumento della cultura nazionale. L'Università di Mosca fu fondata nel 1755, il Teatro Nazionale nel 1756 e l'Accademia delle Arti nel 1757. L'arte artistica russa stava diventando veramente professionale.
Il ruolo principale nella pittura di questo periodo spettava ancora al ritratto. Negli anni Quaranta e Sessanta I. Vishnyakov, A. Antropov, I. Argunov, M. Kolokolnikov, E. Vasilievskij, K. Golovachevskij lavorarono in questa direzione. L'arte del ritratto si è sviluppata in due generi: formale e da camera.
Il ritratto cerimoniale è per molti versi un prodotto dello stile barocco (questa direzione, che ebbe origine nel XVI secolo, dominò allora in Russia) con il suo poderoso sfarzo e la sua cupa grandezza. Il suo compito è mostrare non solo una persona, ma una persona importante in tutto lo splendore della sua elevata posizione sociale. Da qui l'abbondanza di accessori pensati per enfatizzare questa posizione, lo sfarzo teatrale della posa. La modella è raffigurata sullo sfondo di un paesaggio o di un interno, ma sempre in primo piano, spesso a tutta altezza, come se sopprimesse lo spazio circostante con la sua imponenza.
Ivan Visnjakov. Ritratto di M. S. Begichev. 1825 Olio su tela. 92×78,5 cm
Museo V.A. Tropinin e gli artisti moscoviti del suo tempo, Mosca
Fu con i ritratti cerimoniali che uno dei principali ritrattisti dell'epoca, I.Ya., divenne famoso. Vishnyakov (1699-1761). Le sue opere seguono le tradizioni del genere, ma hanno anche una serie di caratteristiche uniche di questo maestro. Prima di tutto, raffinatezza del colore, raffinata eleganza, ornamenti leggeri, cioè caratteristiche caratteristiche dello stile rococò. Particolarmente indicativo a questo proposito è il ritratto della giovane Sarah Eleanor Fermor, dipinto nel 1749 (qualche anno dopo l'artista realizzò anche il ritratto del fratello).
Una ragazza magra, dagli occhi scuri, con una parrucca incipriata e un soffice vestito di raso rigido si congelava sullo sfondo di tendaggi e colonne. È proprio questo contrasto tra fragile giovinezza e decoratività cerimoniale che è impressionante, enfatizzato dall'intera tavolozza argento-rosato dell'immagine, dalle tinte madreperlacee delle pieghe dure, dal motivo sottile che sembra trovarsi leggermente di lato il tessuto - come la brina sul vetro, e il paesaggio trasparente sullo sfondo. Questa tela ricorda un po' un vaso di porcellana fine, che ammiri con paura di toccare per paura che venga danneggiato da un movimento imprudente.
Vishnyakov è il primo dei pittori russi a gravitare così chiaramente verso il lirismo nell'interpretazione delle immagini. Questa linea sarà continuata nelle opere dei suoi contemporanei più giovani e degli artisti della seconda metà del secolo.
Aleksej Antropov. Ritratto di Anna Vasilievna Buturlina. 1763
Tela, olio. 60,3 x 47 cm Galleria Statale Tretyakov
Le opere più significative di ritrattistica del XVIII secolo furono create nel genere dei ritratti da camera piuttosto che in quelli cerimoniali. Il periodo di massimo splendore di questo genere inizia negli anni Quaranta. È caratterizzato da laconicismo, un piccolo numero di dettagli (ognuno dei quali diventa particolarmente significativo, aggiungendo qualcosa alle caratteristiche del modello), di regola, uno sfondo scuro opaco. I maestri della ritrattistica da camera concentrano la loro attenzione principale sul volto rappresentato avvicinamento, notando attentamente le caratteristiche dell'apparenza, ottenendo quanta più somiglianza possibile, cercando di penetrare nel mondo interiore della persona raffigurata.
I principali risultati in questo genere appartengono a due artisti che, insieme a Vishnyakov, sono considerati dagli storici dell'arte i più grandi pittori della metà del XVIII secolo: Antropov e Argunov.
AP Antropov (1716-1795) studiò pittura con il suo parente, Andrei Matveev, uno dei pensionati di Pietro il Grande. Già in gioventù, ha iniziato a lavorare nella squadra di pittura dell'Ufficio degli edifici sotto la guida prima di Matveev, poi di Vishnyakov. Questi maestri hanno avuto una grande influenza su di lui e lui, a sua volta, è stato l'insegnante di Levitsky, le sue opere hanno influenzato il lavoro di Rokotov, e in seguito Borovikovsky e Shchukin. È così che fu realizzata la continuità nella ritrattistica russa, attraversando tutto il XVIII secolo.
I dipinti più famosi di Antropov furono realizzati negli anni Cinquanta e Sessanta. In questo momento, secondo i ricercatori, può essere considerato una figura centrale nella pittura russa. Ritratti dei Buturlin, A.M. Izmailova, M.A. Rumyantseva, A.K. Vorontsova e Ataman Krasnoshchekov sono descritti come persone molto diverse, ma in qualche modo simili: rappresentanti della stessa classe sociale, della stessa epoca. A volte questi dipinti ci fanno ricordare i parsun: a volte (come nelle opere di Vishnyakov) mancano di aria e dinamismo; Le caratteristiche esterne costantemente accurate dei modelli non sono sempre accompagnate da quelle interne.
Tuttavia, dove è presente questa caratteristica, raggiunge una forza impressionante. Come, ad esempio, nel ritratto della dama di stato A.M. Izmailova. Il volto di questa donna di mezza età è nascosto dietro una maschera liscia di bianco e rossetto. È maestoso, pieno di potere imperioso e di serena consapevolezza della propria superiorità. Il pensiero mi viene involontariamente in mente: quanto deve essere difficile per coloro che sono sotto il suo comando. Ma l'artista mostra l'ambiguità della natura umana: guardando più da vicino, notiamo che gli occhi dell'arrogante signora sono più saggi e più dolci di quanto sembrasse a prima vista...
Un altro esempio è il ritratto cerimoniale dell'imperatore Pietro III. Questo principe Holstein fu scelto come successore da Elisabetta senza figli solo per la sua relazione (era suo nipote, nipote di Pietro I), e non per le sue qualità personali, che, ahimè, erano insignificanti. Dopo diversi mesi di regno inglorioso, fu rimosso dal trono da sua moglie, la futura Grande Imperatrice Caterina. Questa insignificanza della personalità è così chiaramente visibile nel ritratto (nonostante sia semplicemente traboccante di drappeggi, ordini, vesti di ermellino e altri attributi di sfarzo e potere) che, francamente, ci si sente dispiaciuti per lo sfortunato imperatore.
Antropov difficilmente si proponeva di sfatare il monarca come suo obiettivo. Lui, come un vero maestro, non poteva mentire. Una precisione così impavida costò all'artista la sua carriera: non divenne mai membro dell'Accademia delle arti di recente apertura.
Con il nome I.P. Argunov (1729-1802) è associato a una pagina speciale nella storia dell'arte russa. È stato un servo per tutta la vita. La servitù della gleba si rafforzò nel XVIII secolo, trasformandosi di fatto in una forma di schiavitù. I nobili della brillante corte imperiale, in competizione tra loro, eressero palazzi lussuosi, fondarono teatri e gallerie d'arte. La creatività di architetti, pittori, musicisti e attori servi era molto richiesta. Cercavano persone di talento e le coltivavano, creavano le condizioni affinché lavorassero, ma per capriccio del maestro potevano facilmente perdere tutto. Anche Argunov si trovava in questa posizione, spesso costretto a distrarsi dal lavoro, sia per copiare quadri che per gestire la proprietà del proprietario.
Ivan Argonov. Nostra Signora. 1753 (?). Tela, olio. 202 x 70,7 cm Museo statale russo
Ivan Argonov. Gesù Cristo. 1753 (?). Tela, olio. 198 x 71 cm Museo statale russo
È anche una fortuna che i suoi proprietari non siano stati i peggiori: conta lo Sheremetev. Ora stiamo parlando di entrambe queste famiglie - gli Sheremetev e gli Argunov - che hanno glorificato i loro nomi nella storia russa: una ha dato alla Russia comandanti e politici, l'altra - architetti e pittori. Gli architetti erano il cugino di Ivan Argunov e suo figlio Pavel, che presero parte alla costruzione dei complessi del palazzo di Kuskovo e Ostankino. Il secondo figlio di Argunov, Nikolai, diventato famoso a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo, divenne ritrattista, come suo padre.
Nel modo creativo di I.P. Argunov è vicino ad Antropov. I suoi ritratti - soprattutto quelli cerimoniali - fanno talvolta pensare anche ai Parsuns. Le persone importanti raffigurate su di loro sono il principe e la principessa Lobanov-Rostovsky, l'ammiraglio generale principe M.M. Golitsyn, i rappresentanti della famiglia Sheremetev e altri guardano immobili lo spettatore, vincolati dal proprio splendore. Come Antropov, Argunov scrive attentamente le trame, ammirando lo scintillio dei tessuti, lo scintillio dei gioielli e le cascate di pizzi ariosi. (L'ammirazione per la bellezza del mondo materiale, notiamo tra l'altro, è caratteristica non solo di questi maestri: questo è uno dei caratteristiche peculiari tutti i dipinti del XVIII secolo.)
Dietro questa brillantezza si nascondono le caratteristiche psicologiche dei modelli, ma ci sono e sono abbastanza accessibili all'occhio di uno spettatore attento. Nei ritratti intimi di Argunov è proprio questa caratteristica a emergere. Questi sono i ritratti di Tolstoj, marito e moglie Khripunov, una contadina sconosciuta e molti altri, raffiguranti persone di status sociale, età e temperamento molto diversi. L'artista scruta i volti di queste persone con attenzione e interesse, notando le più piccole caratteristiche dell'aspetto e del carattere, a volte ammirando apertamente la loro bellezza, soprattutto la loro bellezza interiore (questo è particolarmente evidente nei ritratti di Khripunova e di una contadina sconosciuta in costume russo ).
Ivan Argunov si guadagnò il riconoscimento dei suoi contemporanei sia come artista (non senza motivo, dopo l'ascesa al trono di Caterina II, il Senato gli commissionò un ritratto cerimoniale della giovane imperatrice, di cui lei fu molto soddisfatta), sia come Un insegnante. I suoi studenti erano, oltre a suo figlio Nikolai, K.I. Golovachevskij, I.S. Sablukov, A.P. Losenko - futuri pittori famosi e figure di spicco dell'Accademia delle arti.
Merita una discussione speciale il genere che apparve nell’arte russa negli ultimi anni del regno di Pietro, raggiunse il suo apice nell’era post-petrina e ricevette una sorta di continuazione nella metà e nella seconda metà del secolo.
Stiamo parlando della natura morta.
Questo genere era molto popolare nell'arte europea del XVIII secolo (quando, tra l'altro, nacque il termine stesso). Particolarmente famose sono le lussuose nature morte di artisti fiamminghi e olandesi: lucenti calici di vino, mucchi di frutta e selvaggina morta - una sorta di simbolo di gioia carnale e abbondanza materiale. Il mondo materiale non ha mai smesso di stupire e deliziare i pittori, e anche in Russia, quando lì le belle arti secolari iniziarono a svilupparsi rapidamente.
Le prime nature morte russe furono dipinte da diversi maestri, compresi quelli anonimi. Tra questi, il nome più famoso è Grigory Teplov. Seminarista, allievo di Feofan Prokopovich, poi statista e scienziato, ha creato diversi dipinti originali e a modo loro molto attraenti. Raffigurano cose quotidiane sparse come in disordine casuale su una tavola di legno, sotto la quale è mascherata la tela. Sono dipinti con tanta cura da creare l’illusione della realtà, non per niente i critici d’arte chiamano questo tipo di natura morta “trucchi”.
Un'incisione, un orologio, degli appunti, una bottiglia di medicinale, una penna e un taccuino, cioè in fondo quegli oggetti entrati in uso da poco, sono segni di un nuovo modo di vivere che non è ancora diventato familiare. Questa è la vita di persone guidate da un vivo interesse per il mondo e dalla sete di conoscenza; per il quale una cosa non è solo un oggetto domestico, ma un mistero degno di comprensione. Ecco perché questi dipinti apparentemente privi di arte ne hanno forte energia. Ci fanno sentire insolitamente acuta l'attrattiva di quei tempi lontani. È come se l'"esca" fosse davvero una cosa reale e vivente, che proprio adesso, un attimo fa, è stata toccata dalla mano del suo proprietario scomparso da tempo...
Sono passati parecchi anni - e ora la vita è tornata alla sua solita routine e il pathos dello scopritore è stato sostituito da un festoso rapimento per le gioie della vita. Tale era l'atmosfera della corte elisabettiana: "l'allegra Elisabetta", come la chiamavano i suoi contemporanei. Insieme al barocco, sta diventando di moda lo stile rococò: leggero, giocoso, civettuolo. Le infilate delle sale del palazzo sono decorate con decorazioni stravaganti.
Boris Sukhodolsky. Astronomia. Intorno al 1754. Desudeporte
Tela, olio. 100 x 210 cm Galleria Statale Tretyakov
Fu allora che nell'arte russa si sviluppò un tipo unico di natura morta - desudéportes, o pannelli di porte. Raffiguravano vasi, fiori e frutti, paesaggi squisiti, tendaggi e ornamenti. Progettati per decorare e armonizzare gli interni, raramente possono essere considerati opere d'arte indipendenti, al di fuori delle soluzioni architettoniche generali e, come si direbbe ora, di design dello spazio. Allo stesso tempo, venivano eseguiti, di regola, a un livello molto alto.
Nella formazione dei maestri che lavorano in questo settore, un ruolo importante è stato svolto da un'istituzione come il già citato Ufficio delle costruzioni di San Pietroburgo, che aveva gruppi di architettura e di pittura. Gli artisti del gruppo di pittori hanno eseguito numerosi ordini per dipingere palazzi, chiese, edifici trionfali e festivi. Tra questi spiccavano maestri come Ivan Firsov, i fratelli Alexey e Ivan Belsky e Boris Sukhodolsky.
Le opere di Firsov e A. Belsky sono decisamente decorative; Quando raffiguravano vasi, frutti e tendaggi, non si sforzavano affatto di farli sembrare reali. Gli interni decorati con le opere di questi maestri acquisirono completezza e brillantezza.
Sukhodolsky vedeva il suo compito in modo leggermente diverso. Le sue desudéportes sono, di regola, paesaggi. Integrati ad arte negli interni, vengono tuttavia percepiti completamente separatamente. Giardini e parchi in stile tardo barocco - con vegetazione minacciosa, grotte, rovine e fontane, decorati con statue nello spirito antico e busti di grandi personaggi. Tali giardini erano molto popolari nel XVIII secolo; alcuni di essi, ad esempio il famoso parco di Pavlovsk, sono sopravvissuti fino ad oggi. In questo parco, tra l'altro, sotto Caterina II c'erano speciali biblioteche da giardino: guardando i busti dei grandi, è così gratificante impegnarsi in letture serie e riflessioni sul sublime. Possiamo anche vedere figure di persone che leggono sui pannelli di Sukhodolsky (ad esempio, "Camminata", 1754 circa).
“Falseaux” e desudeportes potrebbero non sembrare un argomento molto serio da considerare accanto agli alti risultati della ritrattistica, della storia e della pittura di genere.
Ma senza di loro l’idea dell’arte XVIII secolo sarebbe incompleto. Sono strettamente legati al tempo che li ha generati. Forse non sarebbe esagerato affermare che racchiudono l'anima di questo tempo, il suo fascino unico.
Ivan Sablukov. Ritratto di Caterina II. 1770 Olio su tela. 85×65,5 centimetri
Nel 1762, il trono russo fu occupato dall'ex principessa tedesca Sophia Frederica, l'imperatrice Caterina II. Con l'aiuto della guardia rovesciò il marito, incapace né di governare lo stato né di mantenere almeno un certo prestigio alla corte imperiale. Il “secolo delle donne”, come viene talvolta chiamato il XVIII secolo, continuò e raggiunse il suo apice.
Fu sotto Caterina che la Russia divenne una vera grande potenza. I successi hanno accompagnato il suo esercito e la sua diplomazia. Furono annesse nuove terre, tra cui la regione del Mar Nero settentrionale, la Crimea e il Caucaso settentrionale; I confini dell'impero si spostarono molto a sud e ad ovest. In Europa la Russia era considerata un alleato desiderabile e un nemico molto pericoloso;
i conflitti riguardanti i paesi europei non potrebbero essere risolti senza la sua partecipazione.
La politica interna di Catherine fu decisiva e dura. Ha scelto Pietro I come esempio per se stessa (per suo ordine, il famoso monumento gli è stato eretto sulla piazza del Palazzo di San Pietroburgo). Rafforzando le basi di una monarchia assoluta, concesse privilegi alla nobiltà - il suo principale sostegno - e rafforzò la schiavitù dei contadini. Essendo una fan dell'Illuminismo francese, lei, per evitare che le basi dello Stato venissero minate (con l'inizio della rivoluzione in Francia, questo compito divenne particolarmente urgente!), perseguitò il libero pensiero e represse senza pietà le rivolte contadine.
Catherine, come Peter ed Elizabeth, sapeva apprezzare il talento. Suvorov, Dashkova, Potemkin, Ushakov, Derzhavin sono solo una piccola parte della costellazione di nomi che hanno glorificato il suo tempo. Anche i nomi brillanti dei pittori russi sono intrecciati in questa costellazione.
Ivan Sablukov. Ritratto della contessa L.N. Kusheleva. 1770. Tela, olio. 65 x 50 cm
Museo statale d'arte di Nizhny Novgorod
La pittura russa, come la cultura nel suo insieme, in questo periodo fu fortemente influenzata dalle idee dell'Illuminismo. Questo movimento socio-filosofico, la cui culla fu la Francia, si basava sul culto della ragione, capace di comprendere il mondo e trasformarlo secondo i principi di giustizia, opportunità e progresso. Per gli illuministi tutti questi concetti erano chiaramente positivi. Ciò che ostacolava il progresso era da condannare; l'irrazionale e l'inspiegabile erano considerati falsi.
Il classicismo divenne l'espressione di queste idee nell'arte. Basato sulla percezione dell'antichità come ideale, questo movimento, al contrario del barocco e del rococò, si batteva per la chiarezza e la rigorosa semplicità. La bellezza è quantificabile: questo è il credo del classicismo. Ci sono leggi, osservando rigorosamente le quali puoi creare un'opera d'arte perfetta. Questo, da un lato, è accuratezza, proporzionalità, unità delle parti; d'altra parte, "il pubblico è più alto del personale", "il dovere è più alto dell'amore".
In Francia, artisti, drammaturghi e architetti seguirono i principi del classicismo già nel XVII secolo, molto prima dell'Illuminismo; In Russia, il periodo di massimo splendore dell'arte classicista avvenne nella seconda metà del XVIII secolo. Un ruolo importante in questo è stato svolto dalle attività dell'Accademia delle arti, fondata nel 1757 a San Pietroburgo.
L'importanza dell'Accademia nella storia dell'arte russa è estremamente grande. Per molti decenni è rimasta l'unica istituzione educativa artistica superiore in Russia. Ottenuto lo status imperiale nel 1764, rimase sotto la costante tutela delle autorità, che da un lato gli davano l'opportunità di pagare lunghi viaggi d'affari all'estero per i migliori studenti e, dall'altro, di limitare "ideologici confusione e indecisione”.
Kirill Golovochevskij. Ritratto della contessa Sofia Dmitrievna Matyushkina da bambina. 1763.
Tela, olio. 61,2 x 47,5 cm Galleria statale Tretyakov
Anton Losenko. Ritratto del poeta e drammaturgo Alexander Petrovich Sumarokov
Tela, olio. 74 x 64,5 cm Museo statale russo
Il sistema di ammissione degli studenti era, tuttavia, abbastanza democratico e svincolato da formalità. Tre studenti dell'I.P. furono tra i primi ad entrare nell'Accademia. Argunova-Losenko, Sablukov e Golovachevskij. Possedendo una buona formazione, non solo hanno studiato, ma hanno anche aiutato gli insegnanti a insegnare in classi accademiche e un tempo hanno anche diretto corsi di pittura.
L'insegnamento all'Accademia si basava, ovviamente, sui principi del classicismo. Ai giovani che studiavano veniva instillata l'idea della necessità di affidarsi all'esperienza del passato, del valore delle tradizioni, soprattutto di quelle antiche. L'arte, hanno spiegato gli insegnanti, dovrebbe tendere a un ideale al quale la vita circostante, ahimè, corrisponde poco. Tuttavia contiene anche modelli ideali; un buon artista li identificherà e presenterà la natura su tela corretta, come dovrebbe essere.
Considerati tali principi, non sorprende che gli accademici abbiano posto il genere storico al primo posto nella pittura (anche i soggetti biblici, leggendari e mitologici erano considerati storici). Dopo l'apertura dell'Accademia, questo genere cominciò a fiorire nell'arte russa.
Tra gli studenti dell'I.P. Argunov, entrato all'Accademia delle arti, A.P. ha ottenuto il più grande successo creativo. Losenko. Si dimostrò uno straordinario ritrattista: per lui posarono Sumarokov, Ivan Shuvalov e il fondatore del teatro russo Fyodor Volkov. Ma prima di tutto lo conosciamo e lo apprezziamo come pittore storico, il fondatore di questo genere nell'arte russa.
Figlio orfano di un piccolo contadino russo, Anton Losenko è riuscito a farsi strada nella vita esclusivamente grazie al suo talento. Nella sua prima giovinezza cantò nel coro di corte, da lì divenne allievo di Argunov. Poi fu mandato all'Accademia. Si è sempre distinto per l'osservazione, la vivace curiosità e l'avido desiderio di conoscenza. Mentre era all'estero (negli anni Sessanta visitò due volte Parigi, poi Roma), Losenko tenne un "Diario delle opere notevoli di pittura e scultura che ho notato", dove analizzò attentamente le sue impressioni sulle opere dei grandi maestri europei: Raffaello, Rubens, Rembrandt, Poussin, ha studiato monumenti antichi, determinando il proprio percorso nell'arte.
Anton Losenko. Morte di Adone. 1764 Olio su tela. 77,6×105,2 cm
Anton Losenko. Zeus e Teti. 1769
Tela, olio. 172 x 126 cm Museo statale russo
E successivamente, mentre insegnava ai giovani artisti dell'Accademia, non ha mai smesso di imparare da solo. Si adoperò per una perfetta padronanza della tecnica, una conoscenza precisa dell'anatomia e della prospettiva. I suoi disegni sono considerati una delle conquiste più alte della grafica del Settecento; per lungo tempo servirono da modello agli studenti dell'Accademia nei corsi di disegno. Il primo manuale di anatomia plastica da lui compilato in Russia - "Spiegazione di una breve proporzione di una persona ... a beneficio dei giovani che praticano il disegno ..." - è stato utilizzato anche all'Accademia per diversi decenni.
I principi artistici di Losenko furono determinati entro la fine degli anni Sessanta. La chiara logica del classicismo sembrava a quel tempo una boccata d'aria fresca sullo sfondo di pretenziosità decorativa e sovraccarico di allegorie del tardo barocco e rococò, nello spirito del quale lavoravano gli artisti stranieri invitati in Russia in quel momento (ad esempio, S Torelli e F. Fontainebasso). Nel 1768, Losenko dipinse due "figure accademiche delle dimensioni di una persona comune" - studi del corpo nudo, convenzionalmente chiamati "Caino" e "Abele", e un anno dopo - il dipinto "Zeus e Teti". In queste opere si dichiarò per la prima volta un artista del movimento classicista.
Le migliori opere di Losenko sono dipinti di genere storico, scritti su un tema antico e, soprattutto, storia nazionale. Nel 1770 espose all'Accademia il dipinto “Vladimiro e Rogneda”. La sua trama è basata sugli eventi del lontano X secolo, descritti in The Tale of Bygone Years. Vladimir, il futuro granduca di Kiev, corteggiò la principessa di Polotsk Rogneda e, dopo aver ricevuto un rifiuto, la catturò con la forza dopo aver sconfitto Polotsk e ucciso suo padre e i suoi fratelli. Il ricorso ad una trama della storia russa era innovativo e allo stesso tempo molto indicativo della seconda metà del XVIII secolo, quando Società russa in condizioni di ripresa nazionale, le persone iniziarono a realizzare il significato e la grandezza del loro passato storico. Gli eroi delle cronache e delle leggende erano alla pari con personaggi antichi e biblici, dimostrando lo stesso esempio di forti passioni e sentimenti elevati.
Anton Losenko. Abramo sacrifica suo figlio Isacco. 1765
Tela, olio. 202 x 157 cm Museo statale russo
Anton Losenko. Meravigliosa cattura di pesce. 1762
Tela, olio. 159,5 x 194 cm Museo statale russo
Nella foto, Vladimir non appare come un crudele conquistatore. È innamorato e depresso dal dolore della sua amata donna, che lui stesso le ha causato. Arbitrarietà e amore sono compatibili? La storia, che Losenko conosceva bene, fornì la risposta: Vladimir e Rogneda vissero un matrimonio prospero per molti anni... finché il principe la lasciò per amore di una principessa bizantina, che dovette sposare per motivi politici.
Tre anni dopo, l'artista ha presentato al pubblico un altro dipinto su un tema storico: "L'addio di Ettore ad Andromaca", una complessa composizione a più figure, eseguita con brillantezza professionale e glorificando il sacrificio di sé nel nome della Patria.
Dopo Losenko, un'intera galassia di pittori storici entrò nell'arte russa, la maggior parte dei quali erano suoi studenti: I. Akimov, P. Sokolov, G. Ugryumov, M. Puchinov. Tutti si distinguono per l'alto livello di abilità: disegno raffinato, fluidità nel colore, nella luce e nell'ombra, e nell'uso delle tecniche compositive più complesse.
Questa abilità fa una grande impressione nel dipinto del diciannovenne Akimov “Il granduca Svyatoslav che bacia sua madre e i suoi figli al ritorno dal Danubio a Kiev”, scritto sotto la grande influenza di un insegnante, ma a livello professionale di un artista pienamente maturo. Successivamente, I.A. Akimov (1754-1814) creò una serie di dipinti, principalmente su temi mitologici (ad esempio, "L'autoimmolazione di Ercole"), insegnò a lungo all'Accademia e un tempo la diresse. Nel 1804 scrisse uno dei primi saggi sull'arte russa: "Brevi informazioni storiche su alcuni artisti russi".
Tra le opere di P.I. Sokolov (1753-1791) è particolarmente interessante nel dipinto “Mercurio e Argo”, in cui si contrappongono le figure di un potente uomo forte fiduciosamente dormiente e l'insidioso astuto Mercurio, che sta per colpirlo con una spada. Sokolov è anche conosciuto come uno dei migliori disegnatori accademici: le sue raffigurazioni di soggetti con matita e gesso italiani su carta colorata sono considerate dai critici d'arte tra i più alti risultati della grafica russa del XVIII secolo.
Le opere di M. Puchinov (1716-1797) si distinguono per una maggiore decoratività, che deriva dalla pittura russa della metà del secolo ed è generalmente insolita nell'arte del classicismo. Un esempio di una composizione così decorativa e ricca di colori è il dipinto “Un incontro di Alessandro Magno con Diogene”, raffigurante un incontro con il filosofo Alessandro Magno, per il quale ricevette il titolo di accademico nel 1762.
Ivan Akimov. Prometeo fa una statua su ordine di Minerva. 1775
Tela, olio. 125 x 93 cm Museo statale russo
Ivan Akimov. Saturno con una falce, seduto su una pietra e che taglia le ali di Cupido. 1802
Tela, olio. 44,5 x 36,6 cm Galleria Statale Tretyakov
Matvej Puchinov. Incontro di Alessandro Magno con Diogene
Olio su tela 217 x 148 cm Museo Statale Russo
Un ruolo speciale nello sviluppo della pittura storica russa è stato svolto da G.I. Ugrjumov (1764-1823). Era innamorato della storia russa e da essa traeva soggetti per i suoi dipinti. Dipinse principalmente tele di grandi dimensioni a più figure dedicate a personaggi importanti eventi storici, riempiendoli di idee vicine alla società russa all'inizio del secolo. Ad esempio, nel dipinto “La chiamata di Mikhail Fedorovich allo zar il 14 marzo 1613” (entro e non oltre il 1800), sviluppa il tema del potere come dovere e onere, rilevante in ogni momento. Il giovane Mikhail, sebbene non fiducioso nelle sue capacità, obbedisce alla volontà del popolo che lo ha eletto al regno, perché si sente responsabile davanti al popolo e alla Patria.
Gli eroi di Ugryumov potevano diventare non solo sovrani e generali ("L'ingresso cerimoniale di Alexander Nevsky nella città di Pskov dopo la sua vittoria sui tedeschi", "La cattura di Kazan"), ma anche gente semplice, come il leggendario Kyiv kozhemyaki Yan Usmar (“Prova della forza di Yan Usmar”). I suoi dipinti sono caratterizzati, oltre al contenuto semantico, da soluzioni compositive espressive, colori ricchi e un brillante gioco di chiaroscuro.
Ugryumov divenne insegnante di pittura storica all'Accademia all'inizio degli anni Novanta (poco dopo essersi diplomato) e rimase tale per più di vent'anni. Ha migliorato il metodo di insegnamento del disegno, rendendolo più libero e più vicino alla natura. Si deve in gran parte a lui l’ottima formazione tecnica che l’Accademia assicurò ai suoi allievi nel secolo successivo.
Grigorij Ugrjumov. La chiamata al trono di Mikhail Fedorovich Romanov il 14 marzo 1613. Non oltre le 18.00
Tela, olio. 510 x 393 cm Museo statale russo
Grigorij Ugrjumov. Cattura di Kazan il 2 ottobre 1552 Entro e non oltre il 1800. Olio su tela. 510 x 380 cm
Museo Nazionale d'Arte della Repubblica di Bielorussia, Minsk
Grigorij Ugrjumov. L'ingresso cerimoniale di Alexander Nevsky nella città di Pskov dopo la sua vittoria sui tedeschi. 1793 (1794?). Olio su tela 197,5×313,5 cm Museo Statale Russo
Grigorij Ugrjumov. Prova di forza di Jan Usmar 1796 (1797?)
Olio su tela 283 x 404 cm Museo Statale Russo
La seconda metà del XVIII secolo fu il periodo del forte aumento della ritrattistica russa. Sta arrivando una nuova generazione di maestri, con nuove idee e idee su come dovrebbe essere un ritratto. Il classicismo li influenza, ma in misura molto minore rispetto ai pittori storici. Spinti da un vivo interesse per la personalità umana, si sforzano di mostrarla nel modo più profondo e completo possibile. La tipologia della ritrattistica si amplia: ai ritratti formali e da camera già esistenti si aggiungono quelli in costume e quelli mitologici. La cerchia sociale dei modelli è in aumento - e, cosa tipica, principalmente a causa di persone con lavori creativi che si sono guadagnate fama per il loro talento e conoscenza, e non per l'origine elevata. L'arte della ritrattistica cessa di essere elitaria e va oltre le capitali: anche gli abitanti delle province russe vogliono immortalarsi per i posteri e, grazie agli sforzi di numerosi pittori provinciali, si sta creando un'ampia galleria di immagini; materiale più interessante per critici e storici dell'arte.
In una parola, l'arte della ritrattistica può tranquillamente essere definita l'apice della pittura russa della seconda metà del secolo. A questo vertice ci sono innanzitutto due nomi: Rokotov e Levitsky.
Rokotov e Levitskij. Chiunque abbia mai visto i ritratti da loro creati rimarrà per sempre affascinato dal loro incantesimo. Così simili e così diversi. Il grazioso Levitsky, che gioca con le immagini, usa generosamente dettagli, allegorie, angoli: a volte non è contrario a prendere in giro i suoi modelli, sebbene abbia un atteggiamento completamente amorevole nei loro confronti. E il misterioso Rokotov: i volti nei suoi dipinti emergono dal vago crepuscolo, eccitano e attraggono in modo insolito... Nonostante l'apparente monotonia delle sue tecniche, raggiunge una sorprendente profondità psicologica e il potere dell'impatto emotivo. Gli storici dell'arte a volte confrontano questi artisti con altri due grandi ritrattisti: gli inglesi Reynolds e Gainsborough. In effetti, i paralleli sono evidenti. Naturalmente non stiamo parlando di influenze o prestiti. Questa è intimità interiore. Stessa epoca, simile processi storici... Le persone che vivono in diverse parti d'Europa spesso scoprono molto più in comune di quanto per qualche motivo comunemente si creda.
Noi. 65:
Fedor Rokotov. Ritratto di Praskovya Nikolaevna Lanskaya. Primi anni 1790. Tela, olio. 74 x 53 cm (opale). Galleria statale Tretyakov
Fedor Rokotov. Ritratto di Varvara Ermolaevna Novosiltseva. 1780 Olio su tela. 70,5 x 59 cm (ovale). Galleria statale Tretyakov
Non sappiamo molto della vita di Fyodor Stepanovich Rokotov. La data della sua nascita è controversa: 1732 o 1735; e forse il 1736 (l'artista morì nel 1808). È noto che è nato in una famiglia di servi e ha ricevuto la libertà dopo aver iniziato a dipingere. Raggiunse presto la fama: alla fine degli anni Cinquanta, quando era ancora lontano dai trent'anni, gli fu commissionato un ritratto cerimoniale del granduca Pietro Fedorovich (il futuro Pietro III). Allo stesso tempo, dipinse un dipinto insolito per il suo lavoro: uno dei primi interni russi, “L'ufficio di I.I. Shuvalov." Questo non è solo un interno, è una sorta di “ritratto senza modello” (tuttavia vediamo ancora Shuvalov: il suo ritratto di J.-L. de Velli è appeso al muro del suo ufficio). Il conte Ivan Shuvalov non era solo grande statista, ma anche una delle persone più istruite del suo tempo, fondatore dell'Università di Mosca, intenditore e intenditore d'arte. Il dipinto di Rokotov, che riproduce con accuratezza documentale l’arredamento del suo ufficio, ne resuscita l’atmosfera, aiutandoci a comprendere meglio quest’uomo straordinario.
Fino alla metà degli anni Sessanta Rokotov visse a San Pietroburgo. Già allora aveva così tanti ordini che, nonostante lavorasse molto velocemente, i dettagli minori dei ritratti dovevano essere completati dai suoi studenti. Uno dei suoi contemporanei scrisse con gioia del magnifico ritratto di A.P. Sumarokov, creato in sole tre sessioni: “... tu, quasi per gioco, hai segnato solo l'aspetto del suo viso e l'acutezza della sua visione (sguardo), in quell'ora la sua anima ardente, con tutta la sua tenerezza di cuore, non nascondi asya sulla tela animata da te...”.
Fedor Rokotov. Ritratto di Varvara Nikolaevna Surovtseva. Seconda metà degli anni Ottanta del Settecento.
Tela, olio. 67,5 x 52 cm (ovale). Museo statale russo
Fedor Rokotov. Ritratto di Agrafena (Agrippina?) Mikhailovna Pisareva (?),
nata Durasova. Prima metà degli anni novanta del Settecento.
Tela, olio. 63,5 x 49,5 cm (ovale). Museo statale russo
Fedor Rokotov. Ritratto della contessa Elizaveta Vasilievna Santi, nata Lachinova. 1785
Tela, olio. 72,5 x 56 cm (ovale). Museo statale russo
Molto bello il ritratto del granduca Pavel Petrovich, dipinto nel 1761. Quest'uomo, qualche decennio dopo, sarebbe diventato un misterioso imperatore russo dal carattere incomprensibile e dal destino tragico. Per ora è semplice un ragazzino, vivace e capriccioso; Il fascino dell'infanzia è enfatizzato dalla calda combinazione di toni dorati e rossi, su cui è costruito il colore dell'immagine.
Intorno al 1766 l'artista si trasferì a Mosca. Lì, negli anni Sessanta e Ottanta, furono scritte le sue opere migliori: ritratti di V.I. Maykova, A.I. Vorontsova, A.M. Obreskova, A.Yu. Kvashina-Samarina, V.E. Novoseltseva, P.N. Lanskoy, E.V. Santi, marito e moglie Struisky e Surovtsev e molti altri. Ha scritto in un rigoroso stile da camera, mostrando nel tempo una crescente affinità per la semplicità classicista. Dettagli minimi, semplice sfondo scuro. Tutta l'attenzione dello spettatore è catturata dal volto della modella. Questi volti sono molto diversi; quello che hanno in comune è che sono tutti spirituali. Rokotov non dipingeva persone superficiali, o meglio, riusciva a discernere la loro profondità in tutti coloro che posavano per lui. Occhi vivi ci guardano, ora con beffa, ora con tristezza, ora con dolorosa ansia. Racchiudono sempre un segreto, un enigma di una vita a noi sconosciuta. L'incapacità di risolverlo la preoccupa, la fa cercare ancora e ancora...
Forse il poeta Nikolai Zabolotsky ha detto meglio di questo effetto ipnotico che i ritratti di Rokotov hanno sullo spettatore:
...Ricordi come, dall'oscurità del passato,
Appena avvolto nel raso,
Ancora una volta dal ritratto di Rokotov
Struyskaya ci stava guardando?
I suoi occhi sono come due nebbie,
Metà sorriso, metà pianto,
I suoi occhi sono come due inganni,
Fallimenti coperti dall'oscurità.
Una combinazione di due misteri
Metà gioia, metà paura,
Un impeto di folle tenerezza,
Anticipazione del dolore mortale...
(Dalla poesia “Ritratto”, 1954).
Dmitry Grigorievich Levitsky (1735-1822) nacque e trascorse nei primi anni in Ucraina. L'arte lo accompagna fin dall'infanzia: suo padre, prete, era appassionato di incisione ed era considerato uno dei migliori incisori ucraini. Tuttavia, è difficile dire come si sarebbe sviluppato il destino di Levitsky se non fosse stato per l'incontro con A.P. Antropov, che venne a Kiev per supervisionare i lavori di pittura nella chiesa di Sant'Andrea. Antropov notò il talento di Dmitrij e lo assunse come studente.
Levitsky ha imparato molto dal suo insegnante. Innanzitutto la capacità di dare una descrizione accurata e definita della persona ritratta. Ma è andato molto oltre Antropov, riempiendo le sue opere di profondità, inserendovi umanesimo e ampiezza di visione, che lo hanno reso simile a Rokotov.
Dipinge i primi dipinti che ci permettono di parlare di Levitsky come artista maturo a cavallo tra gli anni Sessanta e Settanta. Questi sono i ritratti di A.F. Kokorinov (famoso architetto, costruttore dell'edificio dell'Accademia delle arti) e N.A. Sezemova. Nel ritratto di Sezemov si nota l'aspetto insolito della persona raffigurata nell'arte di quel tempo, originaria dei contadini. Estremamente interessante è anche il ritratto di Denis Diderot, dipinto nel 1773, quando il filosofo francese venne a San Pietroburgo.
Nello stesso 1773 Levitsky ricevette un grosso ordine da Caterina II. Fino al 1776, il suo lavoro continuò su “Smolyanka” - una serie di ritratti di studenti dell'Istituto Smolny, lo stesso che avrebbe glorificato il suo nome per sempre, anche se non avesse dipinto nient'altro. L'impressione generale che si ha guardando questi meravigliosi ritratti uno dopo l'altro può essere espressa in poche parole: felicità, gioia, celebrazione! Queste ragazze astute in costumi teatrali, che recitano timidamente scene pastorali davanti all'artista, sono semplicemente miracolosamente buone. È qui che il nativo della soleggiata Piccola Russia ha dato libero sfogo al suo amore per la vita, all'ottimismo e all'ammirazione per il fatto stesso dell'esistenza. Ogni ritratto è un'opera indipendente, ogni donna di Smolensk ha il suo carattere. Ma tutti insieme formano una meravigliosa unità semantica e stilistica, e con non meno estasi dei loro volti, l'artista dipinge i loro abiti, trasmettendo magistralmente le caratteristiche dei tessuti: seta e raso, velluto, pizzo e broccato.
Ed ecco un altro bellissimo dipinto, dipinto nello stesso 1773. In esso, Levitsky ha mostrato non solo abilità e senso dell'umorismo, ma anche, forse, un coraggio straordinario. Questo è un ritratto del famoso allevatore P.A. Demidova. Il ritratto è cerimoniale: Demidov è raffigurato in una posa orgogliosa, in piena crescita, dietro la sua schiena, come dovrebbe essere, ci sono colonne e drappeggi. Tuttavia, non indossa un'uniforme con ordini, ma un berretto da casa e una vestaglia e si appoggia non a qualche tomo o busto di un grande artista, ma a un annaffiatoio. Un gesto regale della mano è rivolto ai vasi da fiori: eccolo, la realizzazione principale e il lavoro di una vita! Il significato ironico del ritratto, ovviamente, non sta semplicemente nell'immergere la modella in un ambiente domestico: una tecnica del genere, riscontrata più di una volta nella ritrattistica del XVIII secolo, non farebbe altro che aggiungere sincerità e calore all'immagine. Ma è proprio la combinazione dell'incongruo che aiuta a dare una descrizione incredibilmente accurata di Demidov, che aveva, da un lato, una mente straordinaria e, dall'altro, un carattere molto bizzarro con segni pronunciati di assurda tirannia.
Questa precisione delle caratteristiche è caratteristica di tutti i ritratti di Levitsky. Sa perfettamente come notare la cosa principale in una persona e creare un approccio olistico immagine luminosa. E non tratta mai il suo modello con fredda obiettività. Se gli piace una persona, dipinge un'immagine che irradia calore (ritratti di M.A. Dyakova-Lvova, il padre dell'artista e sua figlia, il marito e la moglie dei Bakunin e altri).
Dmitrij Levitskij. Ritratto di un prete (G.K. Levitsky?). 1779
Tela, olio. 71,2 x 58 cm Galleria Statale Tretyakov
Dmitrij Levitskij. Ritratto dell'architetto Alexander Filippovich Kokorinov. 1769
Dmitrij Levitskij. Ritratto degli alunni della Società Educativa Imperiale delle nobili fanciulle Feodosia Stepanovna Rzhevskaya e Nastasya Mikhailovna Davydova. 1772
Tela, olio. 161 x 103 cm Museo statale russo
Dmitrij Levitskij. Ritratto di un'allieva della Società Educativa Imperiale per Nobili Fanciulle Ekaterina Ivanovna Nelidova 1773.
Olio su tela 164 x 106 cm Museo Statale Russo
Dmitrij Levitskij. Ritratto di un'allieva della Società Educativa Imperiale per Nobili Fanciulle Ekaterina Ivanovna
Molchanova. 1776. Olio su tela. 181,5 x 142,5 cm Museo statale russo
Dmitrij Levitskij. Ritratto di Natalya Semyonovna, allieva della Società educativa imperiale per nobili fanciulle
Borschova. 1776. Olio su tela. 196,5 x 134,5 cm Museo statale russo
Dmitrij Levitskij. Ritratto di Ivan Logginovich Golenishchev-Kutuzov
Tela, olio. 80,3 x 63,2 cm Stato Museo storico, Mosca
Dmitrij Levitskij. Ritratto di Alexander Vasilyevich Suvorov. 1786
Tela, olio. 80,5 x 62,5 cm Museo di V.A. Tropinin e gli artisti moscoviti del suo tempo, Mosca
Dmitrij Levitskij. Ritratto di Anna Stepanovna Protasova, ex damigella d'onore di Caterina II. 1800
Tela, olio. 81,5 x 64,5 cm Museo statale russo
Dmitrij Levitskij. Ritratto di Caterina II. Intorno al 1782
Tela, olio. Museo-Riserva statale "Pavlovsk"
Pietro Droždin. Ritratto di Caterina II. 1796
Tela, olio. 251 x 187 cm Galleria Statale Tretyakov
Ermolai Kamezhenkov. Ritratto di un membro onorario dell'Accademia delle arti, il pittore Johann Friedrich Groth. 1780
Tela, olio. 134 x 102 cm Museo statale russo
Ma la brillantezza esterna più abbagliante non può fargli nascondere l'arroganza, l'insensibilità o l'inganno laddove li nota (ad esempio, nei ritratti di Ursula Mnischek e Anna Davia).
Tuttavia, tra le opere di Levitsky ce n’è una in cui non si permette di mostrare alcun pregiudizio artistico. Stiamo parlando del famoso ritratto di Caterina II (la prima versione fu realizzata nel 1783). Qui dovette affrontare un compito ben definito: creare l'immagine di un'imperatrice-legislatrice, l'incarnazione dell'idea di una monarchia illuminata. Questa idea era popolare nella società di quel tempo. Lo stesso Levitsky lo ha condiviso, motivo per cui è stato in grado di creare questa tela con tale brillantezza, come un'ode solenne, nello spirito di "Felitsa" di Derzhavin.
Per più di quindici anni (dal 1771 al 1787) Levitsky insegnò ritrattistica all'Accademia delle arti. Il suo allievo fu il meraviglioso ritrattista Shchukin, che apparteneva alla generazione successiva di artisti russi. Naturalmente, la sua influenza non è stata avvertita solo da coloro a cui ha insegnato pittura. Possiamo parlare di un'intera cerchia di artisti dell'epoca che erano vicini a Levitsky nello stile e nelle opinioni sulla ritrattistica.
Prima di tutto, questo è P.S. Drozhdin (1745-1805), che, oltre a Levitsky, studiò anche con Antropov e dipinse nel 1776 un quadro molto caldo e psicologicamente accurato raffigurante Antropov con suo figlio davanti al ritratto di sua moglie. Sono noti anche i suoi ritratti di un giovane con un caftano blu (1775), un Tverite (1779) e numerosi altri, che costituiscono una galleria di personaggi umani molto diversi.
Impossibile non citare E.D. Kamezhenkov (1760-1818), le cui opere migliori ("Ritratto di uno sconosciuto in veste lilla", "Autoritratto con sua figlia Alexandra", ritratti di sua figlia con una tata, I.F. Grot) lo caratterizzano anche come artista della cerchia di Levitskij.
Michail Shibanov. Pranzo contadino. 1774
Tela, olio. 103 x 120 cm Galleria Statale Tretyakov
Naturalmente non abbiamo elencato tutti i ritrattisti che lavorarono in Russia ai tempi di Caterina. Ce n'erano molti nelle capitali e nelle province. Compresi artisti stranieri che, con maggiore o minore successo, si inseriscono nel quadro generale della pittura russa (ad esempio, possiamo citare K. Khristinek, che è vicino nel suo stile a Rokotov). L'arte del ritratto ha continuato a svilupparsi continuamente. Negli anni Novanta del XVIII secolo aveva raggiunto una nuova fase.
A differenza del ritratto, il genere quotidiano stava emergendo solo nel XVIII secolo. Il suo periodo di massimo splendore sarebbe arrivato nel secolo successivo, noto per le sue tendenze democratiche. Nel frattempo gli artisti che apprezzavano la bellezza della vita quotidiana cercavano nuovi temi e soggetti e guardavano con cauta curiosità le prospettive che si aprivano.
Fu loro rivelata la vita della gente comune, soprattutto dei contadini.
Il problema contadino in Russia è sempre stato acuto. Soprattutto dopo la devastante guerra di Pugachev. La società colta, però, non voleva vedere nei contadini solo ladri o produttori di ricchezza materiale senza volto e senza potere. In lui nacque la consapevolezza che questo era il popolo russo. Da qui il risvegliato interesse per la vita contadina, i costumi, i riti e le tradizioni. Per molti aspetti aveva anche, per così dire, un carattere etnografico: la nobiltà russa (la società colta del XVIII secolo era, come sappiamo, quasi esclusivamente nobile) conobbe un lato della vita che le era praticamente sconosciuto.
Alla luce di questo interesse, consideriamo il lavoro del fondatore del genere quotidiano nella pittura russa, Mikhail Shibanov.
Non sappiamo praticamente nulla della sua vita, tranne le sue origini da servo della gleba (forse il principe Potemkin) e il fatto che scrisse le sue opere migliori negli anni Settanta. E il lavoro è magnifico. Dipinti come “Cena contadina”, “Cospirazione” e soprattutto “Celebrazione del contratto di matrimonio” ci permettono di collocarlo tra i migliori artisti del suo tempo. Naturalmente conosceva molto bene la vita che raffigurava nei suoi dipinti. Sul retro di uno di essi è indicato che rappresenta i “contadini della provincia di Suzdal” ed è scritto “nella stessa provincia, nel villaggio di Tatarov”. I costumi russi, quotidiani e festivi, sono splendidamente raffigurati sulle tele e i dettagli della vita quotidiana sono mostrati in modo affidabile. Ma la cosa principale di Shibanov è la sua faccia. Sono completamente vivi. Che varietà di personaggi e stati d'animo! E il volto della vecchia donna de “La celebrazione del contratto di matrimonio” è, a nostro avviso, semplicemente un vero capolavoro.
Michail Shibanov. Ritratto del conte A.M. Dmitrieva-Mamonova. 1787
Tela, olio. Museo statale d'arte di Nizhny Novgorod
Mikhail Shibanov Ritratto di Caterina II. 1787. Olio su tela. 70 x 59 cm
Palazzo di Stato e Parco Museo-Riserva "Gatchina"
La maestria della caratterizzazione di Shibanov si è manifestata non solo nella pittura di tutti i giorni. Dipinse diversi ritratti brillanti: Caterina II in abito da viaggio, il suo preferito A.M. Dmitriev-Mamonov, Spiridonov, Nesterov. Ma è entrato nella storia dell'arte russa, ovviamente, come pioniere dei temi popolari.
Su questo argomento ha lavorato I. Ermenev (1746 - dopo il 1789), acquarellista e grafico, figlio di uno sposo, diplomato all'Accademia delle arti ed è noto per aver partecipato alla presa della Bastiglia il 14 luglio 1789 in un modo completamente diverso. Della sua opera è rimasto ben poco: alcuni fogli grafici, tra cui un'insolita serie raffigurante immagini di contadini. Potrebbe intitolarsi "Mendicanti". Sono i mendicanti quelli raffigurati da Ermenev diverse opzioni e gli angoli, in una peculiare maniera monumentale-grottesca. Quando guardi i fogli della serie, hai l'impressione che un incontro con queste sfortunate persone una volta abbia profondamente scioccato l'artista. Non fu questo shock a gettarlo infine nella sanguinosa tempesta della Francia rivoluzionaria?
La storia della pittura quotidiana del XVIII secolo sarà incompleta se non menzioniamo il meraviglioso dipinto di I. Firsov “Giovane pittore” - uno dei primi ad appartenere a questo genere. Ci sono diversi misteri associati a questo dipinto e al suo autore. Si tratta dello stesso Firsov che, negli anni Cinquanta, come parte del gruppo di pittori della Cancelleria degli Edifici, creò desudeportes barocchi? Quando e dove è stato dipinto il dipinto? Si presume che sia a Parigi e che raffiguri una famiglia francese. Tuttavia, non è quest’ultimo il punto. L'immagine è davvero meravigliosa: con i suoi colori freschi, la leggerezza della composizione, l'affascinante vivacità dei personaggi, soprattutto dei bambini. È stato creato come se tutto d'un fiato. E, come “Smolyanki” di Levitsky, ci dà il senso dell’aria leggera e inebriante che si respirava in Russia nel XVIII secolo.
L'era di Caterina la Grande finì nel 1796. Lasciò la Russia potente, prospera, ma gravata da seri problemi, ancora latenti, ma palpabili: si sarebbero manifestati in tutta la loro forza nel secolo successivo. Anche la situazione esterna era difficile. La rivoluzione scoppiata in Francia ha completamente spazzato via la pace e l’equilibrio dell’Europa. Ciò che era percepito come irremovibile si è rivelato fragile e di breve durata.
In queste condizioni, la simmetria e la certezza morale del classicismo non potevano più corrispondere alla ricerca spirituale della società. Il mondo si è rivelato molto più contraddittorio. Sta entrando di moda il classicismo trasformato (di nuovo, prima in Francia) - lo stile Impero, “imperiale” - decisamente orientato all'antichità, ma già privo della chiarezza rigorosa e proporzionata che lo caratterizzava in precedenza.
Gli artisti di questo tempo erano caratterizzati da un desiderio di naturalezza e da un vivo interesse per i movimenti più sottili dell'anima umana. Non è un caso che entro la fine del secolo il paesaggio sia diventato un genere indipendente nella pittura russa.
Nella progettazione del paesaggio come genere, hanno giocato un ruolo vedute di città, parchi, palazzi e vari luoghi memorabili, creati in precedenza e che avevano, per così dire, un carattere educativo e topografico; così come scenografie teatrali, dipinti e pannelli d'interni, componenti paesaggistiche di ritratti e dipinti a più figure. Il paesaggio fungeva da decorazione o da sfondo, nella migliore delle ipotesi esaltando l'impressione emotiva dell'opera. Ma verso la fine del secolo, nell'arte russa c'era una crescente consapevolezza che, in primo luogo, l'immagine della natura ha valore in sé e, in secondo luogo, che attraverso di essa si possono esprimere gli stati d'animo umani più complessi.
Semyon Fedorovich Shchedrin (1745-1804) può essere considerato il fondatore della pittura paesaggistica russa. È il primo rappresentante di una dinastia di artisti, glorificata dal brillante paesaggista della prima metà del XIX secolo, Sylvester Shchedrin, ma anche le sue opere hanno avuto un ruolo molto importante nello sviluppo dell'arte russa.
Seguendo i principi del classicismo, Shchedrin credeva di dover “correggere” la natura nei suoi dipinti, rivelando in essa la proporzionalità nascosta dietro il disordinato e il casuale. Allo stesso tempo, nello spirito dello stato d'animo caratteristico dell'ambiente artistico della fine del secolo, cercava nella natura la poesia e la bellezza unica.
I suoi paesaggi degli anni Settanta e Ottanta sono principalmente immagini di luoghi immaginari, decisamente espressivi, con bellissimi alberi dalle luminose foglie di pizzo. A partire dagli anni Novanta, la sua visione della pittura di paesaggio è cambiata, diventando innovativa sotto molti aspetti. Scopre la bellezza nei paesaggi reali. Scrive vedute di famosi parchi nelle vicinanze di San Pietroburgo - Gatchina, Pavlovsk, Peterhof: "Vista del palazzo Gatchina dall'Isola Lunga" (1796), "Ponte di pietra a Gatchina vicino a Connetable Square" (1799-1801). E anche la stessa San Pietroburgo (ad esempio, “Veduta della Bolshaya Nevka e della dacia degli Stroganov”, 1804), nella cui rappresentazione la natura rimane per lui la cosa principale, e le strutture architettoniche sono percepite come parte di essa.
Naturalmente questa era la natura, ordinata dalle mani dell'uomo. Trasferendolo su tela, Shchedrin osservò attentamente la simmetria classicista, la divisione dello spazio in tre piani, ecc. Ma il colore del cielo e delle nuvole, la foschia che offusca l'orizzonte, il bagliore del sole sull'acqua della Neva - in breve, quell'ambiente luminoso nella rappresentazione del quale gli artisti del secolo successivo avrebbero raggiunto la perfezione - diventavano sempre più importante per lui.
Shchedrin ha aperto la strada a questi artisti non solo con le sue opere. Dal 1799, insieme a I. Klauber, diresse il corso di incisione del paesaggio presso l'Accademia delle arti, da cui i meravigliosi incisori S.F. Galaktionov, A.G. Ukhtomsky, fratelli Kozma e Ivan Chesky. Ben presto questa classe iniziò a formare pittori di paesaggi: il paesaggio all'interno delle mura dell'Accademia acquisì finalmente il pieno status.
Le migliori conquiste della pittura russa alla fine del secolo erano ancora associate alla ritrattistica. In questo momento, c'è un cambio di generazioni, compaiono nuovi maestri. Gli artisti si sforzano sempre più di rappresentare la vita interiore di una persona, le sue esperienze più profonde. Il ritratto diventa più intimo. Riflette le idee del sentimentalismo, un movimento popolare all'inizio del secolo e nei primi anni del XIX secolo. Queste tendenze sono state espresse in modo più completo nelle opere di V.L. Borovikovsky (1757-1825) - uno dei migliori maestri del genere del ritratto nell'arte russa.
Borovikovsky è nato in Ucraina e ha studiato pittura con suo padre. E, forse, sarebbe rimasto un ritrattista di provincia per il resto della sua vita, se non fosse stato per il viaggio dell’imperatrice nel sud della Russia, che intraprese nel 1787. A Catherine piacevano i dipinti del palazzo temporaneo realizzati da Borovikovsky. E l'artista è andato a San Pietroburgo per migliorare le sue capacità pittoriche. Ha studiato con I.B. Lumpy Sr. e, forse, Levitsky. Divenne rapidamente famoso e ricevette molti ordini. I suoi pennelli includono brillanti ritratti cerimoniali del principe Kurakin (1801-1802), Paolo I nel costume di un gran maestro Ordine di Malta(1800), ecc. Caratteristiche psicologiche vivide sono fornite anche nei ritratti da camera - G.R. Derzavina, D.P. Troshchinsky, generale F.A. Borovsky.
Vladimir Borovikovsky. Ritratto della contessa Anna Ivanovna Bezborodko con le sue figlie Lyubov e Cleopatra. 1803
Tela, olio. 134 x 104,5 cm Museo statale russo
Ma soprattutto Borovikovsky è un maestro della ritrattistica femminile intima, o più precisamente domestica. Dipinse persino Caterina II nell'immagine di un "proprietario terriero di Kazan" che camminava per il giardino avvolto in un caldo mantello. Le sue eroine sono giovani donne sognanti con un sorriso sornione sulle labbra, con un fiore o una mela in mano, in posa sullo sfondo di paesaggi pensierosi. I loro riccioli, in linea con i gusti sentimentali, sono leggermente arruffati e i loro abiti sono volutamente semplici. Il carattere di ciascuno può essere letto con precisione; uno non può essere confuso con l'altro. Questi sono i ritratti di O.K. Filippova, V.A. Shidlovskaja, E.A. Naryshkina, M.I. Lopukhina, E.N. Arsenyeva, le sorelle Gagarin, la contadina Khristinya (quest'ultima è notevole anche perché per Borovikovsky non è l'immagine “etnografica” della contadina serva ad essere importante, ma, come nei ritratti di ragazze nobili, il mondo interiore) .
Nel corso degli anni, lo sguardo dell'artista diventa più duro, la sfocatura della sua pittura, basata sui mezzitoni, viene sostituita da una rigorosa modellazione plastica (ad esempio, nei ritratti di “Lady in a Turban” - presumibilmente lo scrittore francese A.-L. -J. de Stael, - D.A. Derzhavina e M.I. Dolgorukaya, scritto nel decimo anno del XIX secolo).
Il nome di Borovikovsky non è affatto il solo nella ritrattistica russa all'inizio del secolo. Lo studente di Levitsky, S.S., era un ritrattista molto brillante e originale. Shchukin (1762-1828). Tutta la sua vita è stata legata all'Accademia delle arti, dove è finito da ragazzo in un orfanotrofio e in seguito ha diretto il suo corso di ritratto. Nei suoi ritratti, anche quelli giovanili, c'è una premonizione del romanticismo, un movimento culturale che guadagnerà terreno solo all'inizio del prossimo secolo, soppiantando classicismo e sentimentalismo. Particolarmente indicativi a questo proposito sono l’autoritratto del 1786 e il ritratto dell’imperatore Paolo I in semplice uniforme da ufficiale, con un bastone in mano.
Il lavoro di M.I. è molto interessante. Belskij (1753-1794). Lui, come alcuni artisti contemporanei, credeva che la verità della vita fosse più preziosa dell'armonia poetica dell'immagine e, seguendo la fedeltà del carattere, non evitava durezze e contraddizioni. Queste opinioni si riflettevano, ad esempio, nel ritratto che dipinse del compositore D.S. nel 1788. Bortnyansky.
Vladimir Borovikovsky. Ritratto di Daria Alekseevna Derzhavina. 1813
Tela, olio. 284 x 204,3 cm Galleria Statale Tretyakov
Noi. 117:
Stepan Shchukin. Ritratto dell'architetto Adrian Dmitrievich Zakharov. Intorno al 1804
Olio su tela 25,5 x 20 cm Galleria Statale Tretyakov
Michail Belskij. Ritratto del compositore Dmitry Stepanovich Bortnyansky. 1788
Tela, olio. 65,7 x 52,3 cm Galleria Statale Tretyakov
Nikolaj Argunov. Ritratto dell'aiutante generale conte Alexander Matveevich Dmitriev-Mamontov. 1812
Tela, olio. 151 x 125,6 cm Galleria statale Tretyakov
Nikolaj Argunov. Ritratto di Matrena Ivanovna Sokolova. 1820 Olio su tela. 67,1 x 52,8 cm Galleria statale Tretyakov
Nikolaj Argunov. Ritratto di TV Shlykova. 1789 Olio su tela. 79 x 55 cm (ovale)
Museo statale della ceramica e “tenuta Kuskovo del XVIII secolo”, Mosca
Infine, N.I. è da considerare uno dei maestri più importanti di questo periodo. Argunov (1771 - dopo il 1829). Figlio e allievo del famoso ritrattista servo, lo stesso Nikolai Argunov fu un servo fino all'età di quarantacinque anni. Il suo straordinario talento è già testimoniato dalle sue opere giovanili: “Il contadino che ride”, “Il contadino con un bicchiere in mano” e soprattutto il ritratto poetico della ballerina serva del Teatro Sheremetev Tatyana Shlykova-Granatova, scritto quando l'artista aveva circa diciotto anni Anni. Successivamente, Argunov creò molte altre opere meravigliose, tra cui spiccano i ritratti della famosa Praskovya Kovaleva-Zhemchugova, anche lei un'attrice serva che divenne moglie del conte N.P. Sheremetev morì giovane, poco dopo la nascita di suo figlio. Il ritratto in cui è raffigurata nelle ultime settimane di gravidanza - su uno sfondo nero, con un cappuccio nero e rosso, con un'espressione allarmante sul viso emaciato - è permeato di una premonizione di tragedia.
L'opera di questi artisti, come un ponte magico, ha unito i secoli che passavano e si avvicinavano. Il rapido percorso intrapreso dall'arte russa dai tempi di Pietro il Grande ha portato a risultati magnifici. Davanti a me c'era nuova strada. Hobby appassionati, ricerca disperata di novità, conflitti violenti e vere battaglie sulle opinioni sull'arte: tutto questo si prospettava. La pittura russa del XVIII secolo non lo sapeva ancora. Il suo compito era comprendere l'Uomo. E ha portato a termine questo compito brillantemente.
Nikolaj Argunov. Ritratto di Ivan Yakimov nel costume di Cupido. 1790
Tela, olio. 142 x 98 cm Museo statale russo
Nikolaj Argunov. Ritratto della donna calmucca Annushka. 1767
Tela, olio. 62 x 50 cm Museo statale della ceramica e “tenuta Kuskovo del XVIII secolo”, Mosca
Nikolaj Argunov. Ritratto del senatore consigliere privato Pavel Stepanovich Runich. 1817
Tela, olio. 134 x 103 cm Museo statale russo
Nikolaj Argunov. Ritratto dell'imperatore Paolo I. 1797
Tela, olio. 285 x 206 cm Museo della tenuta di Mosca Ostankino
Il XVIII secolo è al limite. La natura della cultura è cambiata, è diventata secolare, compaiono nuovi generi (ritratto).
1° quarto del XVIII secolo – il regno di Pietro, l’emergere di nuovi generi
Secondo quarto del XVIII secolo, colpi di stato di palazzo, regno di Elisabetta, ascesa del barocco
Seconda metà del XVIII secolo, regno di Caterina II, periodo di massimo splendore del classicismo.
La costruzione inizia secondo i piani. I russi non avevano esperienza, invitarono gli stranieri: Leblon (secondo il suo progetto, la Fortezza di Pietro e Paolo iniziò a essere costruita a San Pietroburgo nel 1703 sull'isola della lepre). Successivamente si trasformò in una prigione. L'edificio più famoso è la cattedrale. Il primo sistema fognario è apparso qui. Il primo museo è la Kunzkamera.
Il primo complesso di palazzo e parco è Peterhof. Composto da parco inferiore e superiore. Upper è un parco francese. Le fontane furono create da Pietro. L'acqua viene fornita per gravità, quasi senza pompe. Quello inferiore è il paesaggio. La fontana più grande è la grande cascata. La figura centrale è Sansone che squarcia la bocca del leone. Durante la Seconda Guerra Mondiale subì gravi danni per cui tutto dovette essere restaurato. Sul territorio ci sono piccoli palazzi (Monplaisir - sulle rive del Golfo di Finlandia, che ricorda una casa olandese; Marly - in memoria del palazzo di Luigi; l'Ermitage per ricevimenti da camera). Scivolo degli scacchi con leoni, Cascata del leone, Fontana del sole - ruota attorno al proprio asse, Fontana della balena, Fontana preferita - il meccanismo si rompe costantemente, Fontane Cracker.
Tsarskoe Selo - decorato da Caterina ed Elisabetta. Palazzo di Caterina – Barocco. The Creaky Gazebo, la scultura più famosa è la “ragazza con una brocca”.
Gatchina (Antonio Renaldi). Il palazzo è il primo classicismo. Era il castello di Orlov, successivamente donato a Pavel. C'è un parco all'inglese.
Pavlovsk. Palazzo di Paolo 1 (Cameron) – classicismo.
Metà del XVIII secolo - Barocco (Rastrelli - Palazzo d'Inverno, Monastero Smolny). Un esempio di barocco a Mosca: il campanile della Trinità-Sergio Lavra.
La seconda metà è la fioritura del classicismo. Ritorno all'antichità, alla simmetria, alle forme semplici. Accademia delle arti (Kokorinov), Quarenghi (Istituto Smolny delle nobili fanciulle). A Mosca: Bazhenov (Casa Pashkov, tenuta Tsaritsino).
Scultura
Apparso nel XVII secolo. Martos (Minin e Pozarskij),
Falcone (“Il cavaliere di bronzo”).
Dipinto russo del XVIII secolo
Ritratto del XVIII secolo:
Cerimoniale (a figura intera, uomo in posa cerimoniale-rappresentativa)
Camera (dimensioni ridotte, enfasi sulla personalità, su sfondo scuro con una quantità minima di dettagli)
Allegorico (raffigurazione nell'immagine di un eroe mitologico).
Gli artisti dovevano padroneggiare la pittura a olio, il chiaroscuro e la prospettiva. A metà del XVIII secolo fu aperta l'Accademia delle arti, dove dominava il classicismo.
Rokotov
Servo del conte Shuvalov (Vasily Maykov, ritratto da camera di Struyskaya).
Levitskij
Dalla famiglia di un prete. A Kiev ha creato icone (Catherine 2 nel Tempio della Giustizia, Architetto Kokorinov, Demidov, Smolyanki).
Borovikovsky
Nato in una famiglia cosacca. Catherine vide i suoi dipinti e lo invitò a San Pietroburgo (Catherine 2 durante una passeggiata a Tsarskoe Selo, Ritratto di Lapukhina).
Stile impero inizi '800
Inizia con l'assassinio di Paolo 1 e termina con il regno di Nicola 2. L'arte è uno strumento di influenza. Dividiamolo in 2 parti: prima della riforma degli anni '60 e dopo.
Decabristi. Politica 1 di Alexander: riforma ministeriale, Consiglio di Stato, carta universitaria liberale, insediamenti militari. La prima organizzazione "Artel degli ufficiali del reggimento Semyonovsky" fu sciolta, "Unione di salvezza" Muravyov, "Società del sud" Pestol. Mirato all'abolizione dell'autocrazia, alla parità di diritti per i cittadini e all'abolizione della servitù della gleba. Con l'arrivo di Nicola, 5 persone furono condannate a morte, 100 furono esiliate in Siberia.
Direzione conservatrice (teoria della nazionalità ufficiale)
Liberali (slavofili (Khomyakov, Samarin) e occidentali (Botkin, Soloviev))
Democratico (Herzen, Belinsky)
Teoria della nazionalità ufficiale di Nicola 1: ortodossia, autocrazia, nazionalità. (Uvarov).
Architettura
Alto classicismo o stile impero. Ha avuto origine in Francia alla fine del XVIII secolo. Basato sull'architettura antica, stile imperiale dell'Impero Romano. Differisce dal classicismo:
Tema militare (scudi, spade, elmi)
Monumentalità (insieme urbano)
Voronikhin (Cattedrale di Kazan a San Pietroburgo), Thomas de Thomon (Scambio e Spiedo dell'Isola Vasilievskij), Rossi (Piazza del Palazzo, Ministero degli Affari Esteri e delle Finanze, Palazzo Mikhailovsky, Teatro Alexandrinsky, Senato, Sinodo e edifici quadrati.
Mosca: Bave (ricostruzione della Piazza Rossa, Giardino Alexander - il fiume, l'edificio dell'arena, il Teatro Bolshoi sono stati rimossi)
Prima metà del XVIII secolo: l'era delle riforme petrine. In questo momento, tutte le specie raggiungono il loro apice arti visive. Le riforme di Pietro miravano a europeizzare tutti gli ambiti della vita russa. Comprendendo le urgenti necessità del Paese, ha superato l'arretratezza con misure decisive. Incoraggiato l'utilizzo dell'esperienza europea in tutti i settori. Credeva che la società russa avesse bisogno di padroneggiare il linguaggio della poesia e dell'arte accettato in Europa con allegorie e immagini mitologiche comunemente usate lì. Quelli. infatti, Peter ha creato una nuova estetica. Peter scrive un gran numero di professionisti provenienti dall'Europa, ma oltre ai visitatori, Peter sta lavorando per creare il proprio personale nazionale in tutti i settori. Utilizza la pratica di mandare i giovani più talentuosi all'estero e introduce il concetto la pensione(una persona che è andata all'estero per studiare a spese dello Stato). Nell’era di Pietro servire la patria, utilizzando il proprio talento, è importante, e la generosità passa in secondo piano. L'interesse per le persone sta crescendo nella società. Sulla base di ciò, la ritrattistica diventa il genere principale.
Nei ritratti russi dell'inizio del XVIII secolo (pittura) si possono rintracciare le tradizioni dell'esperienza artistica antica Rus'(parsuna, icona), arte popolare(DPI) e ha utilizzato le tradizioni culturali europee. A differenza dell'epoca medievale, quando tutti gli artisti lavoravano su commissione della chiesa, nel XVIII secolo l'arte e la letteratura secolare si svilupparono intensamente (le pubblicazioni di libri erano ampiamente illustrate). Prima della sua morte, Pietro 1 emanò un decreto che istituiva l'Accademia delle arti e delle scienze. Pittura Il genere principale è il ritratto. In questo momento emerse il genere della pittura da cavalletto con contenuti storici e quotidiani. Nei primi ritratti c'è una forte influenza dell'antica parsuna Ritratto di Yakov Turgenev, anni '90 del XVII secolo Membro del raduno di intrattenimento dei tempi di Pietro il Grande, “Un raduno sempre più ubriaco e stravagante”. La parsunalità sta nella staticità della posa, nell'interpretazione piatta della figura, le pieghe degli abiti sono scritte molto strettamente con gli spazi (come gli abiti su un'icona). D'altra parte c'è una presa in giro caustica, un ghigno, la vitalità del volto. Una presa in giro dei rituali e dell'ascetismo della chiesa del passato. L'immagine del "giullare europeo". Ivan Nikitich Nikitin (circa 1685 - non prima del 1742) Dopo aver studiato in Italia, torna in Russia come primo artista. “Ritratto in cerchio o Ritratto di Pietro il Grande” L'individualità del maestro. A differenza dei maestri dell'Europa occidentale che hanno dipinto un ritratto cerimoniale dell'imperatore, Nikitin non enfatizza la regalità, ma enfatizza la persona. Lo sfondo è scuro, da cui viene catturata la luce del fascio che strappa il volto di Pietro. Transizioni di luce e ombra molto contrastanti. La fatica, la premurosità e l'intelligenza vengono enfatizzate. Guardando in lontananza. Profondità del contenuto interno, sincerità, trasmissione veritiera dello stato interno. "Pietro 1 sul letto di morte" Il ritratto non è finito. Dipinto per diverse ore dopo la morte. Ritratto espressivo. Ha trasmesso il suo atteggiamento nei confronti di Peter, le pieghe sul cuscino, il viso calmo e nobile. Un tentativo di strappare tratti preziosi all'eternità. "Ritratto di Praskovya Ioannovna" Sono presenti molti dipinti dell'antica Russia. Non c'è correttezza anatomica. La modellazione in bianco e nero viene eseguita dall'oscurità alla luce, ma lo fa dall'oscurità alla luce. Posa statica. Mancanza di riflessi cromatici, ad es. la luce è uniforme e diffusa. Le pieghe sui vestiti sono scritte in uno stile simile agli spazi sulle icone. Un certo carattere e autostima si leggono sul volto. Gli occhi molto espressivi sono il centro della composizione. Nemmeno la minima civetteria, il silenzio assoluto della bellezza, niente di ostentato. "Ritratto del cancelliere conte Golovkin" Conte, rappresentante dell'alta società. Vestiti, parrucca, nessuna esposizione. Il Cancelliere è un politico, un diplomatico, quindi c’è un certo distacco da noi. Postura dritta, sguardo intelligente. Appare agli altri come vorrebbe essere. "Ritratto dell'atamano napoletano"
Un vecchio guerriero, esperto in battaglia. Un uomo coraggioso, tutto aperto, senza parrucca. Naturale, nella sua apertura, pronto a confrontarsi faccia a faccia con il nemico. Usando il chiaroscuro, attira l'attenzione sullo sguardo. Lo sguardo è severo, ma c'è forza e nobiltà. Andrej Matveevich Matveev (1701/1704 – 1739) Conosciuto come autore di numerosi ritratti, dipinti, dipinti decorativi, che ha completato per la Cattedrale di Pietro e Paolo, Palazzo d'Inverno eccetera. Negli ultimi anni della sua vita guidò la “squadra di pittura dell’Ufficio delle Costruzioni”. Questa organizzazione era impegnata nella pittura di interni di varie strutture architettoniche. Dopo la morte, il caposquadra diventerà Vishnyakov ("Ritratto di Sarah Fermor"), che ha realizzato ritratti di imperatori. "Ritratto di Pietro 1" Ritratto in un ovale. Stato di attività. Vitale. "Ritratto di Golitsyna" Per ordine dei Golitsyn, fu commissionato un ritratto accoppiato. Signora di stato - vicina all'imperatrice. C'era anche il "principe badessa della cattedrale di All-Shutei". È stata pubblicamente fustigata in relazione al caso di Tsarevich Alexei. Un'immagine espressiva, che trasmette sul viso un misto di scontrosità, arroganza, risentimento e smarrimento. Schiena dritta, testa alta. Una caratteristica insolita del modello. L'autore simpatizza, ma non condanna. "Autoritratto con la moglie" Per la prima volta viene mostrata un'espressione di sentimenti, un'espressione d'amore. Ti tiene la mano con una mano e ti abbraccia le spalle con l'altra. Rapporto molto gentile e sensibile. Unità massima. Nasce il motivo di un “compagno di vita”. Lo ammira, sta un po’ indietro, così la figura della moglie è più illuminata. Mostrando i testi dei sentimenti. Alessio Petrovich Antropov (1716-1795) Figlio di un soldato. All'età di 16 anni iniziò a studiare con Matveev e poi con Vishnyakov. Insieme a Vishnyakov, crea numerosi dipinti decorativi in diverse città della Russia. Nel 1752 Antropov fu invitato a Kiev per dipingere l'interno della chiesa di Sant'Andrea. Al ritorno da Kiev, occupa la carica di capo artista del Sinodo. Supervisiona le attività di tutti i pittori di icone e dipinge lui stesso ritratti di sacerdoti. Nei suoi ritratti riesce a catturare e trasmettere la parte più essenziale e quindi i suoi ritratti hanno una vitalità sorprendente. Caratteristica nei ritratti è un'immagine a mezzo busto, la figura e il viso sono il più vicino possibile allo spettatore. La soluzione coloristica si basa sui contrasti delle macchie di colore locali. Modellazione cut-off dei volumi a contrasto. I volti anziani hanno avuto particolare successo. Notò che contenevano segni di una vita vissuta. Ha creato immagini di grande autenticità. "Ritratto di Izmailova" Accessori di distinzione che parlano di status sociale. "Ritratto di Buturlina" Tracce di una vita vissuta. Uno sguardo triste, tristezza, ricordi di ciò che era, di ciò che era perduto. È impossibile parlare di un sottile ritratto psicologico, ma allo stesso tempo è impossibile affermare che l'autore del ritratto si sforza di trasferire in modo esclusivo le caratteristiche del ritratto. È stato possibile catturare ciò che era essenziale nel personaggio. "Ritratto di Rumyantseva" Molta luce e calore. Allegria. Il principio essenziale viene colto da un altro. Illuminismo. "Ritratto di Pietro 3" Lo sfarzo e lo sfarzo sottolineano solo l'inadeguatezza di Pietro. Ivan Petrovich Argunov (1729-1802) Rappresentante di una dinastia di artisti che da tempo immemorabile furono servi di Sheremetyevo. Conosciuto principalmente come ritrattista. Ho dovuto dipingere i ritratti della nobiltà di San Pietroburgo. Ho fatto degli schizzi e poi ho scritto a memoria. Il decennio più fruttuoso fu quello 1750-1760. In questo momento, Argunov ha studiato con l'artista Groot. In questo momento, ha padroneggiato lo stile della ritrattistica cerimoniale. “Ritratti di Khripunov con sua moglie” Come Antropov, fornisce primi piani di modelli. Un viso semplice, ma uno sguardo intelligente. "Ritratto di Labanov-Rostovsky" Posa orgogliosa. Ammirare te stesso. Contrasto di blu e rosso. Riesce a trasmettere la materialità della cosa. Delinea il bordo in pelliccia e il polsino arioso della camicia. “Ritratto di contadina sconosciuta in costume russo” Bella pelle ben curata, come il marmo. Purezza, saggezza, l'apice della bellezza naturale e naturale. Bellezza vivente. Colore caldo. Raffigura una semplice donna russa nel genere di un ritratto su commissione, perché... la ritraeva come una dama di stato. Ha mostrato la grandezza e la bellezza di una donna semplice. Scultura.Bartolomeo Carlo Rastrelli (1675 – 1744)
Ci sono molte opere nel genere dei ritratti e nella scultura monumentale decorativa. Busto di Pietro 1 Tipica scultura barocca. Richiesta di decoratività. Il barocco è una composizione dinamica con spazialità enfatizzata e un'enfasi su molte trame. Presenta contrasti in bianco e nero di masse plastiche e la loro pittura. Questo è più il ritratto di un'intera epoca, piuttosto che un individuo specifico. Questa generalizzazione conferisce al busto i tratti della monumentalità. Nelle pieghe è visibile il dinamismo e l'irruenza del barocco. La testa di Pietro orgogliosamente sollevata è l'immagine della Russia, pronta a competere con l'Europa. Interesse per i dettagli. Statua equestre di Pietro 1 Si trova vicino al castello Mikhailovsky. Durante la vita di Rastrelli fu fuso solo il modello e dopo la sua morte fu fuso da suo figlio. Lo spirito delle statue equestri dell'antichità e del Medioevo. L'aspirazione interna viene trasmessa. Sulla sua testa c'è una corona di alloro: è il vincitore di tutti i suoi sforzi e riforme. Chiarezza e armonia della composizione. Movimento complesso, sfarzo - barocco. L'immagine gigantesca personifica la Russia vittoriosa. Anna Ioannovna con la piccola araba Rastrelli mostra la moda di quel tempo (a quel tempo era possibile avere un uomo di colore al suo servizio). Contrasto: da un lato, il motivo dell'ostentazione è inerente alla figura di Anna Ioannovna. Nucleo interiore, abete orgoglioso, arrogante. È vestita di tutto punto. Rastrelli lo realizza secondo l'ultima moda del tempo. L'abbigliamento mostra la sua appartenenza all'Europa. Aspetto duro nei lineamenti del viso, dispotismo. Dispotismo asiatico, ma vestito alla moda europea. D'altra parte, il genere caratteristico del piccolo arap è una sfumatura quotidiana. Il contrasto della massa è la piccola figura del piccolo nero e la grande figura di Anna Ioannovna.
Uno dei dipinti più amati dalla gente è stato dipinto da Ivan Shishkin sull'isola di Gorodomlya, sul lago Seliger nella regione di Tver. Tutti sembrano poterlo immaginare così chiaramente davanti ai propri occhi che spesso si perdono di vista alcuni dettagli importanti, e questo comporta malintesi. Prima di tutto, non è stato solo Shishkin a dipingere il quadro. Gli orsi preferiti da tutti sono stati raffigurati dal famoso pittore Konstantin Savitsky. Si ritiene che la sua firma sia stata rimossa da Pavel Tretyakov con le parole che "tutto sulla tela, dall'inizio all'esecuzione, parla dello stile di Shishkin", ma non è così. Il dipinto, infatti, fu inizialmente esposto con le firme di due autori, e solo allora lo stesso Savitsky chiese di cancellare il suo nome. Inoltre, le persone spesso confondono il titolo dell'opera: a volte risulta essere "Tre orsi", sebbene ci siano quattro orsi, o "Mattina in una foresta di pini", sebbene la foresta sia, per definizione, pino.
ALEXEY KONDRATIEVICH SAVRASOV
"Le torri sono arrivate"
La storia della creazione del dipinto più famoso di Savrasov, "The Rooks Have Arrived", rimane ancora poco chiara: i ricercatori hanno opinioni divergenti sul luogo in cui è stato dipinto. Nonostante la firma dell’autore secondo cui il villaggio di Molvitino, provincia di Kostroma, è servito come luogo per questo lavoro, si ipotizza che il primo schizzo sia stato creato a Yaroslavl. Si presume anche che Savrasov abbia dipinto il quadro a memoria e alla fine lo abbia completato mentre era già a Mosca. Ma allo stesso tempo, i biografi dell’artista affermano che il paesaggio fu completato in un giorno.
“The Rooks Have Arrived” fu molto apprezzato dai contemporanei: il dipinto fu immediatamente acquistato da Pavel Tretyakov. Ma il dipinto ebbe un tale successo che l'autore fu incaricato di realizzarne un gran numero di repliche. Savrasov a volte apportava modifiche: tutti i dipinti venivano immediatamente distribuiti in varie collezioni.
MIKHAIL NESTEROV
"Visione al giovane Bartolomeo"
Quando il dipinto di Nesterov fu presentato per la prima volta al pubblico all’inizio del XX secolo, colpì il pubblico in modo spiacevole. Molti critici, compresi artisti famosi, gridarono a gran voce che questo dipinto era “dannoso”. Secondo loro, Nesterov è quasi entrato nel campo dei pittori di icone e ha attraversato pezzo d'arte lo consideravano inaccettabile con l'immagine della chiesa. Tuttavia, c'era chi ha sentito la sottile intenzione dell'autore, che ancora oggi fa congelare il pubblico davanti al quadro: l'artista ha unito il divino e il reale su una tela: le immagini di un vecchio e di un ragazzo.
Lo stesso Nesterov era convinto che questo dipinto fosse suo miglior lavoro, e nella vecchiaia amava ripetere: “Non sono io che vivrò. “Il Bartolomeo Giovine” vivrà. Ora, se trenta, cinquant’anni dopo la mia morte dice ancora qualcosa alla gente, vuol dire che è vivo, e vuol dire che sono vivo anch’io”.
IVAN GLAZUNOV
“Crocifiggilo!”
Ivan Glazunov è il successore della dinastia creativa, figlio del famoso artista Ilya Glazunov, che viene spesso scambiato per il creatore del dipinto "Crocifiggilo!" Il fatto è che il dipinto “Crocifiggilo!” era tesi giovane Ivan, ma gli spettatori di solito trovano difficile immaginare che una tela così grandiosa sia stata creata da uno studente. Il dipinto, che nel 1994 stupì la commissione di laurea per la sua composizione ed esecuzione, continua oggi a suscitare ammirazione e accesi dibattiti. L'immagine di Gesù legato nel dipinto, circondato da uomini armati aggressivi, è spesso associata all'immagine della Russia.
Non è un caso che Ivan Glazunov si sia rivolto all'immagine di Cristo: il suo volto appariva spesso sulle tele di suo padre, Ilya Glazunov. A quel tempo, l'appello dell'anziano Glazunov all'immagine del santo suscitò rabbia tra le autorità sovietiche, oggi la dinastia di artisti è conosciuta e rispettata in tutto il mondo.
MIKHAIL KLODT
"Boschetto di querce"
Klodt si distinse tra i paesaggisti russi del XIX secolo perché raffigurava sempre la vita degli abitanti dei villaggi, senza abbellirla o idealizzarla. Nei suoi dipinti, l'artista ha trasmesso la vita e la natura così come apparivano davanti ai suoi occhi. E per ottenere un'elevata precisione dell'immagine, Klodt a volte doveva riscrivere più volte le sue tele. La sua particolare attenzione ai dettagli è evidente nel dipinto “Oak Grove”, che è interessante anche perché in esso Klodt viola specificamente i canoni accademici: i piani vicino e medio sono rappresentati altrettanto chiaramente e lo sfondo è completamente assente.
Nonostante il grande apprezzamento del lavoro di Klodt da parte dei suoi contemporanei, la sua situazione finanziaria rimase sempre difficile, il che può essere attribuito alla mancanza di spirito imprenditoriale dell'artista: non sapeva come vendere con successo i suoi dipinti. E gli ultimi anni della vita fruttuosa del maestro si rivelarono particolarmente difficili: Klodt era nel bisogno e fu costretto a prendere in prestito denaro da persone diverse.
IGOR GRABAR
"Neve di marzo"
Grabar studiò alla Facoltà di Giurisprudenza dell'Università di San Pietroburgo, ma dopo la laurea scelse di diventare un artista e nel 1894 entrò all'Accademia delle Arti, dove insegnò il famoso pittore russo Ilya Efimovich Repin.
"March Snow" è stato scritto da Grabar nel 1904, mentre era in visita al suo amico nel villaggio di Churilkovo vicino a Mosca. Nel dipinto, l'artista ha voluto rappresentare una normale giornata di marzo che si avvicina al tramonto. Tutto sulla tela parla dell'avvicinarsi della primavera: la neve è scura e satura d'acqua, e sui tetti delle capanne del villaggio visibili in lontananza non c'è più neve. Grabar aveva quasi completato il lavoro sulla tela, ma su un sentiero scongelato vide per caso una ragazza con una sedia a dondolo e due secchi che si affrettava a prendere l'acqua: l'artista decise immediatamente di cambiare la trama della tela e catturò la figura della ragazza nel centro della sua pittura.
ARKHIP KUINDZHI
"Notte di luna sul Dnepr"
Fu organizzata una mostra personale per il dipinto "Notte al chiaro di luna sul Dnepr" - un fatto senza precedenti per quel momento. Kuindzhi era chiamato “l’artista del colore” per il suo amore per il gioco dei contrasti di luci e ombre e per la sua capacità di trasmettere efficacemente tramonti solari e notti illuminate dalla luna. Ma questo dipinto ha superato tutte le aspettative del pubblico e già durante la sua creazione ha guadagnato una fama senza precedenti: Kramskoy, Mendeleev, Turgenev e molti altri sono venuti nello studio dell'artista per osservare il paesaggio insolito. "Notte al chiaro di luna sul Dnepr" fu rapidamente acquistata dal granduca Konstantin Konstantinovich, che anche durante un viaggio intorno al mondo non volle separarsene. Con il passare del tempo, anche a causa dell'aria umida del mare, il paesaggio cominciò a scurirsi e, purtroppo, gran parte della ricchezza dei mezzitoni di questa immagine oggi è andata perduta.
Vasilij Polenov
"Autunno d'oro"
“L’autunno d’oro” anche oggi sembra essere l’incarnazione del sogno di un cittadino di un paesaggio privo del trambusto quotidiano. Prima di iniziare il lavoro, l'artista ha vagato a lungo lungo le rive dell'Oka nella sua tenuta alla ricerca di una natura migliore. Alla fine scelse un luogo su una collina che offriva una delle migliori viste panoramiche sul fiume, che l’artista aveva già catturato nei dipinti “Early Snow” e “Eyes in Summer”. Questa volta Polenov ha voluto rappresentare non solo il paesaggio che gli sta a cuore, ma anche la sua stagione preferita: l'autunno. Per la composizione del dipinto “Autunno d'oro”, l'artista ha scelto una soluzione insolita: ha catturato il fiume sotto forma di un arco. Questa forma di Oka, come notano i critici d’arte, conferisce completezza al paesaggio e aiuta l’occhio dello spettatore a compiere un viaggio visivo attraverso la tela.
VASILY ANDREEVICH TROPICIN
"La Merlettaia"
Il dipinto del servo Tropinin “La Merlettaia” è diventato famoso grazie ad una felice coincidenza. Come regalo per Pasqua, Tropinin, che era stato servo per 47 anni, ricevette la libertà dal suo padrone, il conte Morkov. Andò immediatamente a San Pietroburgo con l'obiettivo di realizzare il suo vecchio sogno: ricevere un diploma presso l'Accademia delle arti, dove aveva precedentemente studiato l'arte del disegno. Tra gli altri dipinti che presentò alla commissione c'era "La Merlettaia". Questo viaggio ha cambiato l'intera vita dell'ex servo. Un anno dopo, l'artista ottenne il titolo di accademico e nel 1843 fu eletto membro onorario della Società artistica di Mosca.
Il dipinto stesso era un fenomeno di un nuovo genere di ritrattistica, raffigurante le gioie ordinarie della vita e aprì l'artista Tropinin alla società. È stato particolarmente notato come l'autore sia riuscito con successo a catturare il carattere di una ragazza semplice che si china sul suo lavoro.
ISAAC ILYICH LEVITAN
"Autunno d'oro"
Sia il lavoro di Levitan in generale che “L’autunno d’oro” in particolare non erano molto comuni per la pittura russa di quel tempo. Levitan ha introdotto il concetto di “paesaggio dell’umore” nella pittura russa e “Autunno d’oro” è una delle opere più iconiche e amate in questo senso dal pubblico.
Ma l'immagine non è troppo familiare allo stesso Levitan. L'artista ha dedicato più di cento dipinti all'autunno, ma in questo particolare non rifletteva la tristezza tradizionale in questi casi. Al contrario, ogni elemento della tela sembra illuminato dalla luce dorata del sole. Gli storici dell’arte associano questo fatto a un periodo speciale della vita dell’artista: al momento della pittura, Levitan era innamorato. Esiste una versione secondo cui l'autore era insoddisfatto del suo lavoro e un anno dopo dipinse un altro dipinto con lo stesso nome: la nuova tela fu realizzata nel modo familiare all'artista.
GAVRIIL ROMANOVICH DERZHAVIN
"Monumento"
Con questo lavoro, Derzhavin ha effettivamente capovolto l'idea sociale dei poeti e li ha trasferiti dalla categoria dei "buffoni" alla categoria dei maestri del genere serio. Nel XVIII secolo era diffusa l'idea del poeta-pagliaccio, costretto a sopportare i capricci e gli scherni della corte. La poesia di Derzhavin, scritta nel 1795, divenne la prima opera nella letteratura russa in cui il personaggio principale era un poeta-creatore con un senso di autostima. L'autore di “Monument” parla in difesa del poeta e parla della necessità di riconoscere il diritto alla libertà creativa. Successivamente, la storia di una creazione miracolosa fu incarnata nelle opere dei contemporanei dello scrittore: Kapnist e Lomonosov. Questo tema è sopravvissuto a lungo all'era dello stesso Derzhavin: Pushkin, Mayakovsky, Akhmatova vi sono tornati.
"IL BAROCCO DI PIETRO"
Il tempo di Pietro - le riforme di Pietro - fu un punto di svolta per tutta la vita russa, segnando il passaggio dal Medioevo alla Nuova Era. Allo stesso tempo, orientamento verso Europa occidentaleè diventato decisivo e addirittura obbligatorio. Sotto l'influenza dell'Occidente, così come per volere del tempo, l'arte assunse gradualmente un carattere più secolare, liberandosi dai vincoli della religione.
Le basi della nuova arte furono gettate a Mosca. La Chiesa di Dubrovitsy, la Chiesa dell'Arcangelo Gabriele (Torre Menshikov), la Torre Sukharev, il Palazzo Lefortovo furono i precursori originali del nuovo, Pietroburgo, stile. Questo stile artistico unico, sviluppatosi in particolari condizioni storiche, geografiche e climatiche, rifletteva i gusti personali di Pietro.
La città, fondata nel delta del fiume Neva dallo stesso imperatore e chiamata Pietroburgo in onore del suo celeste protettore, il Santo Apostolo Pietro, avrebbe dovuto realizzare il sogno di una nuova città ideale. Pietro la concepì come una versione della sua amata Olanda, come una città-porto-fortezza. Ma, secondo l'artista e storico dell'arte russo A.N. Ben, l'unica intenzione era quella di creare qualcosa di olandese da San Pietroburgo, ma si è rivelato essere tutto suo, speciale... Lo stile di San Pietroburgo è una sensazione speciale di spazio e tempo storico. L'aspetto di San Pietroburgo è, prima di tutto, una combinazione del basso cielo settentrionale, della distesa grigio piombo della Neva e delle svettanti verticali delle guglie dorate. La Neva, “la sua corrente sovrana”, è il “viale” principale della città, la sua “piazza” principale. Questo "pathos di ampiezza" - la predominanza della linea orizzontale sulla verticale - è stato determinato dall'originalità del paesaggio - gli spazi d'acqua di Bolshaya Neva, Malaya Neva, Bolshaya Nevka, Malaya Nevka, Fontanka, Moika, Catherine Canal, Canale Kryukov, ecc. Il collegamento di acqua e terra dà linee orizzontali perfette. Al di sopra delle linee orizzontali dell'acqua e degli argini si eleva una fascia di case poste una accanto all'altra, quasi allo stesso livello, per l'obbligo stabilito di costruire non più in alto dell'Inverno.
Questa linea frastagliata e apparentemente tremante di case contro il cielo crea un'impressione di spettralità, effimerità dello sviluppo urbano, che è esaltata dal gioco di luci e dalla gamma colorata di edifici bianco limone, marmo e granito. Il continuo sviluppo delle strade è tipico di San Pietroburgo, mentre le strade, per l'assenza di salite e discese, diventano, per così dire, l'interno della città. Giardini e piazze furono “costruiti” nelle fitte file di case, il che funge da ulteriore espressione dell'orizzontalità della città.
Gli elementi caratteristici del paesaggio cittadino - le guglie della Fortezza di Pietro e Paolo, l'Ammiragliato e il Castello Mikhailovsky - sono perpendicolari alle linee orizzontali e quindi le enfatizzano. Alle guglie fanno eco gli alti campanili delle cattedrali.
L'unicità dello stile di San Pietroburgo è stata determinata dal fatto che la città è sorta per volontà di una persona, immediatamente e da zero. Mosca, pittorescamente distesa “su sette colli”, è cresciuta spontaneamente attorno al suo centro storico
per molti secoli. Pietroburgo fu costruita in appena un quarto di secolo e quasi subito in pietra.
La costruzione della nuova capitale fu associata agli eventi della Guerra del Nord (1700-1721), intrapresa da Russia e Svezia per la liberazione delle originarie terre russe sulle rive della Neva e del Golfo di Finlandia al fine di stabilirsi sul Mar Baltico.
Nel maggio 1703, sull'isola di Hare ebbe luogo la fondazione cerimoniale della fortezza. Nello stesso anno al centro della fortezza di terra fu fondata una chiesa in legno con il nome degli apostoli Pietro e Paolo, sormontata da una guglia. I primi sette anni di esistenza della città costituirono il “periodo di legno” della sua storia, di cui è sopravvissuta solo la casa di Pietro I sull’isola Berezovsky.